jueves, 25 de diciembre de 2008

REBECCA

TITULO ORIGINAL: Rebecca
AÑO: 1940
DURACIÓN: 130 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Robert E. Sherwood & Joan Harrison (Novela: Daphne du Maurier)
MÚSICA: Franz Waxman
FOTOGRAFÍA: George Barnes (B&N)
REPARTO: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Gladys Cooper
PRODUCTORA: David O. Selznick Production / United Artists
GÉNERO Y CRÍTICA: 2 Oscar: mejor película, fotografía / Intriga /


SINOPSIS
Al poco tiempo de perder a su esposa Rebeca, el aristócrata inglés Maxim De Winter conoce en Montecarlo a una joven humilde, dama de compañía de una señora americana. Poco después, De Winter y la joven se casan, y ambos van a la mansión inglesa de Manderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la señora Winter se da cuenta de que no puede borrar en su marido el recuerdo de su difunta esposa.

COMENTARIO
Rebeca es una película muy reconocida del maestro del cine Alfred Hitchcock que, desde mi punto de vista, está sobredimensionada.El film se divide en tres partes bien diferenciadas. La primera, de una media hora de duración, es el encuentro entre la pareja protagonista. Con un cierto tono cómico, tranquilo y sosegado y escaso interés, Hitchcock nos muestra los dos mundos de los protagonistas, la riqueza de uno y la pobreza de la otra. La segunda parte, se desarrolla dentro de la casa de Manderlay, en la que Joan Fontaine se ve sometida a un auténtico tormento. Su vida se hace imposible de manera progresiva, vive en una angustia muy difícil de soportar. Esto, en un principio, resulta ser un tema realmente muy interesante, ver cómo una persona no puede vivir tranquila en su propia hogar, siendo acosada por los visitantes y por todos los que viven en ella. Pero... Hitchcock narra la historia con el freno de mano echado. Un ritmo lento y cansino, con situaciones que realmente ni dan miedo, ni dan suspense, ni misterio. Unos diálogos realmente vacíos, sin una trama de por medio, sólo ver cómo una persona la van destruyendo poco a poco, sin el sentido del humor del director británico, sin crear angustia, ni tensión... en fin, un sopor en muchos aspectos que consigue aburrir de manera considerable.La tercera sin dudas es la mejor de todas. Se empiezan a revelar los secretos que esconden los protagonistas, se crea una buena trama de misterio, diálogos rápidos, ágiles e interesantes, hasta llegar a un notable final para nada predecible. Alfred salva los muebles por los pelos, pero muy por los pelos.En cuanto a las actuaciones, un gran Lawrence Olivier, con estilo, seco y parco en palabras, un tipo frío que no muestra sus sentimientos hasta el final. Joan Fontaine un poco perdida, una chica sin pasado alguno y sin nombre, que deambula por la pantalla. No consigue que el espectador empatice con su sufrimiento, no consigue dar lástima. La mejor sin duda, Judith Anderson. Inconmensurable. Una mujer que da miedo, que acosa a Joan, que es impertinente, fría, cruda, con sentimientos casi necrófilos por Rebeca... Su sola presencia, con esa gélida mirada autoritaria, consigue crear gran angustia.En definitiva, la cinta más impersonal de Hitchcock es la única que ha ganado el Oscar a la mejor película. Los académicos de Hollywood nunca entendieron a Hitchcock, y yo nunca entenderé al Hitchcock de esta película.

martes, 9 de diciembre de 2008

COFFEE AND CIGARRETES

Dirección y guión: Jim Jarmusch.
País: USA.
Año: 2003.
Duración: 96 min.
Género: Comedia
Reparto: Roberto Benigni, Steven Wright, Joie Lee, Cinqué Lee, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, Joe Rigand, Vinny Vella, Vinny Vella Jr., Renée French, E.J. Rodriguez, Alex Descas, Cate Blanchett, Bill Murray, Jack White, Meg White, Steve Coogan, Alfred Molina, Bill Rice, Taylor Mead.
Producción: Joana Vicente y Jason Kliot.
Fotografía: Frederick Elmes, Ellen Kuras, Tobby Müller y Tom Jarmusch.
Montaje: Jay Rabinowitz, Terry Katz, Melody London y Tom DiCillo.
Diseño de producción: Mark Friedberg, Dan Bishop y Tom Jarmusch.
Dirección artística: Laura Chariton y Tom Jarmusch.

SINOPSIS
"Coffee and cigarettes" es una serie de pequeñas historias estructuradas como una película o viceversa. Cada una de ellas reúne a varios personajes sentados alrededor de una mesa tomando ca-fé, fumando cigarrillos y discutiendo de temas tan diversos como los polos de cafeína, Abbott y Costello, las teorías sobre la conspiración contra Elvis, la correcta preparación del té inglés, los inventos de Nikola Tesla, la ficticia banda de rock SQÜRL, París en los años veinte, y el uso de la nicotina como insecticida. El reparto es un grupo de extraordinarios actores y músicos que dan vida igualmente a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco (cigarrillos) y negro (café).

COMENTARIO
Nos encontramos ante una película independiente , bien construida, una serie de personajes que se dan cita en distintos cafés o salas donde pueden degustar tranquilamente de una o varias tazas de café mientras disfrutan del pitillo. Desde este escenario se van presentando pequeños fragmentos cotidianos, conversaciones que cualquiera podría tener mientras está tomando el café. Esta película se concibio por Jarmusch como una manera de relajarse entre sus largometrajes, de manera que por estos relatos van circulando todo tipo de conocidos del director, desde su primer capitulo con un jovencisimo Benigni junto al showman Steven Wright, hasta un relato donde los componentes del grupo White Stripes conversan sobre la bobina de tesla que Jack ha construido.«El reparto da vida a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco y negro por Frederick Elmes, Robby Müller, Ellen Kuras y Tom DiCillo».La película se desarrolló rodando cortos a lo largo de 17 años. El relato de Roberto Benigni y Steven Wright se rodó en 1987 para el programa de televisión Sarturday Night Live, y el de Tom Waits e Iggy Pop se rodó en 1992.La fotografía es impecable y los diálogos como ya digo, satíricos, cotidianos, burlescos... Sin duda para mí hay varios dialogos impresionantes como el del corto donde Steve Buscemi conversa con los hermanos del director Spike Lee, o el dialogo entre los músicos Iggy Pop y Tom Waits, así mismo el de Cate Blanchet conversando con su "prima" es otro toque personal de Jarmusch.Mientras me tomo un cafelito les recomiendo esta película plenamente, si bien en algunos diálogos la película puede decaer, otros sin embargo la empujan de nuevo a flote rápidamente. Podemos observar que Jim Jarmusch no se acobarda a la hora de usar el B/N sino que lo utiliza de manera espectacular recreando el ambiente de esas cafeterias , restaurantes y antros donde todos hemos podido compartir una pequeña conversación a la hora del café.

LA FIERA DE MI NIÑA

TÍTULO ORIGINAL: Bringing Up Baby
PAIS: USA
DIRECTOR: Howard Hawks
REPARTO: Katharine Hepburn,
Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving, Tala Birell, Virginia Walker, John Kelly, William Benedict, Billy Bevan, Stanley Blystone, Ward Bond, Jack Carson, Edwa
AÑO PRODUCCIÓN: 1938
DURACIÓN: 102 minutos
GÉNERO: Romance, Comedia
PRODUCTOR: Howard Hawks
GUIONISTAS: Hagar Wilde, Dudley Nichols
MÚSICA: Max Steiner,
Roy Webb
FOTOGRAFIA. Russell Metty
SINOPSIS
El “torpe” David Huxley, un joven paleontólogo, busca desesperadamente un millón de dólares para su museo y para poderse casar con su ayudante. Conoce a Susan, una caprichosa heredera, que al descubrir su labor, se decide a ayudarle. Aunque al principio David parece reacio a esta colaboración por la forma de comportarse de la joven, Susan le convence, utilizando como estrategia el trasladar a un leopardo “Baby” que está domesticado, llevándolo a casa de su acaudalada tía.... David Huxley, es científico tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio del que sólo le falta una clavícula intercostal, y que también está a punto de casarse con su amodina secretaria. Es una partida de golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja Huxley, éste conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a huxley y a dedicarle sus atenciones en su particular estilo: le abolla el coche, le rompe el smoking, esconde su ropa, le rompe las gafas y por si fuera poco, le ambauca para cuidar a un joven leopardo llamadao "baby".

COMENTARIO
Una obra maestra del polifacético Howard Hawks, y considerada como una de las mejores comedias de Hollywood. La fiera de mi niña (Bringing up Baby) narra la historia de un científico tímido e dedicado por completo a su trabajo, David Huxley, que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brontosarurio. Por circunstancias diversas conoce a Susan Vance, una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, después de involucrarle en infinidad de líos y situaciones curiosas como la de cuidar a su leopardo Baby por ejemplo... El ritmo de la película es trepidante y alocado gracias al excelente guión de Dudley Nichols, que al año siguiente trabajaría junto a Ford en La diligencia. Pero sobre todo destacan las interpretaciones de los dos protagonistas —Cary Grant y Katharine Hepburn—, sencillamente magistrales. En concreto Hepburn borda uno de los mejores papeles de su carrera cinematográfica. La pareja repetiría a las órdenes de Cukor en Historias de Filadelfia (1940) dos años después. Entre los actores del reparto destacan nombres como el de Barry Fitzgelrald o el aún desconocido Ward Bond. Sorprendentemente la película no recibió ninguna nominación al Oscar. Algo que le sucedería a Hawks en otras de sus grandes películas como Tener y no tener o El sueño eterno.

jueves, 4 de diciembre de 2008

EL LABERINTO DEL FAUNO

Año: 2006
Pais: España-Mexico
Dirección y guión: Guillermo del Toro
Productores: Guillermo del Toro, Álvaro Augustín, Alfonso Cuarón, Berta Navarro, Frida Torresblanco
Productor Ejecutivo: Edmundo Gil
Director de Fotografía: Guillermo Navarro
Música: Javier Navarrete
Montaje: Bernat Vilaplana
Diseño de Producción: Eugenio Caballero
Sonido: Miguel Polo
Maquillaje Especial: David Martí (DDT)
Maquillaje: Pepe Quetglas
Figurinista: Lala Huete
Efectos Especiales: Reyes Abades
Interpretes: Sergi López(Vidal), Maribel Verdú(Mercedes), Ivana Baquero(Ofelia), Alex Angulo(Doctor), Ariadna Gil(Carmen), Doug Jones(Fauno), César Bea(Serrano), Manuel Solo(Garcés), Roger Casamayor(Pedro)


SINOPSIS

“El laberinto del fauno” nos sitúa en el año 1944, quinto año de paz, y cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto.
La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona.
También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.
Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.



COMENTARIO

Obviando sus múltiples nominaciones a los premios Oscar 2007, la cinta del mexicano, realizada en España y con reconocidos actores de la península, tiene la gran virtud de hacer congeniar dos estilos diametralmente opuestos en el papel, pero que sin embargo el director supo unir en una cinta que difícilmente será catalogada como absurda, o sentimentalista, para así convertirse en un referente dentro de la cinematografía española, Del Toro parece que quiere dejar su marca en el cine hispano, y vaya que lo está logrando.
“El Laberinto del Fauno” es un drama que tiene como una de sus misiones hacer más tragable la experiencia que España, así como muchas sociedades, han vivido bajo el yugo del militarismo más intimidante.


La historia no es apta en ningún caso para niños, aunque es la pequeña Ofelia quien lleva los hilos de esta sorprendente trama, ya que es una niña que se ve obligada a acompañar a su madre, Carmen, a un pueblo rural de la España de 1944, ya que luego de enviudar se ha vuelto a casar y se encuentra embarazada. Su padrastro es ahora el rígido y cruel Vidal, uno de los tantos capitanes del ejército franquista de aquellos años. Así entonces, para hacer más llevadera su existencia, la niña comienza a vivir en un mundo paralelo y fantasioso que la hace alejarse, hasta cierto punto, de la traumática situación que se vive fuera de casa, con Vidal llevando a cabo una despiadada persecución contra la resistencia republicana, quienes incluso han infiltrado al círculo más íntimo del fascista capitán.
Ofelia, cuyas únicas compañías del lado terrenal son su madre y la abnegada empleada Mercedes, comienza a entablar amistad con extraños seres, algunos de ellos insectos con forma humanoide que vuelan a su alrededor, y por sobre todo, con un llamativo y enigmático Fauno, quien la hará cumplir algunas pruebas dentro de este mundo imaginario luego de una sorprendente revelación, siempre apuntando a hacer lo correcto, aunque a simple vista no lo parezca. Resulta fácil entender entonces porqué entre la pequeña Ofelia y Vidal crecerá una enorme antipatía que desafortunadamente tendrá consecuencias. Será ese antagonismo el que reforzará la idea central del film, que por más dura y traumática que sea la vida nunca debe perderse la capacidad de soñar.
Con una fotografía cargada hacia los tonos sepias, especialmente con ese tinte azulado, además de excelentes aspectos técnicos como vestuario, maquillaje y efectos de animación, “El Laberinto del Fauno” no deja ningún detalle técnico al azar, y transforma al largometraje de Del Toro en uno de los mejores trabajos de producción del cine de habla hispana. En el plano de las actuaciones no hay mucho que decir, salvo la gran performance de Maribel Verdú en su doble rol dentro del círculo de Vidal, pero a diferencia de otras opiniones, no me convenció del todo Sergi López, que por momentos me pareció solo una caricatura de los militares al servicio de ideologías totalitarias, con muy pocos matices dentro de este personaje que, así como provocador y detestable, debió ser mucho más complejo de lo que finalmente resultó.
Aún así, el resultado final es notable, especialmente en dirección y guión, ambos a cargo de Del Toro, por lo que “El Laberinto del Fauno” está destinada a convertirse en un clásico, más allá de algunos lunares, porque lo cierto es que combinar fantasía y drama de la forma que lo hizo su director no pasará indiferente, porque es por lejos de lo mejor que el cine de la península nos ha brindado en estos años.

miércoles, 3 de diciembre de 2008

EL PROCESO

Titulo original: The Trial (Le Procès)
Año: 1962
Duración: 118 min.
País: Francia
Director: Orson Welles
Guión: Orson Welles (Novela: Franz Kafka)
Música: Jean Ledrut
Fotografía: Edmond Richard
Reparto: Anthony Perkins, Romy Schneider, Jeanne Moreau, Orson Welles, Elsa Martinelli, Akim Tamiroff
Productora: Coproducción Francia-Italia-Alemania

SINOPSIS
Basado en una novela de F. Kafka y dirigida por el gran Orson Welles, "El Proceso" cuenta la historia de Josef K., quien se despierta encontrando a la policía en su habitación. Le dicen que debe ir a un juicio, pero no le informan de lo que ha sido acusado. Para averiguar el motivo de su acusación y protestar por su inocencia, intenta ver lo que hay detrás del sistema judicial. Pero dado que sus averiguaciones no dan frutos, parece no haber escapatoria para él en esta pesadilla kafkiana.

COMENTARIO
No sabía muy bien qué quería decir la gente cuando decía “es muy kafkiano”, por ejemplo; bien, ahora lo sé. Digamos que por extensión significa “algo muy raro”, que es lo que entiende todo el mundo. Pero no es solamente rareza, es algo más, es paranoia, es locura, es absurdez.Puede que en 1962 “ésta película fuese la cumbre del arte cinematográfico”, como dijo nada menos que Charles Chaplin. Lo que es seguro es que se trata de puro cine moderno; Orson Welles triunfa en ésta titánica y avasalladora empresa, arriesgada a más no poder, y adapta una obra cumbre de la literatura mundial como nadie más podría hacerlo. La inteligencia, el talento y el sentido del arte brillan aquí como el sol.Un dato importante es decir que no me he leído el libro, de Kafka sólo La Metamorfosis, pero aún así creo que no pudo quedar mejor esta película.Visualmente impactante, ésta obra maestra mete el dedo en la llaga y hurga en los subsuelos podridos de la justicia creando una atmósfera de hermosa perturbación y angustiosa impotencia.Enigmática, subyugante, incómoda, se trata de un viaje a los confines de un infierno laberíntico, plagado de contrapicados asombrosos, de grandes angulares perfectos, deformando la realidad como en una pesadilla. De hecho, es lo más parecido a una pesadilla.Pocas son las escenas que no pasaron a la historia, con un desenlace brutal, balbuceando entre la demencia un alegato destructor contra la burocracia, contra los engranajes del poder, contra la imposibilidad del individuo ante un sistema injusto.

Aquí no importa nada de qué se le acusa a K, aquí lo que importa es la impresionante actuación de Anthony Perkins (Psicosis) y cómo se va derrumbando, doblegando poco a poco cada vez más y más…Es el Réquiem por un Sueño de los 60′, es al cine lo que El Almuerzo Desnudo es a la literatura, un ejercicio desquiciado, frenético, desesperado y atroz de brillante locura.

Una de las máximas virtudes que tenía Welles, y ello queda denotado claramente en su obra, es la gran capacidad del realizador para hacerse suyo un texto ajeno. Tanto de obras clásicas de carácter mítico como pueden ser Macbeth, Othello, Campanadas a medianoche y El Quijote; obras de excelente calidad como El cuarto mandamiento (Los magníficos Amberson) de Booth Takington, El proceso o Una historia inmortal (Une histoire inmortelle, 1968) de Isak Dinesen; o, y lo que resulta más sorprendente, de novelas de segunda y tercera fila con las que Welles haría maravillosas obras como son La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1948) de la novela If I die before I wake de Sherwood King y Sed de mal de la novela Badge of evil de Whit Masterson.

martes, 25 de noviembre de 2008

EL GRAN PEZ (BIG FISH)

Titulo original: Big Fish
Drama
Pais: USA
Duración: 125 minutos
Año: 2003
Director: Tim Burton
Guionista: Daniel Wallace, John August
Productor: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck
Música: Danny Elfman
Fotografía: Philippe Rousselot
Montaje: Chris Lebenzon, Joel Negron
Reparto: Ewan McGregor-Edward Bloom (joven), Albert Finney-Edward Bloom (mayor), Billy Crudup-William Bloom, Jessica Lange-Sandy Bloom, Alison Lohman-Sandy Bloom (joven), Helena Bonham Carter-Jenny, Steve Buscemi-Norther Winslow, Danny DeVito-Amos, Matthew McGrory-Karl, Marion Cotillard-Josephine, Robert Guillaume-Dr. Bennett (mayor), Miley Cyrus-Ruthie

SINOPSIS
Esta película cuenta la historia de Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney), un hombre querido por todos, que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela a la nuestra, algo que puede aceptar sin problemas su esposa (Jessica Lange) pero que no entra en la cabeza de su hijo –Billy Crudup–, un periodista que no aguanta la tendencia de su progenitor a inflar acontecimientos de su vida para llamar la atención, lo que lo ha llevado a enemistarse con él. Cuando la salud de Edward sufre una grave recaída, el hijo vuelve al hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad. Toda la verdad. Lo que asimismo será una excusa perfecta para que el espectador pueda saber cómo fue la vida de Bloom, que incluye momentos de todo tipo: alegres, insólitos, aterradores, tristes, melancólicos, románticos, etc. Todos ellos entremezclados, apasionantes, desbordantes de imaginación.

COMENTARIO
Después del traspié que supuso la remake de El planeta de los simios, Tim Burton había sembrado muchas dudas sobre sus futuros trabajos. Pero con El gran pez, su film menos oscuro pero no por ello menos creativo y atrevido, todas ellas se despejan.
El gran pez no sólo es una bella película, sino también una película inteligente, que se permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y sus consecuencias en la transformación de un relato, activando en el público una evocación por las historias transmitidas por los padres en las que la memoria expande todo. No hay grises, todo es extremo, y se quiere escuchar el cuento una y otra vez. Pero la infancia termina, los requisitos hacia los mayores son otros y los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Necesita una guía, algo que le permita recuperar el respeto por su padre, pues el cuestionamiento sólo forma parte de una búsqueda de entendimiento definitivo.
Si estética y narrativamente.

Culminando la trilogía de los Eduardos (los otros dos films son El joven manos de tijera y Ed Wood), El gran pez establece una inesperada conexión entre Burton y el gran John Ford en el tratamiento de lo que se le enseña a la gente con respecto a la Historia Universal y de cómo hombres comunes son transformados en próceres legendarios a pesar de sus yerros. Al final del western de Ford Un tiro en la noche, un periodista decía: “Esto es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en realidad, se imprime la leyenda.” Burton, como Ford, imprime la leyenda.

La suprema destreza visual de Tim Burton como siempre descollando en la dirección de arte seapoya en un guión claro y de una narrativa placentera donde los tiempos y los sucesos se alternan enforma tan clara que la duración del film podría duplicarse sin perder efectividad ni interés alguno en cadarelato que el padre hace de su vida. Al abordar los personajes el increíble reparto es ubicado conexactitud y precisión llevando la historia por las aristas correctas.Veremos a Steve Buscemi como un poeta perdido, Jessica Langecomo la amada esposa del padre, Danny De Vito como el dueñode un circo muy freak y Helena Bonham Carter en dos papelesmuy importantes. Pero de todos quienes deja su huella es el genial Albert Finney como Ed Bloom; cada aparición de viejobonachón nos transporta con su voz cálida y sus detallesincreíbles a un placentero viaje por su vida.

viernes, 14 de noviembre de 2008

CABEZA BORRADORA

TITULO ORIGINAL: Eraserhead
Año: 1976.

Duración: 90 minutos.
Director: David Lynch.
Guion: David Lynch.
Productor: David Lynch.
Musica: Peter Ivers.
Fotografía: Herbert Carwell, Frederick Elmes.
Genero: Drama.
País: EEUU.
Reparto:Jack Nance (Henry Spencer), Charlotte Stewart (Mary X), Allen Joseph (Mr.-X), Jeanne Bates (Mrs.X ), Judith Anna Roberts (Chica), Laurel Near (Dama), V. Phipps- Wilson (Casera), Jack Fisk (Hombre en el planeta), Darwin Joston (Paul)

SINOPSIS
Henry, un joven deprimido y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Pronto verá que su hijo recién nacido es un ser monstruoso.

COMENTARIO
La llegada de David Lynch a la fama se produjo en 1976. Las oscuras y deprimentes calles de Philadelphia, junto a las tribulaciones que le provocaba su inminente paternidad, inspiraron su primer largometraje: "Eraserhead”, título con juego de palabras "cabeza que borra" o "cabeza borradora" ya que en la fábrica donde trabaja el protagonista se hacen lápices negros que poseen una goma en uno de los extremos y por los cuales, Lynch intenta metaforizar sobre el comportamiento del protagonista.Comienza con un torso humano horizontal sobreimpreso contra un cerebro. El torso progresa hacia arriba y luego desciende. En un momento su boca se abre y surge una especie de espermatozoide superalimentado que escapa rápidamente. Son 3 o 4 minutos, pero sirven como óptima referencia de lo que estamos por ver, que no es otra cosa que una pesadilla.
Intentar comprender la naturaleza del hijo monstruoso del protagonista o la explicación lógica de que exista un teatro de vodevil detrás de su radiador es igualmente de absurdo. Portadora de su propia lógica, posee una ambigüedad impenetrable que permite que solo se le puedan encontrar significados alegóricos de manera superficial: ni siquiera el propio director ha esclarecido el significado completo, por un lado, debido a que esa tarea le compete al espectador y por el otro, porque carece (tal y como cualquier sueño) de una significancia absoluta. Henry Spencer, a quien distinguimos por su excéntrico peinado y por sus ropas un par de talles más chicas, vaga por una jungla industrial y urbana, sin encontrarse con nadie. A lo largo de la película va sufriendo todo tipo de situaciones difíciles: primero va a cenar a la casa de los padres de su novia topándose con un panorama decididamente surrealista; su situación cambia cuando se entera que ha sido padre de un bebé prematuro; convive con su novia y la primer noche ella le abandona porque no puede soportar el llanto del bebé; a partir de ahí debe afrontar toda una noche en vela, cuidando a esa criatura deforme (que parecería un feto de oveja más que de ser humano); por momentos fantasea con que existe un teatro de vodevil detrás del radiador de su habitación, y, eventualmente ingresa en su propia fantasía, pero para ser decapitado poco después. Henry tal vez es una alegoría no de una persona sino de un tipo de mentalidad humana. Sufre en carne propia todas aquellas cosas que no afronta (matrimonio, paternidad, rechazo). Es víctima de todo tipo de sucesos que no tienen explicación (y Henry tampoco intenta explicarlos, sino que los acepta como son). Finalmente su propia fantasía le autodestruye y lo convierte en una goma de borrar. Renacido de sus cenizas cede a los impulsos animales y primero se da al adulterio con su vecina de enfrente y luego destruye a su supuesto hijo. Lynch ofreció una propuesta cinematográfica arriesgada y comprometida. Su concepción visual es, dentro del rígido blanco y negro, una obra maestra. Por momentos juega con el espacio, hay animaciones cuadro por cuadro, hay momentos de poesía fílmica (como cuando Henry hace el amor con su vecina), hay escenas de morbo por doquier (desde casi el principio cuando la madre de su novia besa el cuello de Henry) y, por supuesto, sangre y tripas.

Durante la primera mitad de la película Lynch se toma su tiempo para mostrar las caminatas de Henry, su subida por el ascensor, sus momentos de reflexión frente al radiador, las miradas con los padres de su novia. A partir de que queda solo con el bebé, los tiempos se abrevian, y tenemos momentos de pesadillas una tras otra. Ambas caras de la misma moneda (el desarrollo lento del principio y el dinamismo del final) se contrapesan de igual manera. Sus movimientos y jadeos, sus gemidos continuos y el tono de gris enfermizo de su piel son un triunfo del propio Lynch (que se encargó de los efectos especiales en persona). Es de notar también el continuo y asfixiante susurro que acompaña las imágenes durante toda la película. Siempre de fondo, se escucha un pegajoso siseo que bien puede ser una máquina industrial trabajando o meramente el viento. En cualquier caso, cumple a la perfección con darnos sofocantes sensaciones que se añaden al ya sofocante panorama visual.

ATRAPAME SI PUEDES

TITULO ORIGINAL: Catch me if you can
Dirección: Steven Spielberg.

País: USA.
Año: 2002.
Duración: 141 min.
Interpretación: Leonardo DiCaprio (Frank Abagnale, Jr.), Tom Hanks (Carl Hanratty), Christopher Walken (Frank Abagnale, Senior), Nathalie Baye (Paula Abagnale), Martin Sheen (Padre de Brenda), Amy Adams (Brenda), Frank John Hughes (Tom Fox), Brian Howe (Earl Amdursky), Shane Edelman (Harris), Mike Baldridge (Terry), Jamie Anderson (Ailene), Jessica Collins (Peggy).
Guión: Jeff Nathanson; basado en el libro de Frank W. Abagnale y Stand Redding.
Producción: Steven Spielberg y Walter F. Parkes.
Música: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Diseño de producción: Jeannine Claudia Oppewall.
Dirección artística: Sarah Knowles, Michele Laliberte y Peter Rogness.
Vestuario: Mary Zophres.

SINOPSIS
Frank Abagnale Jr. trabajó como médico, abogado y copiloto de una de las grandes líneas aéreas, todo ello antes de cumplir los dieciocho años. También fue un genial falsificador y sus habilidades le otorgaron una plaza en la historia. A la edad de 17 años, Frank Abagnale Jr. se convirtió en el ladrón de bancos de más éxito en la historia de Estados Unidos. El agente del FBI Carl Hanratty dedicó la mayor parte de su tiempo a perseguir a Frank para llevarle ante la justicia, pero Frank siempre estaba un paso por delante, retándole a continuar la caza.

COMENTARIO
Si algo caracterizó a la mayor parte de la década de los sesenta (particularmente antes de la revolución que significó el 68 y sus consecuentes cambios políticos y sociales) fue la un tanto ingenua percepción de la vida que había particularmente en el mundo occidental y, para ser más específicos, en Estados Unidos.
Era una época en la que, por ejemplo, ser piloto aviador, azafata o médico brindaban un estatus especial de respeto y admiración por un lado, mientras que por el otro, el todavía incipiente desarrollo de la tecnología permitía que muchas cosas fueran más sencillas de lograr.
Todo lo anterior sale a colación en esta pelicula. En Atrápame Si Puedes (Catch Me If You Can), Spielberg no solamente narra la historia de un joven estafador que trajo de cabeza al FBI durante un buen rato y que terminó convirtiéndose en uno de los mayores asesores contra fraudes del gobierno estadounidense, sino que al mismo tiempo realiza un nostálgico homenaje a aquellos tiempos sesenteros donde la vida parecía ser color de rosa.
La trama está basada en un hecho de la vida real, donde Frank Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio) es un adolescente de 16 años que atraviesa por la difícil etapa del divorcio de sus padres, por lo que decide huir de casa para abrirse paso por la vida con sus habilidades y su juventud. La admiración que siente hacia su padre, Frank (Christopher Walken), se convierte en el motor que lo impulsa a tratar de tener éxito y dinero, con el cual podrá ayudar a Frank Sr. a salir de sus múltiples deudas fiscales, mismas que lo han llevado a perder el respeto de su esposa, Paula (Natalie Baye), quien termina engañándolo con uno de sus mejores amigos.
Es así como Frank Jr. decide iniciar una extraña carrera como estafador, haciéndose pasar primero como piloto aéreo, ganando el respeto y la admiración de las mujeres (además de ganar miles de millas gratis en vuelos y cobrar millones de dólares en cheques falsos de PanAm). Al ser conocido su caso, el FBI inicia su búsqueda, misma que encabeza el agente Carl Hanratty (Tom Hanks).
Para despistar a la justicia, Frank se hace pasar también por médico y abogado, cambiando de residencia en cada ocasión, lo que dificulta cada vez más el trabajo del FBI. Pero a final de cuentas, lo que Frank desea es tener una vida normal, enamorarse de una bella chica y volver a ver juntos a sus padres. El problema es que Carl le sigue la pista muy de cerca, y aunque sus intenciones hayan sido nobles desde su punto de vista, Frank tiene una deuda pendiente que pagar con la justicia.
El filme cuenta con muchos elementos que la hacen sumamente divertida y entrañable. Por el lado de la parte técnica, la recreación que hacen Spielberg y su equipo de una época ahora lejana es fenomenal: desde la secuencia inicial de créditos, el vestuario, la música y las actitudes nos remiten de inmediato a aquellos tiempos.
Aunque el tono general del filme está más inclinado hacia la comedia, también existen elementos de thriller y melodrama que ayudan a hacerla ágil, divertida y muy entretenida, a pesar de sus casi 2 horas y media de duración.
Pero lo que en verdad sobresale por encima de todos los anteriores elementos, es el sensacional trabajo actoral de prácticamente todos los que participan en el filme. En el elenco de apoyo brillan personalidades como la francesa Natalie Baye o la sensual Jennifer Garner (a pesar del poco tiempo en pantalla de sus personajes), o un gratamente mesurado Christopher Walken (quien tiene junto a DiCaprio un par de momentos sumamente emotivos).
Por su parte, Tom Hanks, quien no aceptaba un papel secundario desde hace muchos años, brinda una sólida representación de Carl, quien poco a poco termina convirtiéndose en el sustituto de la imagen paterna que necesita Frank. Hanks también demuestra que los años le han sentado bien en cuanto a lo que se necesita para hacer una buena comedia, pues no es el Hanks exagerado de las típicas películas ochenteras de adolescentes que solía hacer, sino uno sumamente fino, divertido y humano.
Pero el que en realidad se roba la película de principio a fin es Leonardo DiCaprio, quien brinda la que quizá sea la actuación más entrañable de su carrera. Una muestra de la madurez de Spielberg como cineasta es que incluso varios de sus más feroces detractores han mostrado su gusto y simpatía por este trabajo, verdadera muestra de lo que es el cine de entretenimiento puro a su más alto nivel. Spielberg comprueba que para hacer una buena comedia, no se necesita recurrir al lugar común ni al chiste barato lleno de groserías o referencias sexuales y escatológicas. Se necesita cerebro, talento, un buen guión y magníficos actores.

Atrápame Si Puedes no solamente tiene un maravilloso elenco, una estupenda banda sonora y la etiqueta de estar dirigida por un gran director. De manufactura impecable, nostálgica y muy entrañable, es sin duda uno de los mejores filmes en toda la carrera de Spielberg, que muestra algo de lo que carecen la mayoría de los filmes actuales: grandes dosis de humor fino y mucha, mucha humanidad.

viernes, 7 de noviembre de 2008

BEN HUR

Título: Ben-Hur
Dirección: William Wyler
Producción: Sam Zimbalist
Guión: Karl Tunberg, Maxwell Anderson, Christopher Fry, Gore Vidal.
Música: Miklos Rozsa
Fotografía: Robert Surtees
Reparto: Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Haya Harareet, Martha Scott, Hugh Griffith, Finlay Currie
País: Estados Unidos
Año: 1959
Género: Drama épico
Duración: 212 minutos


SINOPSIS

La acción transcurre en Palestina, el año 30. Roma, dueña y señora del mundo conocido, gobierna con mano de hierro sus vastos territorios, entre ellos la misma Palestina, sometiendo con dureza a sus moradores. Éstos desean con ansia la llegada de un nuevo Mesías que liberará al pueblo judío del yugo romano. Entre ellos Judá Ben-Hur, un príncipe rico que comercia con especias desde Oriente a Roma, un hombre respetado y creyente en la fe de su pueblo y su Dios.
Sin embargo, los tiempos están revueltos y se teme una revuelta violenta contra el poder romano, a lo cual Roma responde con el envío de dos legiones al mando del nuevo jefe militar, Messala, antiguo amigo de la infancia de Ben-Hur.
Judá ve en Messala a un amigo y también una posibilidad de cambio para su pueblo, una esperanza para el entendimiento y el respeto. Por el contrario, Messala ve a su viejo amigo como el hombre que "señalará" a los enemigos judíos de Roma por su pasada amistad. Sin embargo, Judá se niega al trato y Messala, encolerizado, rompe la relación.
Ben-Hur, temeroso de su amigo el tribuno, sabe que tendrá que tener cuidado de ahora en adelante. Pero vendrá un golpe de mala suerte: Su hermana se apoya en el borde de la azotea y una piedra se desprende al paso de la comitiva provocando que el gobernador se golpee al caer junto con su caballo y este incidente, pese a ser accidental, le hace prisionero de su antiguo amigo, que le acusa de atentar contra el nuevo gobernador de Palestina, Valerio Grato. Judá es enviado al puerto de Tiro, sin juicio, como remero de galeras. Ben-Hur jura vengarse de Messala aunque ello le lleve toda la vida.
En su viaje al puerto, Judá conocerá a Jesús, quien le dará agua. Ya en la galera, Ben-Hur conocerá a Quinto Arrio, primer Cónsul de Roma, al que salvará la vida en una batalla en la que la galera se hunde. Como gratitud hacia Judá, Quinto Arrio le adoptará como hijo suyo, con lo que obtiene riquezas y títulos. Sin embargo, a pesar de las riquezas, del poder y de la gloria de Roma, Ben-Hur sabe que tiene un juramento que cumplir y que no puede esperar más tiempo. Es la hora de la venganza...
En su camino a Jerusalén, Ben-Hur conocerá a Baltasar, y al Jeque Ilderim, un comerciante árabe. De Baltasar aprenderá que hay alguien en quien creer, un Mesías, hijo de Dios, que liberará a los hombres de su ira y su odio. Por el contrario, de Jeque descubrirá que Messala participa en las carreras de cuadrigas y, en la arena del circo, la muerte no es un delito...
Alimentado por su odio, Judá reta a Messala en las carreras y por otro lado, busca a su madre y hermana. Al regresar a Jerusalén, descubre que todo lo que había conocido había quedado reducido a ruinas, que su familia había desaparecido y que la única explicación que tenía era de la hija de un esclavo suyo, llamada Esther, a quien Judá amaba profundamente.
Tras condenar a Judá a las galeras, Messala no sólo había confiscado todos los bienes de Ben-Hur sino que se ensañó con su madre y hermana encerrándolas en los calabozos. Con la nueva llegada de Judá y su reto, Messala, tenso, mandó buscar a la familia de Judá. Para su sorpresa, tantos años en una celda inmunda en los recónditos calabozos habían hecho que enfermaran de lepra...
Judá, lleno de cólera y odio en su interior, se debate interiormente entre su venganza hacía su verdugo y su antigua amistad de la infancia. Pero Judá sabe que Messala no va a cambiar y que su única opción de resarcirse es poder ver su cuerpo mutilado y maltrecho en la arena del circo. Para ello, correrá la carrera de cuadrigas. Ahí vencerá a Messala, quien terminará cayéndose de su carro, y siendo atropellado y pisoteado por otro. Con el cuerpo ensangrentado, estará condenado definitivamente a su muerte. Esta escena de la carrera de cuadrigas es una de las más famosas de la historia del cine. Messala, en un último aliento le comunica que su madre y su hermana están vivas, pero que están en el valle de los leprosos. Por lo tanto, como Judá sabe, están condenadas a una muerte lenta y horrible.
Judá, desolado, recorre las calles de Jerusalén con su madre, su hermana, y Esther. Él accede al requerimiento insistente de ésta para que sean sanadas por el Rabí de Galilea, al que ha escuchado predicar y obrar maravillas, mientras una procesión de gente acompaña a gritos la marcha de los nuevos crucificados, entre ellos un hombre que una vez dio de beber a nuestro héroe. Ben-Hur, como agradecimiento, le devuelve su ayuda con agua y un poco de aliento en su pesada carga.
Este encuentro, y el presenciar después la crucifixión del hombre que un día le salvó de morir, harán que Judá encuentre la paz y mitigue su ira a través del perdón. Regresa aún bajo la catarsis de lo que ha presenciado cuando ve que su hermana y su madre han sanado milagrosamente. ¡Ha ocurrido el milagro! Y fundidos en un gran abrazo, se desborda la alegría.


COMENTARIO

Esta pelícuala es una leyenda del cine clásico, definitivamente, para los que celebran semana santa, es una opción fija para ver y para los que no la celebran, igual es una obra de arte para admirar.
Pero bueno, no diferenciemos la película por opciones religiosas, objetivamente es un gran film con muy buenos actores y un guión excelente que te mantiene sentado a la espectativa de lo que vaya pasar. A pesar de que la película dura como 3:30 horas, es muy dinámica y los acontecimientos impiden que te aburras siquiera un instante. Las escenas estan bien elaboradas y las tomas son de muy buena calidad y también muy ingeniosas, ya que te meten en la acción rápidamente y sientes todo el drama o el gozo con los personajes.
Para su época, una película muy costosa y muy ambiciosa, pero cumplio su objetivo, no deja de ser vigente. La mejor película de Charlton Heston definitivamente y la cual lo hizo merecedor de la tan pedida estatuilla de Mejor Actor en los Oscars del año 1960. Otro punto resaltante es cómo la película capta tan bien los sentimientos de los personajes, los acercamientos en primer plano eran perfectos, se daban en las situaciones más adecuadas; el guión, además, tiene muy buenas líneas y algunas tan buenas que se te quedan grabadas en la memoria.
Esta película en general mezcla todos los sentimientos humanos (gozo, tristeza, venganza,etc) y los encuadra en un escenario histórico importantísimo como es la vida de nuestro señor Jesucristo. Y que hablar del papel de Jesus en esta película: mientras que otras películas de la época tenían incidencia directa con la vida de Jesus, esta cambia el esquema y se centra en otro sujeto, un sujeto normal pero con la influencia de Dios, pero que, en el camino de su vida, se encuentra con pruebas que lo retan a cuestionarse a sí mismo. Además las apariciones de Jesus en la película son espectaculares, son muy importantísimas y definen la situación del personaje y el papel de Dios en la vida de cada uno de nosotros. Nunca voy a olvidar la escena en que Jesus y Juda se dan agua uno al otro: sensillamente genial, tienen que verlo.
Otro detalle adicional, es que esta película si te puede hacer llorar, pero a mi parecer tendrá ese efecto para el que sabe apreciar la complejidad de las escenas y el buen dialogo y caracterización de los personajes; además, el final es IMPECABLE. Y la última escena en el monte del calvario dice todo…… sencillamente la mejor historia jamas contado con relación a Jesus, Dios y el ser humano.

jueves, 6 de noviembre de 2008

EL GRAN DICTADOR

Título original: The great dictator
Dirección, producción y guión: Charles Chaplin (Estados Unidos, 1940)
Fotografía: Karl Struss y Roland Totheroh
Música: Meredith Wilson y Charles Chaplin
Dirección artística: J. Russell Spencer
Montaje: Willard Nico
Interpretación: Charles Chaplin (El barbero judío / Adenoid Hynkel, dictador de Tomania), Paulette Goddard (Hannah), Jack Oakie (Benzino Napaloni, dictador de Bacteria), Reginald Gardiner (Schulz), Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert (Herring), Maurice Moscovich (Señor Jaeckel), Emma Dunn (Señora Jaeckel), Bernard Gorcey (Señor Mann).
Duración: 124 minutos

SINOPSIS

Durante la Primera Guerra Mundial, el barbero Judío (Chaplin) sirve en el ejército de Tomania y salva la vida del alto oficial Schultz. Pero, mientras el oficial termina la guerra ileso, el barbero sufre de amnesia y es enviado a un hospital donde permanece internado durante una larga temporada. Pasan 20 años, Tomania ha sido tomada por el dictador Adenoid Hynkel (Chaplin también) y sus secuaces, Garbitch y Herring.
Hynkel persigue a los judíos y sistemáticamente hace trizas el ghetto judío de Tomania donde vive Hannah (Paulette Goddard.)
Mientras tanto, el barbero fuga del hospital e instintivamente regresa a su barbería, que ahora está en el ghetto sin saber que hay una persecución contra los judíos. De hecho ni siquiera sabe que existe el dictador Hynkel. El barbero se mete en un enfrentamiento con las tropas de asalto de Aryan, siendo rescatado por quien fue su viejo amigo el oficial Schultz, que en esos momentos resulta ser uno de los más leales oficiales de Hynkel. Gracias a la intervención de Schultz, el ghetto recibe un respiro en las persecuciones. Entonces el barbero judío reanuda sus cortes de pelo en la barbería mientras se desenvuelve su platónico romance con Hannah. Pero las cosas vuelven a empeorar, cuando un banquero judío se resiste a financiarle la guerra de Hynkel contra Austerlitz, hecho que enfurece a Hynkel quien se las vuelve a agarrar con el ghetto.
Cerca del fin de la película cuando se espera que el dictador emprenda otro de sus discursos belicosos, el barbero sube al estrado. En ese momento, Charles Chaplin abandona el papel del barbero judío y convertido en "si mismo" se lanza un discurso pacifista y tolerante con la humanidad.


COMENTARIO

Lo mejor de la pelicula: ¿Por donde empezar?- Las actuaciones, estupendas, aparte de un inspirado Charles Chaplin, nos encontramos unos desquiciantes secundarios a cuál más divertido y/o paródico, una colección de monstruos patéticos y estúpidos (no necesariamente por ese orden), a destacar el personaje de Napaloni, interpretado por un estupendo Jack Oakie, que cuando sale en pantalla logra quitar protagonismo al mismísimo Chaplin.- El sentido del humor, inteligente, critico y políticamente incorrecto (¿alguien se atrevería hacer algo parecido hoy con el asunto EEUU/Oriente Medio?), utilizando no solo técnicas propias del cine mudo (presentes en el "charlotesco" barbero), si no avanzando en el lenguaje cinematográfico, aprovechando las palabras y el sonido para sus sketches (impagable el afeitado a ritmo de ¿Wagner?) y criticando las costumbres y usos de la política (esa foto de Hynkel con el bebe cagado) y así hasta no dejar títere con cabeza.- El humanismo que desprende la película, no es solo una película fascista, es mucho más, es una película que defiende la comprensión, la libertad, el derecho a vivir,... que aún en la desgracia apuesta por el ser humano.- Recordarnos que la injusticia, la desigualdad y el dolor siguen aquí, entre nosotros, pero ahora no se disfraza de militar con bigotito, hoy preferimos barrer para afuera, lo nuestro muy limpito y democrático, se ha cambiado la forma pero no el fondo.

Lo peor de la pelicula:- Sin lugar a dudas, lo peor es que el mensaje no ha perdido vigencia, por mucho que nos gustaría pensar lo contrario, hoy en día el discurso final tiene tanto sentido o más que cuando Chaplin lo escribió.- El aire panfletario que se le puede acatar.- La parte emocional recae sobre el personaje de Hannah, interpretado por Paulette Goddard, un papel simple, no mal interpretado, pero le falta carisma y encanto, ese algo que hace que te emociones y te preocupes por el personaje.- Que la realidad no se solucionará como en la película.

Escenas resaltables: Si de algo se le puede acusar a Chaplin es de ser un excelente creador de escenas, así de primeras, en esta película se encuentran:- La escena en la que Hynkel juega con el globo terráqueo hinchable, una oda al patetismo megalómano y endiosado de los dictadores fascistas.- Prácticamente todas las escenas que comparten Hynkel y Napaloni, por ejemplo la discusión final, durante la cena, en la que acaban tirándose los platos uno a otro.- El laaaaaaarguisimo discurso con el que nos presenta a Hynkel, nunca antes alguien había hablado tanto delante de una cámara para no decir absolutamente nada.- Cuando los judíos deben escoger quien matará a Hynkel sacrificando su vida, quien se coma el pastel con la moneda dentro tendrá que hacerlo (para más recochineo Schultz se disculpará porque "me habría gustado participar, pero no me es posible"), lo que no saben es que Hannah a puesto una moneda en cada pastel.- La escena en la que Hynkel furioso le quita las medallas a Herring, por incompetente (momentos antes le había puesto una, sin saber muy bien donde pues tenía todo el pecho lleno de ellas).- El discurso final, claro que no es una maravilla cinematográfica, es un grito apasionado en defensa de la esperanza, en un mundo dominado por el cinismo y la pasividad.


DISCURSO DEL BARBERO:
"Lo siento pero yo no quiero ser un Emperador - ese no es mi negocio - no quiero gobernar o conquistar a nadie. Me gustaría ayudar a todos si fuera posible, a los judíos, a los gentiles, a los negros, a los blancos. Todos queremos ayudarnos los unos a los otros, los seres humanos somos así. Todos queremos vivir por la felicidad de todos, no por la miseria de los demás. No queremos odiar y despreciarnos el uno al otro. En este mundo hay espacio para todos y la tierra es rica y puede proveernos a todos.
El modo de vivir puede ser libre y hermoso, pero hemos equivocado el camino.
La avaricia ha envenenado las almas de la gente. Ha levantado barricadas de odio en el mundo; ha dado en nosotros un paso de ganso hacia la miseria y el derramamiento de sangre.
Hemos desarrollado la velocidad pero nos hemos encerrado en las máquinas que nos dan abundancia, que nos ha dejado sin deseos.
Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos, nuestra inteligencia nos ha endurecido y quitado toda amabilidad.
Pensamos demasiado y sentimos muy poco: Más que la máquina, necesitamos a la humanidad; más que a la inteligencia, necesitamos la bondad y la suavidad. Sin esas cualidades, la vida será violenta y todo estará perdido.
El avión y la radio nos han acercado. La naturaleza misma de esas invenciones pide a gritos la bondad entre los hombres, clama la hermandad universal para la unidad entre todos nosotros. Incluso ahora, mi voz llega a millones en todo el mundo, millones de hombres desesperados, mujeres y pequeños niños, todos víctimas de un sistema que hace que hombres torturen y encarcelar a gente inocente. A todos los que pueden oírme les digo: "No se desesperen".
La miseria que ahora cae sobre nosotros es sólo el pasar de la avaricia, la amargura de los hombres quienes temen el camino del progreso humano: el odio de los hombres pasará y los dictadores morirán y el poder que ellos tomaron de la gente, regresará a la gente y mientras que los hombres ahora mueren, la libertad nunca perecerá...
¡Soldado! - No te sometas a las bestias, los hombres que te desprecian y esclavizan - los que reglamentan tu vida, y te dicen qué hacer, qué pensar y qué sentir, los que te entrenan, los que te tratan como ganado, como carne de cañón.
No te entregues a esos hombres desnaturalizados, hombres máquinas, con mentes de máquinas y corazones de máquinas. Tú no eres ganado. Tú eres un hombre. Ustedes tienen que tener amor por la humanidad, en sus corazones. Ustedes no odian - sólo lo hacen los desnaturalizados, sólo los desnaturalizados que no sienten amor. ¡Soldados! No luchen por la esclavitud, luchen por la libertad.
En el Capítulo Diecisiete de San Lucas está escrito: "el Reino de Dios está dentro de los hombres"- no sólo un hombre - sino todos los hombres - en ti, en toda la gente.
Tú, la gente, tienen el poder, el poder para crear máquinas, el poder para crear la felicidad. Tú, la gente tienen el poder de hacer la vida libre y hermosa, hacer de esta vida una maravillosa aventura. Entonces, en nombre de la democracia, vamos a usar ese poder - Vayamos todos unidos. Vamos a luchar todos por un mundo nuevo, un mundo decente que dé a todos los hombres una posibilidad para trabajar, que le dé un futuro, una vejez y seguridad.
Prometiendo esas mismas cosas, las bestias han tomado el poder, pero ellos mienten. Ellos no cumplen su promesa, ellos nunca lo harán. Los dictadores se liberan pero ellos esclavizan a la gente. Vamos ahora a luchar para realizar aquella promesa. Vamos a luchar para liberar al mundo, para abolir las barreras nacionales, abolir la avaricia, el odio y la intolerancia. Vamos a luchar por un mundo de razón, un mundo donde la ciencia y el progreso conduzcan a la gente hacia la felicidad.
¡Soldados! ¡En el nombre de la democracia, unámonos!
¡Levanta la vista! ¡Levanta la vista! Las nubes se alzan - el sol se abre camino. Salimos de la oscuridad hacia la luz. Entramos en un mundo nuevo. Un nuevo mundo amable, donde los hombres se elevarán sobre su odio y bestialidad.
El alma del hombre ha adquirido alas - y por, fin él comienza a volar. Él vuela hacia el arco iris -hacia la luz de la esperanza- hacia el futuro, ese glorioso futuro que le pertenece, me pertenece a mí y a todos nosotros. ¡Levanta la vista! ¡Levanta la vista!"

MONSTER

TITULO ORIGINAL: Monster
GENERO: Thriller
PAIS: Estados Unidos/Alemania
DURACION: 109 Minutos
AÑO: 2003
DIRECTOR: Patty Jenkins
GUION: Patty Jenkins
INTERPRETES: Bruce Dern, Charlize Theron, Christina Ricci y Lee Tergesen
PRODUCTOR: Charlize Theron, Mark Damon, Donald Kushner y Clark Peterson
FOTOGRAFÍA: Steven Bernstein


SINOPSIS

Basada en la vida real de Aileen Wuornos, una mujer que ejercía la prostitución y que fue ejecutada por el asesinato de seis hombres, entre ellos un policía. Cerca de la desesperación suicida, Aileen Wuornos (Charlize Theron) llega a Florida. En un bar conoce a Selby Wall (Christine Ricci), una mujer joven enviada por sus padres a vivir con su tía para "curar su homosexualidad", y se enamora de ella. Aileen continúa trabajando como prostituta y una noche uno de sus clientes se pone violento y ésta termina disparándole. Será el primero en su trágica cuenta de asesinatos


COMENTARIO

Uno de los temas más explotados por los cineastas ha sido definitivamente el de los asesino en serie. La recepción por parte de la crítica y por la misma Academia de Artes Cinematográfica ha sido tal que en 1991, la película El silencio de los Inocentes se convirtió en la única ganadora de los cinco premios más importantes que se entregan cada año, los Oscar: Mejor película, director, actriz, actor y guión adaptado. La película que hoy es motivo de crítica, Monster, ha ganado el Oscar a la mejor actriz, única nominación que tenía. Por tanto, una vez más queda constancia de que el cine sobre asesinos en serie reales o películas de ficción que se inspiran a la hora de elaborar las historias en psicópatas verídicos (como es el caso de El silencio de los inocentes, antes mencionada) es una fuente de inspiración.
La película de la debutante Patty Jenkins es una cinta más cercana al telefilme que a una película de serie A, que ha llegado a nuestras pantallas gracias a tener en el reparto a la actriz Theron, que además, aquí, también produce.
Monster se queda a medio camino entre el drama, el terror y el thriller, completamente perdida en sus labores y con graves problemas de enfoque, lo cual hace de la cinta una obra aburrida, tediosa y repetitiva. Su mayor problema estriba en que su realizadora y también guionista no ha sabido definirse hacia una banda u otra a la hora de relatarnos la truculenta historia de la prostituta y asesina Aileen Wuornos, una criminal (la primera asesina en serie de los Estados Unidos, aunque esto no es del todo cierto). Por un lado se vislumbra un intento de crítica hacia la sociedad, culpando a ésta de la creación de freaks o marginados sociales, algo excesivamente visto en muchas otras películas de este subgénero. Por otro lado da la sensación de que pretende que el espectador tenga compasión de la asesina, optando así por el melodrama, pero la frialdad con la que se han tomado ciertos aspectos provoca una sensación de indiferencia al respetable, sin lograr así su propósito. Todo ello hace de Monster una película confusa en cuanto a los temas sociológicos que busca abordar, trufada de resbalones en un guión endeble y lleno de lagunas, además de una dirección plana en la cual quedan patentes las carencias de esta debutante.
Si destaca por algo, pues, el filme, es por la interpretación protagonista, Charlize Theron, quien, en un afán de ganar su Oscar, produce la película y se somete a una sesión de maquillaje convirtiéndose así en una fealdad. Charlize perfila y matiza su personaje hasta tal punto que se convierte en una de las mejores interpretaciones que hemos podido ver en los últimos años, aunque la historia esté plagada de todos los convencionalismos y arquetipos utilizados en muchas otras películas de asesinos en serie.
Otro problema de Jenkins es que, a la hora de esbozar el personaje de Wuornos, se olvida de dibujar al otro personaje importante que hay en esta historia, Selby Wall (Tyria Moore en la vida real) haciendo Christina Ricci (considerada por muchos como la versión femenina de Johnny Depp) lo que puede en ese papel mal descrito, un personaje que debería haber dado más de sí y que por muchas razones nunca debiera haber sido interpretado por Ricci.
Todo ello hace de la película una cinta previsible y floja que deja al espectador con la misma sensación que a la hora de entrar en la proyección, es decir nada.
El tratamiento que se hace de Wuornos en la película no es el adecuado. Esta asesina tuvo gran resonancia en los medios de comunicación del momento al igual que arrastró tras de sí una gran polémica, ya que nunca quedó del todo clara su culpabilidad, pues Wuornos siempre alegó la defensa propia, pues, según ella, asesinaba a los clientes que se propasaban o intentaban violarla. Jenkins no se arriesga y no juega con la ambigüedad, haciendo que el espectador vea, juzgue y condene de sus actos a Aileen. Además, tampoco es la película lo suficientemente valiente como para tratar el tema de que el verdadero monstruo podría haber sido su compañera sentimental, pues hasta el último momento fue también sospechosa de colaboración con Wuornos; aunque no fuera asesina material, siempre quedó la duda de si había sido cómplice de algún modo.

Otro de los problemas de Jenkins es la documentación, cosa bastante extraña si tenemos en cuenta que ella misma se entrevistó con Wuornos mientras ésta se hallaba en el corredor de la muerte, y fue la única que tuvo acceso a las cartas que Aileen Wuornos escribió durante los doce años que esperaba ejecución, cartas dirigidas a una amiga de la infancia, donde la asesina explica, a modo de memoria, su infancia, trufada de abusos, violaciones, etcétera, por parte de su padre y un amigo del mismo, más los asesinatos que cometió, todo ello escrito con minuciosidad y detalle. Jenkins hace un repaso superficial a todo ello y se limita a utilizar la voz en off como recurso, para explicar el estado de ánimo de la serial killer. El problema es que esa voz en off, que corresponde al personaje de Charlize Theron, es una lectura literal de fragmentos de algunas de las cartas escrita por Wuornos a las que Jenkins tuvo acceso. Pero su intención de trascender por encima de la historia para entender a la protagonista pasa completamente desapercibido ante los aburridos ojos del espectador. Además, parece que los datos a los que tuvo acceso su realizadora a la hora de plasmar el guión son equivocados o mal presentados, porque Wuornos no era lesbiana, simplemente encontró el afecto que le faltaba en los brazos de otra mujer, pero nunca se definió ella como lesbiana, de hecho los estudios psicológico-criminalistas aseguraban que Wuornos no estaba definida sexualmente, que tenía una condición de asexualidad indefinida. Algo muy habitual en el perfil de muchos asesinos en serie, que niegan su condición al no tenerla definida; este tema tampoco se plasma en la película y muy superficialmente queda perfilado el sentimiento misántropo de la protagonista.
Resumiendo, una cinta errática, que no acaba de conseguir contar una buena historia de esta mujer que defendía sus actos como una libertad de la mujer, convirtiéndose así en la típica historia basada en hechos reales, más parecida a un telefilm de sobremesa que a una película con algo novedoso e interesante que contar.

martes, 4 de noviembre de 2008

LOS IMPERDONABLES - SIN PERDON

TITULO ORIGINAL: Unforgiven
Títulos en Español: Los Imperdonables, Sin Perdón
Dirección: Clint Eastwood
Producción: Clint Eastwood, Julian Ludwig, David Valdes
Guión: David Webb Peoples
Música: Lennie Niehaus
Reparto: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, James Woolvett, Saul Rubinek
País: Estados Unidos
Año: 1992
Género:Western
Duración: 131 minutos


SINOPSIS

Relata la historia de William Munny (Clint Eastwood), un pistolero viejo, viudo y acabado, que tiene dificultades para mantener a sus hijos. A pesar de estar retirado de su antigua vida como cazador de recompensas, se le presenta la oportunidad de sacar adelante a su familia haciendo un último trabajo, acompañado por un viejo socio y un joven e inexperto novato. La misión consiste en matar a dos hombres que le marcaron la cara a una prostituta.


COMENTARIO
Si supiera más sobre cine, si hubiera visto ya todas las películas que quiero ver, diría que Imperdonables es una de las mejores películas que se han filmado en los Estados Unidos. Yo creo, en cualquier caso, que es la mejor película de vaqueros que he visto. Y no es, por supuesto, una frase fácil de escribir: están las cuatro obras maestras de Sergio Leone (entre las cuales prefiero, aunque suene increíble, el melodrama de Por unos dólares más a la venganza inolvidable de Érase una vez en el Oeste), y están todas esas películas de John Wayne (las de Howard Hawks, las de John Ford) en las que aquel héroe de tira cómica, ese memorable hombre que no duda, le ayuda a uno a sentir que hubo un tiempo en el que la gente peleaba por lo que creía, y está Danza con lobos, la extraña obra de Kevin Costner, que la gente juzga sobre la base de nada y que le dio al género, justo a tiempo, un silencio, una esperanza, una melancolía que no hacían parte de su juego. También está, aunque no lo crean, Por mis pistolas: Cantinflas no recibe todos los elogios que merece.
Cuando pienso en Imperdonables, pienso en su música. Es una lástima que no pueda tararearla para ustedes porque la tengo la cabeza ya, así, cada vez que alguien me habla de la película. También recuerdo bien la noche en que Clint Eastwood recibió el Óscar por esta obra. Era 1993. Y yo no podía creer que la Academia de Hollywood, tan temerosa, le hubiera dado el premio a una película sin esperanza, oscura, tan desencantada como Río místico. Lo increíble era, creo, que justo el año anterior se había llevado el premio El silencio de los inocentes. Y yo estaba seguro de que no iban a ser capaces de arriesgarse dos años seguidos. Pero así fue. Clint Eastwood recibió el premio que tanto merecía. Y nuestra fe en el arte americano, el verdadero arte americano, que se parece al blues, al jazz, a un par de cuentos de otros tiempos, quedó restaurada para siempre. El director de Bird, de El fugitivo Josey Wales, de Mundo perfecto, sabe muy bien lo que hace. Cuando pienso en las cosas buenas que vienen de Estados Unidos, de inmediato pienso en él.
Si me preguntan por Imperdonables, respondo la escena en la que el protagonista, William Munny, alguna vez un frío asesino a sueldo, se arrastra en una porqueriza detrás de sus marranos. Creo que es la imagen que define al personaje: un viejo sicario redimido, que ha perdido a la esposa que le salvó la vida, se ha quedado solo con dos hijos en una granja miserable. Y alguien le ofrece dinero, mucho dinero para él, por asesinar a los hombres que maltrataron a una prostituta a sangre fría. Pero él es, en ese punto, y será, me parece, un marrano más entre todos los marranos, un animal herido de muerte que quiere ponerle punto final a su dolor. Si me preguntan algo más de Imperdonables, claro, tengo muchas más respuestas para darles: lo bien filmada -con esos tonos de tierra, esos rojos de árboles, esos campos rotos- que se encuentra, lo bien actuada que se encuentra, lo bien escrita que se encuentra.
Todas las películas de vaqueros están llenas de líneas punzantes, de frases célebres, diálogos de antología. Si me hablan de Imperdonables, recuerdo las siguientes: "Es una cosa gigantesca matar a un hombre: le quitas lo que tiene y todo lo que va a tener"; "he visto el ángel de la muerte, Ned, tiene ojos de serpiente"; "no voy a matarte, muchacho, eres el único amigo que tengo"; "siempre he tenido suerte a la hora de matar"; y la mejor, en inglés, que nos deja a todos sin palabras: "All right now, I'm comin' out. Any man I see out there, I'm gonna shoot him. Any sumbitch takes a shot at me, I'm not only gonna kill him, but I'm gonna kill his wife. All his friends. Burn his damn house down".
Cuando me hablan de Imperdonables, agrando -quiero decir: daño un poco- el maravilloso discurso final de William Munny. Pienso que les dice a todos los del pueblo, ese pueblo que dejó maltratar a las prostitutas por tanto tiempo, que los matará a todos uno por uno, y a sus hijas, y a las hijas de sus hijas, y a sus amigos más queridos, y todo mientras cae semejante aguacero sobre un pueblo que tiene que ser como fueron aquellos pueblos, mientras piensa en los dos amigos que murieron en vano, y en el destino que no ha terminado de cumplir, y en los hijos que lo esperan, solos, en la granja destartalada, con una pistola en la mano para matar a los intrusos.

LA LISTA DE SCHINDLER

TITULO ORIGINAL: Schindler's List
AÑO: 1993
DURACIÓN: 185 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: Steven Zaillian
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Janusz Kaminski (B&W)
REPARTO: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall, Jonathan Sagalle, Embeth Davidtz
PRODUCTORA: Universal Pictures presenta una producción Amblin Entertainment
GÉNERO Y CRÍTICA: 1993: 7 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, banda sonora, dirección artística, fotografía / Drama. Nazismo. Holocausto


SINOPSIS

Oskar Schindler (Liam Neeson), un hombre de enorme astucia y talento para las relaciones públicas, diseña un ambicioso plan para ganarse la simpatía de los nazis más poderosos. Alemania acaba de invadir Polonia y, gracias a sus influencias, consigue la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación laboral le ayuda a prosperar rápidamente. Su gerente (Ben Kingsley), también judío, es el verdadero director en la sombra, pues Schindler no tiene el menor conocimiento industrial.


COMENTARIO
Clavado en la memoria tenemos el angustiado rostro de Liam Neeson, con ojos llorosos y gesto desesperado, mientras a su alrededor se aglomera un grupo de hombres y mujeres dramáticamente enternecidos: “El coche. ¿Por qué me quedé el coche? Valía diez personas. Diez personas. Diez personas más… Esta pluma. Dos personas. Es de oro… Dos personas más… Él me hubiera dado dos personas por ella, al menos una. Una persona más. Una persona, Stern. Por esto… ¡Pude haber salvado a una persona más y no lo hice! ¡Y… y no lo hice…!”. Steven Spielberg nos ha estado preparando para ese final durante tres horas de película. Un final melodramático que expresa algo terrible: hasta dónde ha podido llegar la bajeza humana, capaz de vender la vida de un semejante por… una pluma. La lista de Schindler es probablemente la mejor película sobre el Holocausto jamás filmada y también la más triste. Cuando se estrenó en 1993 muchos pensaron que a partir de ese momento ya no habría más películas sobre el mismo tema. Con La lista de Schindler ya todo estaba contado. Y, pese a que nos equivocamos, ninguna hasta el momento ha podido superar la entidad dramática y cinematográfica de la obra maestra de Spielberg.
El director recibió por la película una recompensa largamente acariciada. La Academia se volcó con ella, otorgándole siete Oscar, entre ellos los correspondientes a la mejor película, mejor guión y mejor dirección. Antes Spielberg había fracasado –en cuanto a premios se refiere– con El color púrpura (11 nominaciones y ningún premio), E.T., el extraterrestre, En busca del arca perdida y Encuentros en la tercera fase. Ahora se consagraba definitivamente para un sector de la crítica, que siempre le había considerado el niño mimado por el público, un experto en hacer dinero con historias infantiles que ensalzaban los sueños y las aventuras por encima de las historias reales y los conflictos dramáticos. El director de Cincinnati necesitaba una película grande, monumental, un proyecto definitivo para demostrar su impresionante talento. Y lo encontró gracias a un libro del australiano Thomas Keneally donde se narraba la historia de Oskar Schindler, el empresario alemán que salvó a cientos de judíos de una muerte segura durante la II Guerra Mundial.
Septiembre de 1939. Los nazis invaden Polonia. Los judíos son internados en guetos, son asesinados en las calles, son enviados a los campos de concentración. El alemán Oskar Schindler ve en la situación un medio de prosperar económicamente y comienza una interesada relación con los militares más poderosos para poner en marcha una fábrica. La mano de obra no es problema, ya que procederá de los campos de concentración… Schindler logra hacerse con los servicios de Itzhak Stern, un judío que se hará realmente cargo del negocio, mientras que él se ocupará de la labor de salón con la cúpula nazi, con el objetivo de elaborar una lista de trabajadores judíos que estarán únicamente bajo su protección. Sin embargo, lo que empieza como un medio lucrativo acaba convirtiéndose en la obsesión –empeñando su dinero y su futuro– por arrancar a cuantas más personas mejor de la garras psicópatas de Amon Goeth, oficial al mando de uno de los campos.
La lista de Schindler es la historia de un héroe y un monumento a la dignidad humana, pero ambas cosas se hacen patentes poco a poco, tras un denso y trágico velo. Spielberg muestra a un Oskar Schindler nada ejemplar: vanidoso, mujeriego y hedonista. Un dandy oportunista que tardar cierto tiempo en comprender la barbarie nazi y en implicarse totalmente contra el holocausto. Además es el mismo horror el que produce una toma de partido por todo aquello que tenga aliento de vida. El asco y la repulsión de algunas imágenes no son aptas para paladares muy sensibles.
La elección de actores es realmente acertada. Tipos como Harrison Ford, Bruno Ganz o Stellan Skarsgård fueron considerados para el papel de Schindler, pero fue Neeson quien finalmente bordó el itinerario interior de su personaje. Ralph Fiennes, por su parte, es un Amon Goeth estremecedor y acaba siendo como una reencarnación del Mal. Los distintos apartados técnicos funcionan a la perfección, desde el guión de Steven Zaillian, que presta atención minuciosa a los numerosos personajes y a la riqueza de sus diálogos, hasta la meticulosa labor de montaje, obra de Michael Kahn. Pero, ante todo, Spielberg sabe cómo jugar con los sentimientos de modo admirable y algunos pasajes quedan grabados para siempre en la memoria (los niños buscando refugio, las mujeres en las duchas de Auschwitz, los juegos asesinos de Goeth…). La formidable fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski aporta a la cinta una sólida entidad histórica, próxima en ocasiones al género documental, como en las escenas del gueto. Y la música del maestro John Williams suena como un desgarrador lamento imposible de olvidar.

miércoles, 29 de octubre de 2008

TOKYO MONOGATARI (CUENTOS DE TOKIO)


TITULO ORIGINAL: Tokyo monogatari
AÑO: 1953
DURACIÓN: 139 min.
PAÍS: Japon
DIRECTOR: Yasujiro Ozu
GUIÓN: Yasujiro Ozu & Kôgo Noda
MÚSICA: Takinori Saito
FOTOGRAFÍA: Yushun Atsuta (B&W)
REPARTO:
Chishu Ryu, Chiyeko Higashiyama, Setsuko Hara, So Yamamura, Haruko Sugimura, Kinoko Niyake, Kyoko Kagawa
PRODUCTORA: Shochiku
GÉNERO :Drama


SINOPSIS:

Una pareja de ancianos campesinos viaja a Tokio para visitar a sus hijos, quienes llevan años viviendo en la capital. Ninguno de ellos tiene tiempo para atender a sus padres, por lo que deciden enviarlos a un balneario. Al regresar del ruidoso lugar, la madre pasa una noche en casa de su nuera, viuda de un hijo fallecido hace algún tiempo. A diferencia de sus cuñados, Noriko muestra afecto por sus suegros y conforta a la anciana. Los acontecimientos se precipitan cuando, en el tren de regreso a casa, la anciana se enferma y su esposo tiene que llevarla a casa de su hijo menor.


COMENTARIO

DE QUE SE TRATA...una pareja de ancianos de Okinichi, una ciudad portuaria cerca de Hiroshima, que emprenden un viaje a Tokio para ver a dos de sus hijos. Uno de ellos es médico y otra tiene un salón de belleza, y sus trabajos y familias no les dejan tiempo para atenderles, por lo que deciden quitárselos de encima llevándolos durante unos días a una especie de balneario.

LO MEJOR... que es tan real, tan cruda, tan simple y dura, que por momentos dan escalofríos. Ante todo tiene un poso de tristeza, pero de tristeza optimista, de aceptación serena de un destino ante el que no se puede escapar. Uno de los grandes méritos de la película es trazar un boceto de las actitudes humanas a través de un sistema sencillo de relaciones familiares. Todo ello con escenas preciosas, como la del matrimonio anciano mirando el mar o la del tren abandonando dolorosamente Okinichi. Una de las obras maestras del gran Yasujiro Ozu. Qué grande es el cine.

HIERRO 3


Titulo original: Bin-Jip

Año: 2004
Nacionalidad: Corea del Sur-Japón
Género: Drama
Duración: 95 m.
Dirección: Kim Ki-Duk
Intérpretes:
Lee Seung-Yeon (Sun-hwa)
Jae Hee (Tae-suk)
Kwon Hyuk-Ho (Min-kyu)
Joo Jin-Mo (Detective Cho)
Choi Jeong-Ho (Funcionario de prisiones)
Guión: Kim Ki-Duk
Fotografía: Jang Seung-Baek
Música: Slvian
Montaje: Kim Ki-Duk

SINOPSIS:
Tae-suk es un joven que da vueltas por la ciudad buscando casas donde establecerse temporalmente en ausencia de los propietarios. Un día, mientras está buscando una, encuentra a Sun-hwa, una joven recluida y maltratada por su rico y celoso marido. Ella, intrigada, decide seguir a Tae-suk en su vida errante de casa en casa, hasta que un día son descubiertos: el joven es encarcelado y Sun-hwa se ve obligada a volver con su marido. Al salir de la cárcel, lo primero que hace Tae-suk es ir a buscar a Sun-hwa.

REFERENCIAS:
Dirige Kim Ki-Duk (Kyongsang, 1960), quien después de haber estudiado arte en París, volvió a Corea y empezó su carrera como guionista y director en una película de bajo presupuesto, The Crocodile (1996), a la que siguieron Wild animals (1997), Birdcage Inn (1998), Real fiction (2000), experimento en tiempo real y diversos formatos rodado en 200 minutos, La isla (2000), Address unknown (2001), Bad guy (2001), The coast guard (2002), Primavera, verano, otoño, invierno y.... primavera (2003) y Samaritan girl (2004).
El guión es del propio director, quien también se ha encargado del montaje. La idea se le ocurrió mientras retiraba un folleto que estaba pegado en la cerradura de la puerta de su casa cuando de pronto se le ocurrió que todas las casas que tenían esa publicidad intacta durante varios días debían de estar vacías. La imagen de una casa vacía en la que no entra nadie le llevó a la historia de una persona muy solitaria, aislada de los demás, y decidió hacer una película acerca de un hombre que entra en ella y colma ese vacío con calidez.
Hierro 3 es un palo de golf que se usa muy pocas veces.


La casa vacía.Salgo de mi casa.Mientras estoy fuera, alguien entra en mi casa vacía y se instala en ella.Come la comida de mi frigorífico, duerme en mi cama, mira mi televisor. Quizá porque se siente culpable, arregla mi despertador roto, lava la ropa, lo ordena todo y luego desaparece.Como si nadie hubiera estado allí...Un día entro en una casa vacía.Parece que nunca haya estado nadie, así que me desnudo, me baño, preparo la comida, lavo la ropa, arreglo una báscula de baño y juego al golf en el jardín de la casa.En la casa hay una mujer desanimada, asustada y herida, que no sale nunca y que llora.Le muestro mi soledad. Nos entendemos sin decir ni una palabra, nos vamos sin decir ni una palabra.Mientras elegimos una casa en que vivir, nos sentimos cada vez más libres.En el momento en que parece que nuestra sed de libertad se ha aplacado, nos quedamos atrapados en una casa oscura.Uno de los dos se queda en una casa hecha de nostalgia.El otro aprende a convertirse en un fantasma para esconderse en el mundo de la nostalgia.Ahora que soy un fantasma, ya no siento deseos de buscar una casa vacía.Ahora me siento libre de ir a la casa en la que vive mi amada y besarla.Nadie sabe que estoy allí.Excepto la persona que me espera...Siempre llega alguien para la persona que espera... Llega, seguro... hasta para la persona que espera...Este día del año 2004, alguien abrirá el candado que bloquea mi puerta y me liberará.Confiaré ciegamente en esa persona y la seguiré a donde sea sin que me importe lo que pueda suceder...Hacia un nuevo destino...Es difícil saber si el mundo en que vivimos es sueño o realidad.