SED DE MAL

Año de producción: 1958, 106 MIN

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Joanna Cook Moore, Ray Collins, Dennis Weaver, Marlene Dietrich.

Guión: Orson Welles

Música: Henry Mancini

Fotografía: Russell Metty

SINOPSIS:

Un agente de la policía de narcóticos llega a la frontera mexicana con su nueva esposa justo cuando explota una bomba. El policía decide emprender la investigación con el apoyo del jefe local, el obeso Quinlan, muy reputado en la región por sus métodos, pero un hombre ávido y brutal. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro.

Touch of evil (distribuida en español variadamente como Sed de mal, Sombras del mal o Toque de maldad) (1958), considerada por muchos críticos como la segunda mejor obra de Orson Welles, es una película que retrata, de modo turbio e incluso melancólico, la resolución de un caso policial de asesinato en la frontera méxico-estadounidense. Estelarizada por Charlton Heston, Janet Leigh y Orson Welles (además del significativo rol secundario de Marlene Dietrich) la cinta parece debatirse en dos tópicos: la resolución del crimen y el desenlace del personaje de Welles, quien encarna a Hank Quinlan, un detective con un pasado trágico y un presente oscuro que, sin duda, se roba el protagonismo.
A este film se le atribuye el gran final del Cine Negro, resaltando tanto el manejo del tema, como el relato cinematográfico y el uso de diversos recursos para el movimiento de cámara.

EXPRESO DE MEDIANOCHE

TITULO ORIGINAL
Midnight Express
AÑO
1978
DURACIÓN
121 min.
DIRECTOR

Alan Parker
GUIÓN
Oliver Stone (Autobiografía: Billy Hayes)
MÚSICA
Giorgio Moroder
FOTOGRAFÍA
Michael Seresin
REPARTO
Brad Davis, John Hurt, Bo Hopkins, Irene Miracle
PRODUCTORA

Columbia Pictures.

PRODUCTOR

David Puttnam

1978: 2 Oscar: guión adaptado, banda sonora / Drama carcelario / Basada en hechos reales, narra la terrible experiencia de un americano encarcelado en una prisión turca por tráfico de drogas. Guión de Oliver Stone y excelente banda sonora -premiada con el Oscar- para un durísimo drama que obtuvo un gran éxito de taquilla.

SINOPSIS

Un joven estadounidense llamado Billy Hayes (Brad Davis) es sorprendido en el aeropuerto de Ankara con posesión de drogas ilícitas.
Sin más preámbulos es encerrado en una prisión turca al tratar de abandonar el país con dos kilos de hachís siendo condenado a 4 años de cárcel, por el cargo de tráfico de drogas.
La prisión turca de Constantinopla es lo más cercano al infierno, donde pululan y mueren seres malditos en eterno estado de miseria dura. Billy intenta salir de la cárcel por medio de un corrupto abogado, que lo único que logra es extender aun más su condena.
El ambiente de la prisión empieza a hacer efectos en el, además uno de los guardias lo pretende sexualmente.
Ya han pasado dos años, y Billy inteligentemente logra usar al guardia que lo pretende para que le confíe algunas labores que lo sacan de la misería. Logra darle 100 dolares al guardia de los 1000 que su enamorada le dio, los 900 restantes los guarda en su zapato.
Una mañana tras darle el dinero al guardia este lo saca a rastras y lo lleva a su habitación en una de las torres de vigía para violarlo, Billy se defiende y logra matar al agresor, toma su uniforme y se viste de guardia. Traspone las puertas de la prisión y logra por fin fugarse del infierno, llegando a la frontera con Grecia donde por fin después de 3 semanas logra llegar a Estados Unidos y reunirse con su familia y novia que nunca lo abandono.

ANNIE HALL

Annie Hall
AÑO 1977
94 min.
DIRECTOR: Woody Allen
GUIÓN: Woody Allen & Marshall Brickman
FOTOGRAFÍA: Gordon Willis
REPARTO: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Janet Margolin, Shelley Duvall, Christopher Walken, Colleen Dewhurst, Sigourney Weaver
PRODUCTORA: United Artists presents a Jack Rollins / Charles H. Joffe Production

1977: 4 Oscar: mejor película, director, guión original, actriz (Diane Keaton). Nominado Woody Allen como mejor actor / Comedia

Alvy Singer (Woody Allen) es un apreciado escritor de chistes y divertidas historias para actores cómicos que, indistintamente, actúan en clubs nocturnos y en televisión. Alvy, de apariencia insignificante, está prácticamente condicionado por sus múltiples preocupaciones por el amor, el sexo y la muerte. Pero, de pronto, conoce a Annie Hall (Diane Keaton), una atractiva mujer que ha alcanzado un enorme éxito como cantante. Atraidos físicamente, deciden irse a vivir los dos juntos. Pero, al cabo de algún tiempo, su maravillosa relación inicial comienza a enfriarse, aunque ninguno de los dos se atreve a confesarlo. Finalmente deciden, de mútuo acuerdo, separarse.

SUNSET BOULEVARD

EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES

Director: Billy Wilder

Año: 1950

Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, Marshman Jr

Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Lloyd Gough, Jack Webb

ARGUMENTO: Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que viéndose acosado por sus acreedores se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, la cual vive alejada de la realidad y sólo acompañada de su fiel criado Max, que estuvo casado con ella. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine. Debido a sus problemas económicos, éste accede en un primer momento, pensando que de esa manera va a poder evitar a los acreedores pero pronto se da cuenta del gran error que ha cometido viendo la situación de trastorno mental que sufre la actriz, la cual se acaba enamorando del escritor.

El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard) es todo un clásico. Fue realizada como más adelante comentaremos, en secreto, en el año 1950 y fue la primera gran película de Billy Wilder, el genial director austriaco (El apartamento). Las películas de Wilder siempre tienen una razón de ser, generalmente son ácidas y muy críticas: de él dijo William Holden, que tenía la mente llena de cuchillas de afeitar. En este caso el propósito que buscaba el director era mostrar al gran público, su visión personal del mundo de la meca del cine: cómo se hacían las películas, y lo que es más importante cómo se trata a los que trabajan en ese mundo, qué es lo que realmente importa a las grandes productoras: ¿qué es Hollywood, arte o industria?. Todo esto nos lo muestra Wilder de muchas maneras: en el oscarizado guión -en el que un guionista no muy brillante sufre por sobrevivir en el engranaje de Hollywood- vemos que lo que importa, por mucho que nos empeñemos en negarlo, es el dinero. Wilder realiza además una crítica feroz al trato que Hollywood hace a sus musas y a sus estrellas. Nos pone delante de la patética crisis de una actriz del cine mudo, en la época del cine sonoro. La película contiene varios guiños para el espectador, con los que el director también quiere decirnos algo. La aparición de actores que representan de alguna manera los papeles de su vida (Buster Keaton, Hedda Hopper). Así el gran director Cecil B. De Mille (él mismo en la película), que supo dar el salto al cine sonoro, también Eric Von Stroheim (Max, el mayordomo), que no supo o no quiso dar dicho salto. Aparece también la actriz Gloria Swanson interpretando el papel de Norma Desmond, (actriz de cine mudo), que no acaba de aceptar que su época ya ha pasado. Importante señalar la actuación de Gloria Swanson: nos muestra perfectamente con una actuación extraordinariamente carnal y física, al más puro estilo cine mudo, la patética situación de la actriz. Como hemos dicho antes la película fue rodada en el más absoluto secreto, cosa que en el sistema de estudios de aquella época era bastante complicado. La razón era simple: obviamente la productora no iba a permitir que se hiciera una película que criticase su modo y métodos. Así Billy Wilder, dijo que estaba rodando una peli diferente, con un argumento distinto. Cuando la película se estrenó, dicen que el famoso productor Louis Mayer (el de Metro Goldwin Mayer), le dijo: "Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que se lo ha dado todo". El director austriaco con un estilo muy personal simplemente le dijo "te jodes", y todo esto en la rueda de prensa. La película contiene momentos de esos que inmortalizan el cine, como por ejemplo, el comienzo en voz en off, que nos quita de la cabeza cualquier posibilidad de happy end, ya que es un muerto el que habla (nunca se había hecho antes), y la impresionante y lenta bajada de la escalera, el ansiado encuentro con las cámaras, de Norma Desmond que expresa también su final, el declive de lo que esta representa. Resaltar también el genial montaje en blanco y negro que tiene, que diferencia ambientes a la perfección, así como el decorado barroco y preciosista de la mansión de Norma, totalmente anticuado, tanto como ella misma. En fin, una película mordaz, pero genial. Es un personal homenaje al cine mudo, como vemos en frases como: "han hecho una cuerda con las palabras y han ahorcado el cine", o también "no hacían falta palabras, teníamos caras". Homenaje a grandes directores de aquella época como De Mille, o Stroheim. De esta manera el personaje que interpreta este último, el mayordomo Max, dice: "Griffith, De Mille y yo hemos inventado el cine". Fue nominada a muchos Oscars pero tan solo se llevó el del mejor guión (Wilder-Bracket, y Marshman Jr). Tan solo como dato diremos, que Billy Wilder fue nominado para los oscars en veintiuna ocasiones, y logró la preciada estatuilla en seis de ellas. Además es el único que ha sido premiado por mejor director, guionista, y productor. Es bueno saber lo que uno tiene delante. A disfrutar...

ACORAZADO POTEMKIN

El acorazado Potemkin (1925)
Título Original: Bronenosets Potyomkin, 1925, URSS
Dirección: Sergei M. Eisenstein Intérpretes: Grigori Aleksandrov, Aleksandr Antonov, Mikhail Gomorov, Vladimir Barsky, Julia Eisenstein, I. Bobrov, Beatrice Vitoldi, N. Poltavseva

Sinopsis:
Planeado por el Comité Central Soviético para coincidir con las celebraciones del vigésimo aniversario de la fallida Revolución Rusa de 1905, esta película fue dirigida por un joven realizador de 27 años llamado Sergei Eisenstein, que concibió todo el film en un guión de un sola página, y que además era parte de una serie de 8 películas que intentaban narrar la mayor parte de las acciones revolucionarias. La película comienza con la negación de la tripulación del Acorazado Potemkin a comer carne en mal estado y llena de gusanos. El amotinamiento se desarrolla y su líder, Vakulinchuk, es disparado por un joven oficial. Los oficiales de rango superior han sido destronados y cuando el Potemkin llega a Odessa, la gente aparece por todos los lugares y quiere saber la causa del marinero muerto y el porqué del comienzo de los actos de rebelión. Este film, señalado por todos como un hito en la cinematografía, se estrenó en Moscú en Enero de 1926. Tan sólo estuvo cuatro semanas en cartel.


La película no es sólo un film de propaganda. Busca construir un drama universal a partir de un hecho puntual, de tal manera que su mensaje va más allá del público ruso del 25 y la exaltación del fervor revolucionario y comunista (aunque fuera su objetivo). Y va más allá porque sienta las bases del lenguaje cinematográfico y del montaje.Virtudes (técnicas por supuesto): contraste entre imágenes para provocar espanto, empleo por primera vez en la cinematografía soviética del travelling (las cámaras de la época eran enormes y muy difíciles de mover), la crispación de los puños de los marineros cerrándose, el aprovechamiento del espacio dentro del plano con una composición que queda muy natural pero “llenando” el plano de forma artificial (los maestros del cine clásico americano como Howard Hawks eran expertos y hoy parece que nadie es capaz de hacerlo igual), el carrito en la escalera, las caras, la discordancia entre el ritmo interno de la escena y el ritmo del montaje, la imagen como símbolo, intercambio de lentes en lugar cambiar de lugar la cámara, el uso del foco diferencial, la fotografía de Tissé, angulaciones para generar sensaciones, hacernos creer que el barco está en alta mar, un extraordinario manejo del ritmo con momentos de pausa y otros de crispación, expresivos primeros planos, el plano picado, el recurso de la repetición de imágenes para evocar ideas y para generar tensión en las acciones (no, no lo inventó John Woo) etc. Todo ello, es cierto, pasando olímpicamente del raccord (gente corriendo hacia lados contrarios, cubos quietos que luego se balancean...).

VERTIGO / DE ENTRE LOS MUERTOS

Vértigo
Música: Bernard Herrmann (Compositor)
Dirección: Alfred Hitchcock
Fotografía: Robert Burks
Producción: Alfred Hitchcock
Guión: Alec Coppel, Samuel A. Taylor
Reparto: James Stewart (Jhon "Scottie"Ferguson), Kim Novak (Madeleine, Elster/Judy Barton), Barbara Bel Geddes (Marjorie "Midge" Wood), Tom Helmore (Gavin Elster), Henry Jones (Coroner)

RESUMEN

No tuvo una buena acogida durante su estreno, pero después fue laureada como una de las mejores películas de Alfred Hitchcock (y, según Hitchcock, su película más personal). Esta obsesionante adaptación de la novela francesa D'entre les morts crea toda una complicada red de obsesión y engaño. La película comienza cuando Scottie Ferguson (James Stewart), que está a punto de caer de un edificio, ve como en su lugar cae un agente de la policía que intenta ayudarle, y se da cuenta de que sufre de vértigo, un trastorno que se manifiesta en pánico a las alturas. Scottie renuncia a su trabajo como investigador privado, pero es contratado por su viejo amigo de la universidad, Gavin Elster (Tom Helmore) para que se encargue de un caso especial. La esposa de Elster, Madeleine (Kim Novak), ha sido poseída por un espíritu, y Elster quiere que Scottie la vigile. Él acepta no muy convencido y empieza a seguir a la hermosa y enigmática Madeleine por el San Francisco de los años cincuenta (lo acompaña la música hipnótica de Bernard Herrmann). Scottie evita que ella se suicide, y lentamente empieza a enamorarse de ella, sentimiento que ella parece corresponder. Aquí empieza la tragedia, y durante la segunda mitad de la película cada sorpresa nos obliga a poner en tela de juicio a los personajes y eventos que ya dábamos por sentados.

Considerada una de las mejores películas en la historia por la revista especializada Sight and Sound, Vértigo/ De entre los muertos, es un material de gran calidad, por el buen uso de la narrativa audiovisual lograda por el director, las buenas actuaciones de James Stewart, las locaciones sacadas de la misma mente de Hitchcock (gracias a sus bocetos-storyboard) y la minuciosidad con la que están cuidados todos los detalles de esta compleja historia, de manera que nada está ahí por casualidad y todo va relacionado a la perfección con el título que siendo corto tiene gran empuje al lograr una fusión perfecta con el tema.
El guión terminado y la película llevan por todas partes la huella de los más profundos sentimientos personales de Hitchcock... sobre sí mismo, sobre su imagen idealizada de la mujer, sobre las peligrosas fronteras de la fijación emocional, y sobre la muerte, que es la obsesión romántica definitiva.

Una de las características que distinguía a este director, era el hecho de que era muy exigente con las ideas que tenía. Así construía la mayor parte de sus películas visualmente para darle órdenes específicas al escritor de cómo debía hacer cada una de las escenas (pues la mayoría de sus personajes y situaciones los tenía muy bien definidos), cuidando todos los detalles, como el color de los vestuarios, siempre poniendo detalles no gratuitos y encargándose personalmente del storyboard.
Sus películas están cargadas de pistas, situaciones psicológicas complejas y una narrativa enganchadora.
Vértigo / de entre los muertos ha trascendido a lo largo de los años como una pieza invaluable de arte cinematográfico. Recientemente se hizo una restauración que tardo 2 años de trabajo por parte del técnico Robert A. Harris y James C. Katz, dejando la película a la perfección después de su demacración con los años.
Este excelente thriller que habla de Ferguson, un hombre que sufre acrofobia, quien rescata a Madeleine Elster (la esposa de un amigo suyo, Gavin Elster) de un intento de suicidio en la bahía y se enamora de ella; tuvo tres nombres de trabajo: From Among the Dead (traducción literal del título de la novela),Illicit Darkening y Listen Darkling.
La película básicamente es una historia de romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Este tipo de temática es tratada comúnmente en las películas de Hitchcock, y estudios realizados por el paso del tiempo indican que Vértigo es una obra autobiográfica de Hitchcock que explica su relación con Grace Kelly, su amor frustrado y obsesión. El director después de haber trabajado con la actriz en varias películas queda enajenado con ella, pero ella se casa con un príncipe y deja la actuación, acción que hiere a Hitchcock y lo llena de sentimientos y negatividad, los cuales se muestran directamente en escenas de su película Vértigo. Haciendo referencia a hechos de su vida personal, críticos afirman que esta obra cinematográfica es su obra mas personal creada como una herramienta para exorcizar todo su dolor.
Se puede notar como Hitchcock nunca se sale de su línea de trabajo, se mantiene fiel a la fórmula que le funcionó por lo largo de su carrera como director de películas de misterio y aunque en esta ocasión la acentuación temática eran los laberintos psicológicos que brotan de una obsesión, se podría decir que el filme resulta ser Hitchcock en su máxima expresión. Podemos ver que sigue utilizando herramientas como el miedo, el misterio, la transformación de la realidad, los impulsos oscuros del ser humano, logrando crear la atmósfera adecuada para la trama de esta película.
No se puede negar el perfecto uso de la música en la película, la cual agrega el toque necesario de ansiedad, suspenso y miedo psicológico que necesita cada escena, y va progresando conforme la toma progresa.
Se puede decir que Vértigo es un trabajo muy elaborado en donde Hitchcock lleva casi a la perfección cada idea y pule cada detalle de la película nunca dejando un espacio para una elemento mediocre y nos demuestra claramente porqué es una de las mejores películas de la historia, y Hitch uno de los directores favoritos de todos los tiempos.

PATER PANCHALI

Pather Panchali
India (1955)
Duración: 115 min.
Dirección: Satyajit Ray
Producción: Satyajit Ray para The Government of West Bengal
Guión: Satyajit Ray y Bibhuti Bhushan Bandhopadhyay, basado en la novela de Bandhopadhyay
Fotografía: Subatra Mitra
Dirección Artística: Bansi Chandragupta
Música: Ravi Shankar
Sonido: Vupen Ghose
Edición: Dulai Dutta
Reparto:
Kanu Bannerji (Harihar Ray)
Karuna Bannerji (Sarbojaya Ray)
Subir Bannerji (Apu)
Uma Das Gupta (Durga)
Chunibala Devi (Indir Thakrun)
Runki Banerji (Durga, niña)
Reba Devi (Seja Thakrun)
Binoy Mukherji (Baidyanath Majumdar)

Sinopsis:
A principios de este siglo, en un pueblo muy pequeño de la región de Bengala, nace un niño en el seno de una familia humilde a quien bautizan con el nombre de Apu. Su padre, un poeta y sacerdote, no gana lo suficiente para mantener a su familia por lo que tiene que viajar a la ciudad, dejando a su mujer al cuidado de Apu, su hermana Durga y la anciana tía Indir.
A pesar de su abundante producción cinematográfica, la India es una misteriosa desconocida en el panorama del cine internacional. Un solo nombre viene a la mente cuando de cine indio se trata: el de Satyajit Ray, creador de la magistral Trilogía de Apu, integrada por Pather Panchali, Aparajito y El Mundo de Apu, tres cintas que convirtieron a este antiguo ilustrador de libros infantiles en uno de los directores más renombrados de la historia.

Poseedor de una enorme humildad, Ray se mantuvo casi siempre ajeno al furor que causaron sus cintas en el circuito de festivales internacionales. Para él, el cine era un medio de expresión que nunca creyó haber dominado por completo y se sorprendía por lo que él consideraba como "una apreciación desmesurada hacia sus imperfectas películas."

Esta actitud, paradójicamente, convirtió a Ray en uno de los directores más alabados por la crítica cinematográfica y su obra pasó a formar parte del selecto grupo de grandes filmes de todos los tiempos.

Pather Panchali refleja esa actitud humilde de su realizador, quien encontró una fuente importante de inspiración en los neorrealistas italianos y particularmente en Jean Renoir, el más naturalista de los directores europeos. Ray visitó a Renoir cuando éste filmó en la India la que quizás fue su mejor película, El Río (1950). A partir de ese encuentro, el deseo de Ray por llevar a la pantalla la obra del escritor Bibhutibhusan Banerji se convirtió en una obsesión que se vio materializada cinco años después.

La inexperiencia y los escasos recursos económicos retrasaron por dos años la producción de Pather Panchali. Trabajando en fines de semana, cuando había dinero, el director logró conjuntar a un grupo de técnicos y artistas que pusieron todo su corazón en este proyecto. El resultado queda a la vista: Pather Panchali es un filme que transpira inocencia y naturalidad en cada una de sus imágenes y que nos hace reconocer en Ray a uno de los más grandes directores de la historia del cine.