domingo, 1 de febrero de 2009

THE WALL LA PELICULA

Título Original: Pink Floyd The Wall
Dirección: Alan Parker
Ayudante de dirección: Ray Corbett
Producción: Alan Marshall
Guión: Roger Waters
Música: Pink Floyd
Sonido: Eddy Joseph
Fotografía: Peter Biziou
Montaje: Gerry Hambling
Efectos especiales: Martin Gutteridge y Graham Longhurst
Reparto: Bob Geldof, Christine Hargreaves, Eleanor David, Alex McAvoy, Bob Hoskins, Michael Ensign
País: Reino Unido
Año: 1982
Género: Musical
Duración. 95 minutos
Productora: MGM


SINOPSIS
Pink, una estrella del rock inglés, se encuentra encerrado en la habitación de un hotel de Los Ángeles, en los momentos previos a un recital. Aquí empieza a pasar revista a su vida: los recuerdos traumáticos de la infancia, las crisis de amor, el sexo, el éxito y la droga como único medio para romper el muro que él mismo ha creado. Una vorágine imaginativa y terrorífica.

COMENTARIO
Pink Floyd The Wall es una película del año 1982 dirigida por el británico Alan Parker, basada en el álbum de Pink Floyd de 1979 The Wall. El guión fue escrito por el vocalista del grupo Roger Waters. La película es altamente metafórica y rica en imagen y sonido. Se caracteriza por no tener diálogos ni una línea argumental fija, y toda la historia se refleja por medio de las canciones de Pink Floyd.
La película contiene 15 minutos de elaboradas secuencias de animación creadas por el ilustrador Gerald Scarfe, parte de las cuales describe una pesadilla basada en un hipotético ataque aéreo de los alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial...
Pink Floyd es un músico de rock que se encuentra cayendo en un abismo depresivo...Sentado en una habitación de hotel y viendo sin parar durante horas viejos filmes de guerra, Floyd recuerda el dolor de la pérdida de su padre durante su infancia, el castrador régimen escolar de su Inglaterra natal, la presencia sobreprotectora de su madre, y el derrumbe de su matrimonio. Cada recuerdo doloroso se suma como un nuevo ladrillo al muro mental que Pink se encuentra construyendo, y que lo aisla del mundo real. Entrando en una sicosis profunda, Pink se encierra en su mente mientras intenta escapar de la situación creando un alter ego autoritario y recurriendo a la imagen de la inocencia de niñez. Pero estos mecanismos no dan resultados, y pronto se verá inmerso en un juicio dentro de su propia mente, donde deberá decidir entre abrazar la locura y el aislamiento, o destrozar el muro y enfrentarse a las dificultades del mundo real que le rodean.

EL VIAJE A LA LUNA

TITULO ORIGINAL: Le Voyage dans la Lune
Director: Georges Méliès
Productor: Georges Méliès
Guión: Georges Méliès, según las novelas "De la Tierra a la Luna" de Jules Verne y "Los primeros hombres en la Luna" de H. G. Wells
Fotografía: Lucien Tainguy, Michaut
Diseños / Efectos especiales: Georges Méliès
Intérpretes: Georges Méliès (Profesor Barbenfouillis), Bleuette Béron (La Dama Luna), Victor André, Henri Delannoy, Kelm Brunnet, Jean d'Alcy, Depierre, Farjaux, bailarines del cuerpo de baile del Châtelet, acróbatas del Foliés-Bergère
Nacionalidad y año: Francia 1902
Duración y datos técnicos: 21 min. B/N.

SINOPSIS
En la asociación astronómica de París, el profesor Barbenfouillis explica sus planes para viajar a la Luna. Una vez aprobado el proyecto, se construye una nave en forma de bala y se lanza hacia el satélite, con varios astrónomos en su interior. Alcanzado el objetivo, exploran el nuevo mundo, descubren setas gigantes y extrañas criaturas, y son capturados por los selenitas. Llevados ante el Gran Rey de la Luna, se inicia una lucha, siendo abatido el rey con rapidez, que al caer estalla convirtiéndose en humo. El profesor huye y lanza el proyectil por un acantilado, refugiándose en su interior. Un selenita se agarra al casco y caen a la Tierra, estrellándose en el mar.

COMENTARIO
Uno de los asistentes a la histórica proyección del 28 de diciembre fue Georges Méliès, prestidigitador experimentado y director del teatro de ilusionismo Robert Houdin. Méliès quedó impresionado con el invento. Una anécdota famosa cuenta que trató de comprar el cinematógrafo de los Lumière; pero fue un intento fallido, pues el padre de éstos no accedió a venderlo argumentando que "el aparato podría ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero no tenía ningún porvenir comercial".
El tiempo demostró lo equivocado de sus palabras: hacia 1896 la gente comenzaba a aburrirse de las mismas proyecciones. Fue entonces cuando con su ingenio, trucos de magia, prestidigitación y escenografías teatrales, Georges Méliès convirtió al cine en espectáculo. Aunque no fue el primero en hacer películas de ficción, históricamente se le reconoce como el padre del espectáculo cinematográfico y de la ficción fílmica. Méliès explotó las cualidades narrativas de este medio, demostrando así que podía recrear y hasta inventar la realidad.
Al llevar el teatro al cine, Méliès logró imprimir a sus películas un toque único: ya no eran simples retratos de la realidad sino narraciones de historias. Para la realización de sus cintas, Méliès construyó su propio estudio en su finca de Montreuil, a las puertas de París: era un lugar único con techo y paredes de cristal (no usaba luz artificial). De sus películas se recuerda especialmente Le voyage dans la Lune (El viaje a la Luna), filmada en 1902, en la que experimentó y perfeccionó el uso de trucos con la cámara para hacer aparecer y desaparecer objetos.

El truco llegó a Méliès fortuitamente, mientras proyectaba una cinta tomada días antes: vio con asombro cómo un autobús se transformaba bruscamente en una carroza fúnebre. Después de reflexionar un poco, descubrió que la película se había detenido al momento de tomar las imágenes. Un incidente insignificante lo convirtió, tiempo después, en un maestro en el manejo de la cámara y del truco en la pantalla.
Otro acierto fue utilizar los recursos del teatro: guión, vestuario, maquillaje, escenografía, tramoya, división en escenas y actos, recursos aún vigentes en el cine actual. Si bien esto fue un acierto para la creación del espectáculo cinematográfico, un error que a la larga dejaría a Méliès fuera de la industria fue colocar siempre la cámara en el fondo del estudio, como un espectador en su butaca: la movilidad en sus cintas fue lograda por el montaje, no por el movimiento de la cámara.
Le voyage dans la Lune (El viaje a la Luna), su película más conocida, es una historia basada en las novelas de Julio Verne y H. G. Wells que ha sido retomada constantemente: un grupo de científicos planean un viaje a Luna, y para lograrlo acuden a una fábrica de inventos increíbles. Ahí son colocados en un cañón que los dispara hacia el espacio, cayendo sobre el ojo de una luna construida de yeso (esta imagen es célebre hasta nuestros días). La construcción de la escenografía es impresionante: la Osa Mayor es personificada por jóvenes vestidas de estrellas, hongos gigantes, ríos lunares y demás selenitas parecidos a crustáceos.
Esta cinta tuvo rápidamente éxito alrededor del mundo. En Estados Unidos, Tomas A. Edison la falsificó argumentando que tenía derecho sobre todas las peliculas, ya que la perforación de la cinta para cine era un invento suyo.
A partir de ese momento el cine fue diferente: surgieron realizadores con diferentes visiones del mundo que perfeccionaron el arte y la técnica, convirtiendo el cine en un medio de expresión único.

viernes, 30 de enero de 2009

LOS INFILTRADOS

TITULO ORIGINAL: The Departed
AÑO: 2006
DURACIÓN: 149 min.
PAÍS: USA
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: William Monahan (Remake: Alan Mak, Felix Chong)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Michael Ballhaus
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Vera Farmiga, Todd Peterson
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures


SINOPSIS
"Los Infiltrados" está ambientada en el sur de Boston. El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan, criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven poli que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan, sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida, reuniendo información sobre los planes y los planes de respuesta de la operación en la que se han metido. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo.

COMENTARIO
La historia de los infiltrados es la de dos hombres que se introducen en medio de dos organizaciones la primera , la polica de la ciudad de boston y la segunda el crimen organizado , mientras que el policia es un niño aparentemente bueno que da informacion al mayor de los delincuentes gracias a su alto cargo , su expediente limpio y su inteligencia escalando posiciones cada vez mas altas gracias a la ayuda de su amigo frank costello , jefe de la mafia local , que le entrega algunos de sus hombres . El segundo hombre hace lo contrario , es un muchacho uqe quiere alejarse del oscuro pasado de su familia tras la muerte de su madre , que ingresa al cuerpo policial y que al ser expulsado por su sospechoso interes en ser bueno , decide aceptar la unica opcion posible trabajar encubierto para hacer caer al pez gordo luego de tener por una serie de sacrificios, para hacer creible ante los ojos de la mafia que es en realidad uno de ellos , se atormenta con lo macabro de su trabajo doble y se enamora de su psiquiatra . La historia entrelaza lo tragico de los dos mundos y muestra a los dos hombres uno tras del otro una y otra vez , sin poder salir ilesos en el proceso . A la historia la complica un triangulo amoroso y un pez gordo que no es quien parece , intriga suspenso intenso y una buena historia , ademas de un reparto excelente , (JACK NICHOLSON, LEO DICAPRIO, MATT DAMON , MARTIN SHEEN , ALEC BALDWIN MARK WALHBERG Y HASTA EDDIE EL DE GROUNDED FOR LIFE )hacen finalmente merecedor de un oscar a quien se lo debian desde siempre .

UN PERRO ANDALUZ

TITULO ORIGINAL: Un chien Andalou
Director: Luis Buñuel
Guion: Luis Buñuel y Salvador Dalí
Personajes: Pierre Batcheff y Simone Mareuil (los jóvenes), Jaume Miravitlles y Salvador Dalí (maristas), Luis Buñuel (el joven de la cuchilla de afeitar).
Director de fotografía: Albert Duverger
Montaje: Luis Buñuel
Decorados: Pierre Schilzneck
Música: Fragmentos de “Tristán e Isolda”, (Richard Wagner), de Beethoven y canciones polulares (tangos) seleccionados por L. Buñuel
Productor: Luis Buñuel, París
Año: 1929
Duración: 17’

SINOPSIS
La película comienza con un prólogo introducido por el proverbial Érase una vez... Un hombre (Buñuel) afila su navaja de afeitar junto a un balcón y, tras observar cómo una delgada nube se dispone a atravesar el globo lunar, secciona el ojo de una mujer (Simone Mareuil) con la navaja barbera.
Nuevo rótulo: Ocho años después. Un ciclista (Pierre Batcheff) pedalea a lo largo de una calle desierta, con la cabeza, las caderas y las espaldas envueltas en manteletes blancos. Sobre el pecho lleva una caja con listas diagonales. Mediante montaje alterno vemos a la joven del prólogo leyendo un libro en una habitación; como si hubiera «sentido» la presencia del ciclista, se levanta y tira el libro en un diván próximo, dejando ver La encajera de Vermeer. El ciclista cae contra la acera y ella se precipita escaleras abajo hasta la calle, besándolo frenéticamente.
De vuelta al cuarto, dispone sobre la cama los manteletes, la caja, el cuello almidonado que llevaba el caído y una corbata, como si recompusiera la imagen de un cuerpo tendido. Al darse la vuelta ve al mismo personaje mirando unas hormigas que salen de un agujero negro en su mano derecha y que, mediante fundido encadenado, se convierten en los pelos axilares de una joven tendida al sol, posteriormente en un erizo de mar, para rematar ‑por apertura del iris‑ en un grupo de personas que rodean en la calle a una mujer de aspecto andrógino que tantea con su bastón una mano cortada que yace en el suelo. Un policía la recoge y se la entrega, tras meterla en la caja que llevaba el ciclista.
Los dos personajes interpretados por Simone Mareuil y Pierre Batcheff han visto toda la escena desde la habitación y también cómo, poco después, la mujer de aspecto andrógino es arrollada por un automóvil. El atropello hace entrar al protagonista en un estado de gran excitación, que le lleva a acometer a la joven a los acordes de un tango y a palpar sus pechos (que, por montaje encadenado, se confunden con sus nalgas desnudas). Una baba sanguinolenta cae de su boca, en una asociación que Buñuel ha explicado así: «Por razones que no se me alcanzan, he encontrado siempre en el acto sexual una cierta similitud con la muerte, una relación secreta pero constante. Incluso he intentado traducir ese sentimiento inexplicable a imágenes en Un perro andaluz, cuando el hombre acaricia los senos desnudos de la mujer y, de pronto, se le pone cara de muerto. ¿Será porque durante mi infancia y mi juventud fui víctima de la opresión sexual más feroz que haya conocido la Historia?»
Para defenderse de su acoso, ella le amenaza con una raqueta; Batcheff, como, si fuera la cosa más natural del mundo, busca algo por el suelo con que responderle, y encuentra una cuerda, tirando de la cual aparecen dos planchas de corcho, un melón, dos maristas (uno de ellos interpretado por Salvador Dalí) y dos pianos de cola con sendos burros podridos encima. La joven emprende la huida, atrapando con una puerta la mano de él, de cuya palma parecen brotar hormigas. El cuarto al que pasa la joven es idéntico al que deja atrás, y sobre la cama se halla tendido el personaje atrapado al otro lado de la puerta, con todos sus adminículos (manteletes, caja, etc.)
Nuevo rótulo: Hacia las tres de la madrugada. Un personaje llama a la puerta de entrada del piso y ordena a Batcheff que se levante de la cama y arroje sus adminículos por la ventana. Al darse la vuelta se ve moverse al recién llegado en flou y al ralentí y se comprueba que es Batcheff varios años más joven. Como en un castigo escolar, el recién llegado pone al ciclista de cara a la pared, cargados los brazos con libros que no tardan en convertirse en revólveres con los que tirotea a su doble, que cae en la siguiente toma contra el torso desnudo de una mujer en un parque, donde es recogido por los transeúntes que por allí pasean.
Simone Mareuil entra en la habitación que ya conocemos, viendo en la pared una mariposa que tiene en su tórax una mancha blanca que recuerda una calavera y al ciclista, cuya boca desaparece para ser sustituida por los pelos del sobaco de la joven. Ésta abre la puerta y sale directamente a una playa donde le espera un tercer personaje, con el que pasea por la arena, donde sus pies tropiezan con las correas, la caja rayada, los manteletes y la bicicleta. En sobreimpresión sobre el cielo aparece la leyenda En primavera. Y se ve, en un desierto sin horizonte, enterrados hasta el pecho, al protagonista y a la joven, «ciegos, con los vestidos desgarrados, devorados por los rayos del sol y un enjambre de insectos»

COMENTARIO
El Surrealismo, una de las grandes subversiones culturales del siglo XX, trata de mostrar el mundo de los sueños, de descubrir la cara oculta del subconsciente. Ya dijo en su momento Breton, defensor de la ortodoxia surrealista: "Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad". Este fenómeno cultural no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro y la poesía. El resultado es un mundo aparentemente absurdo, ilógico, en el que los pensamientos escapan al dominio de la razón.Y aquí entra la que es considerada la primera filmación surrealista: "Un perro andaluz". Este corto, de imágenes aparentemente inconexas, fue firmado por Luis Buñuel, en colaboración de su amigo Salvador Dalí. En la cinta no se observa ningún perro y, que se sepa, tampoco ningún andaluz, es más se desarrolla en un espacio desconocido, no imprime ninguna connotación personal a los protagonistas y tampoco ningún dato que nos muestre el tiempo en que se desarrolla. He aquí otra de las bazas con las que juega: no hay tiempo, hay saltos, zancadas abismales en las que no se intenta ver a donde ha ido uno a parar, por ejemplo, el protagonista vuelve a la infancia sin cambiar en apariencia cuando es castigado con cargar los brazos con libros. las imágenes aparecen como en los sueños: inconexas, representando miedos interiores, paisajes imposibles y evocaciones sexuales, en fin, pulsiones freudianas.
Así bien dijo Buñuel que esta mirada loca nació de la confluencia de dos sueños, uno suyo y otro de Dalí, una cuchilla de afeitar que corta un ojo y una mano llena de hormigas, respectivamente. Si bien la filmación dura bastante poco (como la fase REM de los sueños) no son pocas las imágenes que se quedan grabadas en nuestro subconsciente:
- Un señor afila una navaja y observa la luna llena.- Las nubes tapan la luna. La navaja se hunde en el ojo de una mujer.- Un personaje de aspecto andrógino es atropellado por un coche y otro, después de observar la desgracia, agrede sexualmente a una mujer.- Dos curas (uno de ellos es Dalí) aparecen atados a un piano sobre el que descansan dos burros putrefactos.- Después de un paseo por la playa, dos amantes aparecen semienterrados en la arena, cubiertos de insectos.
Estas y otras escenas hacen que esta película se vea entre el asombro y la carcajada, teniendo siempre en mente una pregunta: "pero... ¿qué estoy viendo?". Es que no hace falta dotar de racionalismo a las imágenes, tan sólo hay que dejarse llevar, esperar que afloren los sentimientos y, una vez visionada la película, olvidarla, si es que uno puede.
¿Qué hay de surrealismo en las imágenes? En primer lugar se observa la constante metamorfosis de los objetos, un cambio de estado, lugar y forma (recuérdense los famosos blandos relojes de la obra de Dalí "La persistencia de la memoria"). En la película: un hombre encuentra el vello de una axila suya en lugar de su boca. ¿Qué más? Las relaciones, las simbiosis, las continuas catarsis: así, la luna se convierte en ojo y una nube en navaja que corta la luna.

BUÑUEL POR BUÑUEL
“Un perro andaluz fue un film antivanguardista, nada te­nía que ver con la vanguardia cinematográfica de entonces. Ni en el fondo ni en la forma”.

“También se iba a llamar Es peligroso asomarse al interior y El marista en la ballesta. Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple: no aceptar idea ni imagen que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural”

“Hubo 40 ó 50 denuncias en la comisaría de policía de personas que afirmaban: Hay que prohibir esa película obscena y cruel. Entonces comenzó una larga serie de insultos y amenazas que me ha perseguido hasta la vejez”.

“Adoro los sueños, aunque mis sueños sean pesadillas y eso son las más de las veces. Están sembrados de obstáculos que conozco y reconozco. Esta locura por los sueños, que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo. Un chien andalou nació de la convergencia de uno de mis sueños con un sueño de Dalí”.

martes, 20 de enero de 2009

EL HALCON MALTES

TITULO ORIGINAL: The Maltesse Falcon
Año: 1941
País: EE.UU.
Dirección: John Huston
Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet, Ward Bond, Gladys George.
Guión: John Huston, basado en la novela de Dashiell Hammet
Música: Adolph Deutsch
Fotografía: Arthur Edeson
Duración: 100 min.
Género: Cine negro


SINOPSIS
En 1593, los Caballeros de la Orden de Malta decidieron obsequiar al Emperador Carlos V con la estatuilla de un halcón, realizada en oro macizo con incrustaciones de piedras preciosas, en agradecimiento a ciertas prerrogativas concedidas por el monarca. Sin embargo, esta maravillosa joya no llegó nunca a manos de Carlos V, ya que la galera en la que era trasportada fue asaltada por unos piratas. Cuatrocientos años después, el detective privado Sam Spade y su socio, Archer, aceptan el encargo de una muchacha que quiere averiguar dónde se encuentra su hermana, que ha desaparecido junto a Floyd Thursby, un hombre sin escrúpulos.

COMENTARIO
El Halcón Maltés se basa en la obra de Dashiell Hammet que narra una complicada trama criminal en la que se ve envuelto Sam Spade (Bogart), en pos de una figura de un halcón procedente de época templaria y que una banda mafiosa pretende conseguir a toda costa.El filme supone la primera incursión como director del jovencísimo guionista John Huston, hijo del actor Walter Huston, y que también fue el autor del guión. Consigue en su primera incursión en la realización una auténtica obra maestra que se ha convertido con el paso de los años en un filme de culto para todos los cinéfilos.En 1941 le ofrecen a John Huston dirigir su primer título y éste se decantó por una obra de un autor de su gusto, Dashiel Hammet, al que consideraba injustamente tratado por el cine. Huston escribió un guión que respetaba al cien por cien el texto original.El papel protagonista estaba claro para Humphrey Bogart, aunque la productora se lo quiso ofrecer en un principio a George Raft, a lo que Huston se negó en redondo. El resto del reparto lo componían Mary Astor, Peter Lorre y al actor británico Sydeney Greenstreet. Todos los encuadres del rodaje estaban dibujados de antemano y no se cambió ni una frase del guión original.El buen cálculo del director hizo que el rodaje avanzase sobre ruedas y que, incluso, concluyese antes de lo previsto, con el consiguiente ahorro económico, que ascendió a cincuenta y cuatro mil dólares, y la alegría de los estudios. Las escenas se rodaron siguiendo el orden cronológico del guión.La anécdota surgió cuando Bogart debía besar a Mary Astor. El bueno de Bogie nunca había besado a una actriz, puesto que siempre había hecho de malo malísimo, y John Huston hubo de animarle constantemente, pese a lo que hubo de repetirse la toma hasta siete veces. Fue el debut de Bogart como héroe romántico. Años más tarde Mary Astor declararía: "Bogie no necesitaba besar a la chica. Ni siquiera tenía que tocarla. Bastaba con ver como la miraba".Con El Halcón Maltés se siguió la costumbre hollywoodiense de hacer un pase previo para observar la opinión de la gente. Si algo no gustaba se cambiaban escenas e, incluso, el final. El pase previo de la película tuvo lugar en un cine de Pasadena. El éxito del pase fue tal que no hubo que cambiar nada de la película ante la alegría de Jack Warner y Hal B. Wallis, que inusualmente estuvieron presentes.El Halcón Maltés supone el primer filme en la historia en el cual se puso el nombre de los dos protagonistas, Humphrey Bogart y Mary Astor, en letras del mismo tamaño en el título del filme y a la misma altura, compartiendo, de este modo, cabeza de cartel.El Halcón Maltés se estrenó en el mes de octubre y la reacción de la prensa fue unánime, al valorar la calidad de la cinta, a pesar de que la Warner no le había dado la publicidad que merecía.


EL ULTIMO REY DE ESCOCIA

TITULO ORIGINAL: The last king of Scotland
Dirección: Kevin Macdonald.

País: Reino Unido.
Año: 2006.Duración: 121 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Forest Whitaker (Idi Amin), James McAvoy (Nicholas Garrigan), Kerry Washington (Kay Amín), Simon McBurney (Stone), Gillian Anderson (Sarah Merrit).
Guión: Peter Morgan y Jeremy Brock; basado en la novela de Giles Foden.
Producción: Andrea Calderwood, Lisa Bryer y Charles Steel.
Música: Alex Heffes.
Fotografía: Anthony Dod Mantle.
Montaje: Justine Wright.
Diseño de producción: Michael Carlin.
Vestuario: Michael O'Connor.

SINOPSIS
Por una increíble pirueta del destino, un médico escocés (James McAvoy) destacado en misión médica en Uganda queda irreversiblemente enredado con uno de los personajes más bárbaros del mundo: Idi Amin (Forest Whitaker). Impresionado por la descarada actitud del doctor Garrigan en un momento de crisis, el recientemente autonombrado presidente de Uganda, Amin, le elige como médico personal y como su confidente más íntimo. Aunque Garrigan se siente al principio halagado y fascinado por su nuevo puesto, no tardan en abrírsele los ojos al salvajismo de Amin y a su propia complicidad en él. El horror y la traición persiguen a Garrigan cuando intenta enmendar sus errores y huir con vida de Uganda.

COMENTARIO
La película tiene el acierto de no presentar la historia desde el punto de vista del dictador, como tradicionalmente se ha hecho frente a personajes de este tipo.
Nos encontramos más bien ante un relato ficticio pero efectivo: un jóven escocés, Nicholas Garricgan, educado en un entorno represivo y recién graduado como médico, decide emprender una aventura lo más intensa posible, yéndose a trabajar lo más lejos posible de su familia.
Así, por azar, Garrigan llega a Uganda inmediatamente después del golpe de Estado de Idi Amin Dada y queda fascinado por el personaje, quien, por casualidades que no comentaré para que vean la cinta, termina convirtiéndose en el médico personal del dictador y en uno de los hombres de su mayor confianza.
Pero, poco a poco, se irá dando un aprendizaje moral en el médico, quien poco a poco irá percátandose de las atrocidades que ocurren a su alrededor. Se presentará así un cambio en el personaje, quien irá dejando poco a poco la frivolidad con la que vivía para pasar a sentir miedo y terror por el personaje que lo trataba como a un hijo.
El personaje de Nicholas Garrigan nos presenta a todos aquellos que, fascinados por un líder carísmático (y en el caso de Amin, también psicópata), aplauden a rabiar a los dictadores y desconocen (o fingen desconocer) las atrocidades que cometen estos regímenes. El desconcierto y la decepción posterior solo se presentan cuando un hecho les toca directamente. Como en el poema célebre de Brecht, la represión no importa hasta que no le toque que lo lleven a uno.
Amin, interpretado por el nominado al Oscar Forrest Whitaker (aunque extraña que James McAvoy, quien hace del médico, no haya sido nominado), es un personaje que ejerce su fascinación en la sombra. Recién en los últimos minutos de película nos enfrentamos a la cara más cruel del tirano. Al inicio, se nos presenta como un político consumado, que hará cosas con su pueblo y que no duda en bailar en los mítines. Pero, poco a poco, la soledad del dictador, sus paranoias y su crueldad iran aflorando.

EL VERDADERO IDI AMIN
Nació en 1925 en la localidad de Kokobo. Su infancia la pasó junto a sus padres, dedicados a la agricultura, pertenecientes a la etnia Kawka y de religión musulmana.
Cuando el país aún era una colonia británica, ingresó a la carrera militar en 1943 como parte de la guardia del rey de Uganda. En la década de 1960 realizó estudios militares en Inglaterra e Israel, e intervino como parte del ejército inglés para sofocar la rebelión en Kenia.
De regreso a su país, continuó su carrera militar, siendo considerado como un general leal al entonces presidente Milton Obote. Llegó a ser nombrado como general de división y jefe de las Fuerzas Armadas en 1968.
Los escándalos de corrupción y el paulatino alejamiento en política exterior del Reino Unido, hizo que Inglaterra apoyara un golpe de Estado contra Obote en 1971, que sería encabezado por Amin. Israel también apoyó a este gobierno de facto.
En el ámbito internacional, luego de tener el apoyo inicial de ingleses e israelíes, viró de política, para comenzar a apoyar las causas del mundo árabe, en particular la cruzada antioccidental de Libia y la creación de un Estado Palestino.
Cuando Amin expropió propiedades del Reino Unido en Uganda y amenazó con expulsar a los británicos que quedaban en el país, las relaciones entre el ex imperio y la ex colonia terminaron de romperse.
Amin implantó un régimen de terror en su país. Si bien en un principio tuvo apoyo popular frente a la represión y corrupción de su antecesor, se ensañó con sus opositores, cometiendo masivas violaciones a los derechos humanos como desapariciones forzadas, ejecuciones extrajudiciales y torturas, muchas de las cuales se cometieron con gran crueldad. Se calcula en 300,000 el número de ugandeses que murieron a causa de la política de represión de la dictadura.
Asimismo, en 1972, expulsó a 80,000 personas procedentes de la India, muchas de las cuales eran grandes propietarias de bienes en Uganda y sostenían la economía de este país.
El declive de Amin se produjo cuando intentó anexar parte del vecino país de Tanzania. El presidente de ese país, Julius Nyerere, se unió a los opositores a la dictadura dentro de Uganda y se consiguió el derrocamiento del régimen en 1979.
Amin nunca fue procesado por los crímenes que cometió. Se refugió en Arabia Saudita y permaneció allí hasta su muerte en 2003.

viernes, 16 de enero de 2009

LO QUE EL VIENTO SE LLEVO

TITULO ORIGINAL: Gone With the Wind
AÑO: 1939
DURACIÓN: 222 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Victor Fleming
GUIÓN: Sidney Howard (Novela: Margaret Mitchell)
MÚSICA: Max Steiner
FOTOGRAFÍA: Ernest Haller & Ray Rennahan
REPARTO: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes
PRODUCTORA: David O. Selznick Production / MGM

SINOPSIS

Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara vive Scarlett O'Hara, la más bella, caprichosa y egoísta joven de la región. Ella suspira por el amor de Ashley, pero él está enamorado y prometido con su prima, la dulce y buena Melanie. Corren todavía tiempos felices en Tara, pero por poco tiempo, la Guerra de Secesión está a punto de estallar. En la última fiesta acontecida antes del comienzo de las hostilidades entre el norte y el sur, Scarlett conoce al simpático y apuesto Rhett Butler, un arrogante y aventurero vividor, que sólo piensa en si mismo y que no tiene ninguna intención de participar en el conflicto. Lo que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett.

COMENTARIO
Adaptación monumental de la popularísima novela, auténtico best-seller, de Margaret Mitchell. El productor David O. Selznick, auténtico autor del film, puso todos los medios para lograr una gran epopeya, cruzada por los amores y pasiones intensas de sus protagonistas. Ante él desfilaron directores como George Cukor, Victor Fleming y Sam Wood, con los que mantuvo diferencias: sería Fleming, que acababa de entregar El mago de Oz, el que dirigiría la mayor parte del metraje.
Entre las grandiosas escenas, rodadas en el alba de un maravilloso technicolor, destacaba el incendio de Atlanta, y el campo después de la batalla, con un precioso plano que empezaba mostrando a decenas de miles de figurantes, combatientes sureños tocados por la derrota, para terminar mostrando la bandera de un Sur condenado a dejar de existir tal y como es en esos momentos.
El papel más codiciado del film, por supuesto, era el de Scarlet. Pese a candidaturas con la fuerza de Katharine Hepburn, Paulette Goddard y Jean Arthur, Laurence Olivier y Vivien Leigh lograron poner a Myron Selznick de su parte. De hecho acudieron un día con ella al rodaje (se habían empezado ya a rodar planos del incendio de Atlanta), y Myron, con una sonrisa de oreja a oreja, se acercó a David Selznick y George Cukor, y les dijo señalando a Vivien Leigh: "Les presento a Scarlet O'Hara".
Diez Oscar, incluidos mejor película y director, obtuvo este film legendario. Y durante muchos años ostentó el título de "más taquillero de los tiempos", y si se aplican correcciones inflacionarias, puede que hoy en día todavía lo siga siendo. La película se reestrenaba periódicamente en salas de todo el mundo y su primer pase en televisión fue todo un acontecimiento. Incluso, con el pasar de los años, una tal Alexander Ripley se atrevió a perpetrar un libro, continuación del de Mitchell. Pero a pesar de los esfuerzos realizados, no resistía la comparación con el original. Como tampoco lo hizo la miniserie televisiva que inspiró.
Antes de que Halle Berry llorara a moco tendido por el Oscar a la mejor actriz gracias a Monster's Ball (2001), una actriz morena y regordeta que respondía al nombre de Hattie McDaniel ganaba la estatuilla en la categoría de mejor actriz secundaria. Era el año 1940 y aún tenía que llover mucho para que los derechos civiles de los negros dieran un paso de gigante en los Estados Unidos. Pero el gran trabajo de esta actriz, con sus sabios consejos y reproches a la señorita Scarlet, fue una señal de aviso. Las cosas para la gente de color tenían que cambiar ya.
El film combina escenas espectaculares (que suelen interesar más a los hombres) con la relación de amor-odio entre Scarlet y Rhett (parte favorita de las damas). Destaca en el primer apartado el incendio de Atlanta, y el campo tras la batalla, con un plano que empieza mostrando a miles de figurantes, combatientes sureños tocados por la derrota, para terminar en la bandera de un Sur condenado a desaparecer. La dificultad de los personajes para confesar sus sentimientos es el palto fuerte del otro elemento apuntado. Pasajes como el de Scarlet con el brazo levantado y el puño cerrado, diciendo "Pongo a Dios por testigo de que no volveré a pasar hambre", impresionan.