VERTIGO / DE ENTRE LOS MUERTOS

Vértigo
Música: Bernard Herrmann (Compositor)
Dirección: Alfred Hitchcock
Fotografía: Robert Burks
Producción: Alfred Hitchcock
Guión: Alec Coppel, Samuel A. Taylor
Reparto: James Stewart (Jhon "Scottie"Ferguson), Kim Novak (Madeleine, Elster/Judy Barton), Barbara Bel Geddes (Marjorie "Midge" Wood), Tom Helmore (Gavin Elster), Henry Jones (Coroner)

RESUMEN

No tuvo una buena acogida durante su estreno, pero después fue laureada como una de las mejores películas de Alfred Hitchcock (y, según Hitchcock, su película más personal). Esta obsesionante adaptación de la novela francesa D'entre les morts crea toda una complicada red de obsesión y engaño. La película comienza cuando Scottie Ferguson (James Stewart), que está a punto de caer de un edificio, ve como en su lugar cae un agente de la policía que intenta ayudarle, y se da cuenta de que sufre de vértigo, un trastorno que se manifiesta en pánico a las alturas. Scottie renuncia a su trabajo como investigador privado, pero es contratado por su viejo amigo de la universidad, Gavin Elster (Tom Helmore) para que se encargue de un caso especial. La esposa de Elster, Madeleine (Kim Novak), ha sido poseída por un espíritu, y Elster quiere que Scottie la vigile. Él acepta no muy convencido y empieza a seguir a la hermosa y enigmática Madeleine por el San Francisco de los años cincuenta (lo acompaña la música hipnótica de Bernard Herrmann). Scottie evita que ella se suicide, y lentamente empieza a enamorarse de ella, sentimiento que ella parece corresponder. Aquí empieza la tragedia, y durante la segunda mitad de la película cada sorpresa nos obliga a poner en tela de juicio a los personajes y eventos que ya dábamos por sentados.

Considerada una de las mejores películas en la historia por la revista especializada Sight and Sound, Vértigo/ De entre los muertos, es un material de gran calidad, por el buen uso de la narrativa audiovisual lograda por el director, las buenas actuaciones de James Stewart, las locaciones sacadas de la misma mente de Hitchcock (gracias a sus bocetos-storyboard) y la minuciosidad con la que están cuidados todos los detalles de esta compleja historia, de manera que nada está ahí por casualidad y todo va relacionado a la perfección con el título que siendo corto tiene gran empuje al lograr una fusión perfecta con el tema.
El guión terminado y la película llevan por todas partes la huella de los más profundos sentimientos personales de Hitchcock... sobre sí mismo, sobre su imagen idealizada de la mujer, sobre las peligrosas fronteras de la fijación emocional, y sobre la muerte, que es la obsesión romántica definitiva.

Una de las características que distinguía a este director, era el hecho de que era muy exigente con las ideas que tenía. Así construía la mayor parte de sus películas visualmente para darle órdenes específicas al escritor de cómo debía hacer cada una de las escenas (pues la mayoría de sus personajes y situaciones los tenía muy bien definidos), cuidando todos los detalles, como el color de los vestuarios, siempre poniendo detalles no gratuitos y encargándose personalmente del storyboard.
Sus películas están cargadas de pistas, situaciones psicológicas complejas y una narrativa enganchadora.
Vértigo / de entre los muertos ha trascendido a lo largo de los años como una pieza invaluable de arte cinematográfico. Recientemente se hizo una restauración que tardo 2 años de trabajo por parte del técnico Robert A. Harris y James C. Katz, dejando la película a la perfección después de su demacración con los años.
Este excelente thriller que habla de Ferguson, un hombre que sufre acrofobia, quien rescata a Madeleine Elster (la esposa de un amigo suyo, Gavin Elster) de un intento de suicidio en la bahía y se enamora de ella; tuvo tres nombres de trabajo: From Among the Dead (traducción literal del título de la novela),Illicit Darkening y Listen Darkling.
La película básicamente es una historia de romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Este tipo de temática es tratada comúnmente en las películas de Hitchcock, y estudios realizados por el paso del tiempo indican que Vértigo es una obra autobiográfica de Hitchcock que explica su relación con Grace Kelly, su amor frustrado y obsesión. El director después de haber trabajado con la actriz en varias películas queda enajenado con ella, pero ella se casa con un príncipe y deja la actuación, acción que hiere a Hitchcock y lo llena de sentimientos y negatividad, los cuales se muestran directamente en escenas de su película Vértigo. Haciendo referencia a hechos de su vida personal, críticos afirman que esta obra cinematográfica es su obra mas personal creada como una herramienta para exorcizar todo su dolor.
Se puede notar como Hitchcock nunca se sale de su línea de trabajo, se mantiene fiel a la fórmula que le funcionó por lo largo de su carrera como director de películas de misterio y aunque en esta ocasión la acentuación temática eran los laberintos psicológicos que brotan de una obsesión, se podría decir que el filme resulta ser Hitchcock en su máxima expresión. Podemos ver que sigue utilizando herramientas como el miedo, el misterio, la transformación de la realidad, los impulsos oscuros del ser humano, logrando crear la atmósfera adecuada para la trama de esta película.
No se puede negar el perfecto uso de la música en la película, la cual agrega el toque necesario de ansiedad, suspenso y miedo psicológico que necesita cada escena, y va progresando conforme la toma progresa.
Se puede decir que Vértigo es un trabajo muy elaborado en donde Hitchcock lleva casi a la perfección cada idea y pule cada detalle de la película nunca dejando un espacio para una elemento mediocre y nos demuestra claramente porqué es una de las mejores películas de la historia, y Hitch uno de los directores favoritos de todos los tiempos.

PATER PANCHALI

Pather Panchali
India (1955)
Duración: 115 min.
Dirección: Satyajit Ray
Producción: Satyajit Ray para The Government of West Bengal
Guión: Satyajit Ray y Bibhuti Bhushan Bandhopadhyay, basado en la novela de Bandhopadhyay
Fotografía: Subatra Mitra
Dirección Artística: Bansi Chandragupta
Música: Ravi Shankar
Sonido: Vupen Ghose
Edición: Dulai Dutta
Reparto:
Kanu Bannerji (Harihar Ray)
Karuna Bannerji (Sarbojaya Ray)
Subir Bannerji (Apu)
Uma Das Gupta (Durga)
Chunibala Devi (Indir Thakrun)
Runki Banerji (Durga, niña)
Reba Devi (Seja Thakrun)
Binoy Mukherji (Baidyanath Majumdar)

Sinopsis:
A principios de este siglo, en un pueblo muy pequeño de la región de Bengala, nace un niño en el seno de una familia humilde a quien bautizan con el nombre de Apu. Su padre, un poeta y sacerdote, no gana lo suficiente para mantener a su familia por lo que tiene que viajar a la ciudad, dejando a su mujer al cuidado de Apu, su hermana Durga y la anciana tía Indir.
A pesar de su abundante producción cinematográfica, la India es una misteriosa desconocida en el panorama del cine internacional. Un solo nombre viene a la mente cuando de cine indio se trata: el de Satyajit Ray, creador de la magistral Trilogía de Apu, integrada por Pather Panchali, Aparajito y El Mundo de Apu, tres cintas que convirtieron a este antiguo ilustrador de libros infantiles en uno de los directores más renombrados de la historia.

Poseedor de una enorme humildad, Ray se mantuvo casi siempre ajeno al furor que causaron sus cintas en el circuito de festivales internacionales. Para él, el cine era un medio de expresión que nunca creyó haber dominado por completo y se sorprendía por lo que él consideraba como "una apreciación desmesurada hacia sus imperfectas películas."

Esta actitud, paradójicamente, convirtió a Ray en uno de los directores más alabados por la crítica cinematográfica y su obra pasó a formar parte del selecto grupo de grandes filmes de todos los tiempos.

Pather Panchali refleja esa actitud humilde de su realizador, quien encontró una fuente importante de inspiración en los neorrealistas italianos y particularmente en Jean Renoir, el más naturalista de los directores europeos. Ray visitó a Renoir cuando éste filmó en la India la que quizás fue su mejor película, El Río (1950). A partir de ese encuentro, el deseo de Ray por llevar a la pantalla la obra del escritor Bibhutibhusan Banerji se convirtió en una obsesión que se vio materializada cinco años después.

La inexperiencia y los escasos recursos económicos retrasaron por dos años la producción de Pather Panchali. Trabajando en fines de semana, cuando había dinero, el director logró conjuntar a un grupo de técnicos y artistas que pusieron todo su corazón en este proyecto. El resultado queda a la vista: Pather Panchali es un filme que transpira inocencia y naturalidad en cada una de sus imágenes y que nos hace reconocer en Ray a uno de los más grandes directores de la historia del cine.

AMANECER

Amanecer (Sunrise) 1927 110 min.
DIRECTOR:F.W. Murnau
GUIÓN:Carl Mayer
MÚSICA:Hugo Riesenfeld
FOTOGRAFÍA:Charles Rosher & Karl Struss (B&W)
REPARTO
George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, Bodil Rosing, J. Farrell MacDonald

1928: 3 Oscar: Mejor calidad artística, Mejor actriz (Janet Gaynor), mejor fotografía / Drama. Romance /

SINOPSIS: Un campesino se enamora de una sofisticada mujer de ciudad que está pasando una temporada en el campo. Su obsesión por ella es tal que descuida sus labores, y la gente comienza a darse cuenta. Pero lo peor vendrá cuando la mujer le pide que se deshaga de su esposa, para poder irse con ella a la ciudad. El hombre decide planear todo para cumplir los planes de su amante.
Obra cumbre del expresionismo con la que el alemán Murnau -recién llegado a Estados Unidos- realizó toda una invasión de talento y dominio técnico en Hollywood. Una calidad artística pionera e insuperable (un genial crítico de cine americano dijo que "Sunrise" despliega más fantasía en sus movimientos de cámara que una semana de MTV) se pone al servicio de la historia de un triángulo amoroso en el que la infidelidad y la redención se disputan el corazón de un hombre que debe elegir entre dos mujeres. Una historia universal. Sublime como melodrama romántico, lo mismo nos sumerge en la intriga de un crimen pasional que muestra retazos de la comicidad propia de la época. Quedaban sólo dos semanas para que se estrenara en Estados Unidos la primera película del cine sonoro -"El cantor de Jazz" (The Jazz Singer)-, pero Murnau firmó con "Sunrise" un testamento del cine mudo que deslumbró (que todavía hoy deslumbra) por su lirismo, belleza y armonía. Por si fuera poco, se llevó el Oscar más importante del año -mejor calidad artística-, pues el de "Mejor Película", en esa primera edición denominado "Producción más sobresaliente", fue concedido por la Academia a "Wings" por ser la película más popular, con mayor éxito. Con premios o sin ellos, "Amanecer" (precioso título) es pura poesía.

"Amanecer es recuperar la vida, el amor, salir del infierno". (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
"Una obra de arte" (Oti Rodríguez Marchante: Diario ABC)

LAWRENCE DE ARABIA

1962
222 min.
DIRECTOR: David Lean
GUIÓN: Robert Bolt, Michael Wilson
MÚSICA: Maurice Jarre
FOTOGRAFÍA: Fred A. Young
REPARTO
Peter O'Toole, Anthony Quinn, Alec Guinness, Jack Hawkins, Omar Sharif, José Ferrer, Anthony Quayle, Claude Rains, Arthur Kennedy
Columbia Pictures (Horizon Pictures Production)
1962: 7 Oscar (película, director, fotografía color, dirección artística color, sonido, banda sonora original, montaje). 11 Nomaciones / Aventuras / SINOPSIS: Biografía de T.E. Lawrence. El Cairo, 1917. Un conflictivo y enigmático oficial británico es enviado al desierto árabe durante la Gran Guerra en la campaña de ayuda a Arabia contra Turquía. En el desierto, se hace amigo de Sherif Ali Ben El Kharish y pone todo su empeño en la ayuda a los árabes. Éstos creen que Lawrence es otro amante del desierto que ayuda porque cree que Arabia es débil, mientras que sus superiores británicos creen que se ha vuelto loco. Cuando los planes de Lawrence consiguen llevarse a cabo con éxito, comienza a ganarse enemigos.

LAWRENCE DE ARABIA es, sin lugar a dudas, una cita ineludible para todos los amantes del cine. Y ahora por fin podemos disfrutarla en nuestras casas en un formato que hace justicia a una de las obras maestras indiscutibles de la historia del cine. Rodada en Super Panavision 70 mm, es la película que mayor rendimiento ha sacado al “Scope” desde que éste hiciera su aparición, con una profundidad de campo tan increíble que llegamos incluso a “sentir” el desierto.
Aunque la película nos relata la vida de T. E. Lawrence, es sin embargo el desierto el que marca el ritmo interno de la misma, desde el personaje de Lawrence, un inadaptado militar que ama el desierto, y es en ese inhóspito lugar en donde se encuentra a sí mismo, el lugar que da sentido a su vida. El director David Lean da a la película un ritmo interno propio de la vida en el desierto, un ritmo lento, cansino, pero a su vez hechizante y apasionante. Todo en la película está marcado por el desierto, incluso en las magníficas secuencias durante la estancia de Lawrence en los cuarteles del Cairo tras tomar Aqaba, el desierto sigue presente a través de las ropas árabes impregnadas de polvo que Lawrence no se llega a quitar. Lean nos ofrece una imagen del desierto dura y cruel, pero a la vez romántica y embriagadora.
Para percibir la categoría artística de Lean es suficiente con ver la primera secuencia en el desierto. Lawrence apaga una cerilla en el cuartel del Cairo, y en una irrepetible elipsis narrativa, tras apagar la cerilla, nos enseña inmediatamente un amanecer en el desierto de una belleza asombrosa, para pasar a enfocarnos la inmensidad y la soledad de los parajes por donde aparecen a lo lejos y detrás de unas dunas, dos camellos llevando a dos personas sobre sus lomos. Están filmados mediante un plano fijo larguísimo que pasa después a un plano corto para presentarnos a los personajes que van sobre los camellos, Lawrence y su guía Bedu. Pero cuando se ponen nuevamente en movimiento, Lean los sigue con planos medios y largos utilizando travellings muy suaves que en combinación con la música de Jarre convierten los pasos de los camellos en perfectos movimientos de ballet sobre unos parajes de ensueño que hacen de ésta, una de las secuencias más bellas filmadas en más de 100 años de cine.La minuciosidad por el detalle, por ofrecernos las sensaciones reales de la vida en el desierto, hacen que esta película tenga una duración de casi 4 horas. Hoy en día sería imposible realizar una película tan larga en la que las secuencias espectaculares y de acción se miden con cuentagotas, y a buen seguro se contaría la historia en apenas dos horas, pero quedándose a años luz de la emoción que nos hace sentir la película de Lean.
El perfecto reparto es una de las claves del éxito de la película, consiguiendo una veracidad en la forma de actuar que nos da una sensación de autenticidad difícil de conseguir.
Peter O´Toole es una magnífica elección para el papel de Lawrence, con un acento genuinamente británico, (O´Toole es irlandés), logra que identifiquemos esa forma de hablar con la del auténtico Lawrence, aunque nunca le hayamos oído. Su interpretación está llena de contrapuntos: ira, tranquilidad, sobriedad, emotividad, intranquilidad, depresión y alegría son algunas de las sensaciones que Lawrence llega a experimentar durante la película, y todas ellas resultan muy creíbles ya que la interpretación de O´Toole muestra una perfecta ambigüedad necesaria para un personaje que nunca llega a saber bien quien es. Parece tener más una multitud de personalidades diferentes, que una identidad clara, moviéndose continuamente a base de impulsos.
Magnífica interpretación igualmente de Omar Sharif, manteniéndose siempre y de manera voluntaria en un segundo plano detrás de O´Toole, sin pisar el protagonismo del personaje principal, pero acompañándole perfectamente, e incluso ensalzando los valores de un Lawrence a quien admira y al que seguiría a cualquier parte.
Aunque no menos impecable es la actuación de Alec Guinness como el Príncipe Feisel, dándole un realismo tan grande a su interpretación, que sino supiéramos que es Guinness apostaríamos a que se trataba de un auténtico Arabe. Su forma de hablar, sus gestos, su parsimoniosa forma de ser, su sentido de la responsabilidad y su dureza mental hacen de él el perfecto príncipe Arabe que requería la película.
Anthony Quinn, sobrio y correcto, no llega sin embargo a la altura de O´Toole, Sharif y Guinness.
La secuencia del espejismo en la que aparece por primera vez Omar Sharif en pantalla atravesando cientos de metros de desierto en camello para defender su pozo de agua, es grande no sólo por la carga dramática que desprende sino también por el perfecto dominio que en ella demuestra Lean para manejar a la perfección el espacio y el tiempo cinematográfico con una carga de tensión creciente que descarga de golpe cuando Omar Sharif le dispara al guía Bedu, ha pasado a la historia del cine como una de las más colosales jamás filmadas.
David Lean no es tan solo un genio de la dirección, sino que es capaz de expresar como muy pocos directores, las motivaciones, los anhelos y los sentimientos de los personajes de sus películas. Ofreciendo siempre unas caracterizaciones magníficas de los personajes.
LAWRENCE DE ARABIA es una obra maestra descomunal que debe figurar en la videoteca de cualquier aficionado al cine.

2001 ODISEA DEL ESPACIO

NOTA: INTENTE E INTENTE ESCRIBIR SOBRE ESTA PELICULA, PERO DEBO RECONOCER QUE ME SUPERÓ, NO PUDE DESCRIBIR FIELMENTE LO QUE ES ESTA GRANDIOSA PELICULA.
EL SIGUIENTE COMENTARIO ES DE TONY JIM Jr.

Es interesante observar el papel de la Luna en 2001. En el año que se estrenó 2001, 1968, tenía lugar la llamada " carrera espacial ", y en ese año se tenía como objetivo llevar un hombre a la luna. Parecía, hasta el momento que la URSS llevaba la delantera ( había lanzado el primer satélite artificial, había puesto el primer hombre en el espacio ,etc. ), y los norteamericanos debían hacer algo espectacular ( como llevar un hombre a la luna ) para resarcirse y superar a los rusos. Pero la cosa no se acababa con llegar primeros a la Luna. Después de haber llegado a la Luna, los norteamericanos tenían " in mente " establecer bases permanentes en ella, ir a Marte, construir ciudades en el espacio.... Pero nada de esto sucedió, como hemos podido comprobar , ya que al llegar a la Luna, parece que la cosa se enfrío, y la " carrera espacia " ya no fue tal carrera, puesto que parecía que los rusos no podían seguir manteniendo el ritmo, seguramente debido a problemas económicos . Pero volvamos al 1968, en ese año aún se tenía confianza en la Luna y en la " conquista del espacio " , como se puede apreciar en 2001 , donde vemos bases lunares, estaciones espaciales, etc. La sociedad norteamericana vivía toda esta situación, deseando llegar a la Luna antes que los rusos ( se tenía previsto alunizar en el 67 o 68 ) , y a todos los hogares norteamericanos llegaban series televisivas que tenían como escenario el espacio, series como por ejemplo Lost in space y Star Trek (1966-1969), que comenzaba con estas palabras : " El espacio la última frontera... " . Los políticos también aprovechaban esta situación , y usaban el espacio como propaganda política ( tanto en la URSS como en los EEUU ). Kennedy hablaba de una " nueva frontera " y prometía llegar a la Luna, mientras que los soviéticos presumían de sus logros en el espacio, ante los americanos y el resto del mundo. En 2001 también se puede observar las relaciones entre la URSS y los EEUU. Estas relaciones son, aparentemente, cordiales . Vemos como el Dr. Floyd charla amistosamente con un grupo de científicos rusos , y da la impresión que es bastante amigo de una de las científicas soviéticas y que se ven habitualmente. Esto podría ser un reflejo de la " coexistencia pacífica " . Aunque vemos que la relación entre los rusos y los norteamericanos no es del todo sincera , y que las tensiones perduran ( aún en el siglo XXI ) . El Dr. Floyd no explica la verdadera razón de su visita a sus " colegas " rusos , y se oculta el hallazgo del monolito. Observando esta relación ( Rusia-EEUU) en las películas actuales, vemos, que por ejemplo en la reciente película The Jackal, los norteamericanos y los rusos cooperan para capturar a un peligroso asesino profesional, y en The Pacemaker, los rusos y los americanos unen sus fuerzas para recuperar una cabeza nuclear robada. Claro está, que estas dos películas son de producción americana, y en ellas los rusos aparecen en un plano inferior , con respecto a los norteamericanos. Tal vez sí 2001 se hubiese rodado en el Hollywood de finales de los 90 ( sin Kubrick, por supuesto ), los norteamericanos seguirían siendo los que encontraran el monolito, pero esta vez consultarían con algunos científicos rusos para desentrañar sus misterios. Por supuesto, por aquel entonces ( años 60 ) los rusos seguían su programa espacial y los norteamericanos el suyo, no como ahora, que ambos colaboran en proyectos espaciales conjuntos. Algunos de estos proyectos espaciales también se llevan a cabo con la colaboración de otros países como Japón, la Unión Europea, etc. Como es el caso de la futura estación espacial Alfa dónde colaboran diversos países, y no sólo americanos y rusos. Y es que a pesar del creciente desarrollo económico y tecnológico que se estaba dando a finales de los 60 en algunos países como China ( recordemos que en 1964 China hace estallar su primera bomba atómica ) y Japón, ni Kubrick ni Clarke se imaginaron a estos países ni a otros, que no fueran ni la URSS ni EEUU , en el espacio. Aunque ya a finales de los 60, el secretario de Estado de los EEUU, Kissinger, parece que era consciente de que el bipolarismo EEUU-URSS estaba dejando su lugar a un mundo multipolar, en el que emergían varios centros de poder ( desde la Comunidad Europea hasta China y Japón ) y trataba de mantener buenas relaciones con todos ellos ( p.e. el presidente Nixon visita China a comienzos de los 70 ). También podríamos hablar de otro tema , que podríamos llamar el de la " conspiración permanente ", tema muy actual que aparece reflejado en películas como la reciente Conspiración ( Conspiration Theory ) y en series de televisión como Expediente-X ( The X-Files ). Esta llamada " conspiración permanente " se basa en la creencia de muchos norteamericanos que no confían en su gobierno , y que opinan que este les miente , que está " conspirando " contra ellos . Esta es una constante en la obra de Kubrick :su poca confianza en las instituciones sociales y políticas , que aparece reflejada en películas como Dr. Strangelove, La chaqueta metálica y 2001, dónde los astronautas de la Discovery no conocen el verdadero objetivo de la misión , y este hecho les cuesta la vida ( al menos a algunos, salvándose solo uno ). Podríamos establecer una comparación con otra película del género , la conocida Alien : el octavo pasajero, donde la tripulación de la Nostromo tampoco conoce su verdadera misión : investigar unas señales alienígenas, y donde sólo se salva uno de ellos: Ripley ( sin contar el gato, claro está ). Es más, si en 2001, es Hal, una máquina, quién oculta la verdad, en Alien, ocurre lo mismo, hay en la tripulación un androide, una máquina, que es el único que conoce el verdadero objetivo de la misión. Tal vez la única diferencia, en este caso, sea que si bien en 2001 los ocultadores de la verdad parecen que sean los dirigente políticos, en Alien lo son los dirigentes de una megacorporación. De todas formas, en ambos casos es el poder quién miente.

Título original: 2001: A Space Odyssey
Nacionalidad: EE.UU.
Año de producción: 1968

ARGUMENTO Un desierto, hace cuatro millones de años. Una mañana, un grupo de monos humanoides descubre la presencia de un extraño monolito negro. Tras la sorpresa inicial, y varias temerosas tentativas, llegan a tocarlo. Como resultado, uno de los monos aprende a utilizar un hueso para matar a su rival, dando irónicamente un paso adelante hacia la inteligencia y la humanidad.
El año 2001, la nave espacial Orion deja al Dr. Floyd, un científico americano, en el hotel Orbiter Hilton, instalado en una estación espacial que sirve de enlace entre la Tierra y la Luna. Tras una reunión con otros colegas, donde se revela su misión de investigar ciertos fenómenos observados en la Luna, continúa su viaje hacia el satélite. En la base lunar Clavius se halla otra vez el monolito negro, que al recibir el primer contacto humano, emite un silbido agudísimo, dirigido hacia el planeta Júpiter.
Dieciocho meses más tarde, la nave espacial Discovery viaja a Júpiter, a más de medio billón de kilómetros de la Tierra. La pilota un ordenador casi humano, HAL 9000, con cinco cosmonautas a bordo: David Bowman, Frank Poole y tres compañeros en estado de hibernación. Al cometer HAL un error, mata a los tres hombres hibernados para disimularlo. Cuando Bowman y Poole se le enfrentan para controlar la situación, el computador elimina a Poole, pero es desactivado por Bowman.
Ya próximo a Júpiter, Bowman abandona la Discovery en una cápsula y sigue al monolito negro, que flota en el espacio, y cruza vertiginosamente la "Puerta de las Estrellas" entre una vorágine de luces, formas y sonidos. Aislado en una extraña habitación rococó, vive, envejece y muere velozmente, para renacer bajo la forma de un bebé estelar, que regresa a la Tierra.

INTERPRETES
Keir Dullea: Dave BowmanGary Lockwood: Frank PooleWilliam Sylvester: Dr. Heywood FloydDaniel Richter: Un mono (Moonwatcher)Leonard Rossiter: Smyslov, científico rusoMargaret Tyzack: Científica rusaRobert Beatty: HalvorsenSean Sullivan: MichaelsDouglas Rain: Voz de HAL 9000
Con: Frank Miller, Gleen Beck, Edwina Caroll, Bill Weston, Alan Gifford, Penny Brahms, Mike Lovell, Edward Bishop, Ann Gillis, Heather Downham, John Ashley, Jimmy Bell, David Charkham, Simon Davis, Jonathan Daw, Peter Delmar, Terry Duggan, David Fleetwood, Danny Grover, Brian Hawley, David Hines, Tony Jackson, John Jordan, Scott Mackee, Laurence Marchant, Darryl Paes, Joe Refalo, Andy Wallace, Bob Wilyman, Richard Wood

DOCE MONOS

DOCE MONOS - Twelve Monkeys 1995
Ciencia-Ficción 129 min.

Director: Terry Gilliam

Bruce Willis como James Cole

Madeleine Stowe como Dra Kathryn Railly

Brad Pitt como Jeffrey Goines

Christopher Plummer como Dr Leland Goines

Jon Seda como José

"Doce Monos" termina de consolidar la filmografía de un director mas que interesante como es Terry Gillian. Nacido al amparo de los "Monthy Pyton" este director siempre se ha caracterizado por contar historias que se apartan, aunque sea levemente, de lo establecido por Holywood. Lo que sobresale particularmente es la manera en que las películas están narradas, generalmente de manera "desordenada" y en donde nada es lo que pareciera ser, en el caso de "Doce Monos" este recurso narrativo está llevado a su máxima expresión, desencadenando en un final donde todos los cabos se atan y toda la historia cierra. En este terreno Gillian se mueve a sus anchas y en ningún momento pierde el horizonte de hacia donde va la historia. Las actuaciones merecen un comentario aparte. Bruce Willis hace rato que se ha convertido en un buen actor, versatil para todo tipo de papel y ello le ha valido escapar del encasillamiento de actor de acción y Brad Pitt sorprende con su interpretación en esta película haciendo de un paranoíco, pero lo que mas sorprende es como lograron el efecto del ojo desviado porque me parece que no es una lente de contacto sino que son los mismos ojos del actor. En resumen Doce Monos es una película imperdible por donde se la mire.

RESUMEN: Estamos en el año 2035. Tras el azote de un virus asesino que asola la Tierra, los supervivientes se refugian en comunidades subterráneas, húmedas y frías. James Cole(Bruce Willis) se ofrece como voluntario para viajar al pasado y conseguir una muestra del virus, gracias a la cual los científicos podrás elaborar un remedio. Durante el viaje conoce a una bella psiquiatra y a un excepcional enfermo mental. Cole tratará de encontrar al Ejército de los 12 Monos, un grupo radical vinculado a la mortal enfermedad.

DATO: Terry Gillian en los nombres de los personajes se inspiro en la pelicula Vertigo como homenaje a A. Hitshcook, en Vertigo el personaje del actor James Stewart se enamora del personaje llamado Madeleine, y en 12 monos la actriz Madeleine Stowe se enamora del personaje llamado James.

CIUDADANO KANE

TÍTULO:CIUDADANO KANE
PAÍS : USA
AÑO:1941
GÉNERO: DRAMA
DURACIÓN: 117 MIN
DIRECTOR:ORSON WELLES

ARGUMENTO:
-Charles F. Kane, multimillonario y magnate de la prensa, en plena decadencia personal muere, sus últimas palabras son "Rosebud". A un periodista le mandan que descubra el misterio de esa última palabra, que es lo que se le pasó por la cabeza antes de morir a un hombre que en vida lo ha tenido todo. El periodista investigará entrevistando a algunas de las personas más importantes de su vida, como su secretario personal, su ex mejor amigo y su ex mujer. Cada uno dará su visión del fallecido y de su compleja personalidad.
‘Ciudadano Kane’ mantiene su primer puesto como la mejor película de la historia del cine
Los años no pasan para ‘Ciudadano Kane’, la obra maestra de Orson Welles que una vez más se mantiene a la cabeza de la lista de las mejores películas de la historia del cine.
Así lo atestiguado el Instituto de Cine Americano por segunda vez en esta década en su especial de televisión de tres horas, donde insiste en el poderoso recuerdo y maestría de ese filme habitualmente resumido en una palabra: ‘Rosebud’.


Joseph Cotten
Jedediah Leland

Dorothy Comingore
Susan Alexander Kane

Agnes Moorehead
Mary Kane

Ruth Warrick
Emily Monroe Norton Kane

Ray Collins
James W. Gettys

Erskine Sanford
Herbert Carter

Everett Sloane
Mr. Bernstein