EL HALCON MALTES

TITULO ORIGINAL: The Maltesse Falcon
Año: 1941
País: EE.UU.
Dirección: John Huston
Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet, Ward Bond, Gladys George.
Guión: John Huston, basado en la novela de Dashiell Hammet
Música: Adolph Deutsch
Fotografía: Arthur Edeson
Duración: 100 min.
Género: Cine negro

SINOPSIS

En 1593, los Caballeros de la Orden de Malta decidieron obsequiar al Emperador Carlos V con la estatuilla de un halcón, realizada en oro macizo con incrustaciones de piedras preciosas, en agradecimiento a ciertas prerrogativas concedidas por el monarca. Sin embargo, esta maravillosa joya no llegó nunca a manos de Carlos V, ya que la galera en la que era trasportada fue asaltada por unos piratas. Cuatrocientos años después, el detective privado Sam Spade y su socio, Archer, aceptan el encargo de una muchacha que quiere averiguar dónde se encuentra su hermana, que ha desaparecido junto a Floyd Thursby, un hombre sin escrúpulos.

COMENTARIO

El Halcón Maltés se basa en la obra de Dashiell Hammet que narra una complicada trama criminal en la que se ve envuelto Sam Spade (Bogart), en pos de una figura de un halcón procedente de época templaria y que una banda mafiosa pretende conseguir a toda costa.El filme supone la primera incursión como director del jovencísimo guionista John Huston, hijo del actor Walter Huston, y que también fue el autor del guión. Consigue en su primera incursión en la realización una auténtica obra maestra que se ha convertido con el paso de los años en un filme de culto para todos los cinéfilos.En 1941 le ofrecen a John Huston dirigir su primer título y éste se decantó por una obra de un autor de su gusto, Dashiel Hammet, al que consideraba injustamente tratado por el cine. Huston escribió un guión que respetaba al cien por cien el texto original.El papel protagonista estaba claro para Humphrey Bogart, aunque la productora se lo quiso ofrecer en un principio a George Raft, a lo que Huston se negó en redondo. El resto del reparto lo componían Mary Astor, Peter Lorre y al actor británico Sydeney Greenstreet. Todos los encuadres del rodaje estaban dibujados de antemano y no se cambió ni una frase del guión original.El buen cálculo del director hizo que el rodaje avanzase sobre ruedas y que, incluso, concluyese antes de lo previsto, con el consiguiente ahorro económico, que ascendió a cincuenta y cuatro mil dólares, y la alegría de los estudios. Las escenas se rodaron siguiendo el orden cronológico del guión.La anécdota surgió cuando Bogart debía besar a Mary Astor. El bueno de Bogie nunca había besado a una actriz, puesto que siempre había hecho de malo malísimo, y John Huston hubo de animarle constantemente, pese a lo que hubo de repetirse la toma hasta siete veces. Fue el debut de Bogart como héroe romántico. Años más tarde Mary Astor declararía: "Bogie no necesitaba besar a la chica. Ni siquiera tenía que tocarla. Bastaba con ver como la miraba".Con El Halcón Maltés se siguió la costumbre hollywoodiense de hacer un pase previo para observar la opinión de la gente. Si algo no gustaba se cambiaban escenas e, incluso, el final. El pase previo de la película tuvo lugar en un cine de Pasadena. El éxito del pase fue tal que no hubo que cambiar nada de la película ante la alegría de Jack Warner y Hal B. Wallis, que inusualmente estuvieron presentes.El Halcón Maltés supone el primer filme en la historia en el cual se puso el nombre de los dos protagonistas, Humphrey Bogart y Mary Astor, en letras del mismo tamaño en el título del filme y a la misma altura, compartiendo, de este modo, cabeza de cartel.El Halcón Maltés se estrenó en el mes de octubre y la reacción de la prensa fue unánime, al valorar la calidad de la cinta, a pesar de que la Warner no le había dado la publicidad que merecía.

EL ULTIMO REY DE ESCOCIA

TITULO ORIGINAL: The last king of Scotland
Dirección: Kevin Macdonald.

País: Reino Unido.

Año: 2006.Duración: 121 min.

Género: Drama, thriller.

Interpretación: Forest Whitaker (Idi Amin), James McAvoy (Nicholas Garrigan), Kerry Washington (Kay Amín), Simon McBurney (Stone), Gillian Anderson (Sarah Merrit).

Guión: Peter Morgan y Jeremy Brock; basado en la novela de Giles Foden.

Producción: Andrea Calderwood, Lisa Bryer y Charles Steel.

Música: Alex Heffes.

Fotografía: Anthony Dod Mantle.

Montaje: Justine Wright.

Diseño de producción: Michael Carlin.

Vestuario: Michael O'Connor.

SINOPSIS
Por una increíble pirueta del destino, un médico escocés (James McAvoy) destacado en misión médica en Uganda queda irreversiblemente enredado con uno de los personajes más bárbaros del mundo: Idi Amin (Forest Whitaker). Impresionado por la descarada actitud del doctor Garrigan en un momento de crisis, el recientemente autonombrado presidente de Uganda, Amin, le elige como médico personal y como su confidente más íntimo. Aunque Garrigan se siente al principio halagado y fascinado por su nuevo puesto, no tardan en abrírsele los ojos al salvajismo de Amin y a su propia complicidad en él. El horror y la traición persiguen a Garrigan cuando intenta enmendar sus errores y huir con vida de Uganda.

COMENTARIO
La película tiene el acierto de no presentar la historia desde el punto de vista del dictador, como tradicionalmente se ha hecho frente a personajes de este tipo.
Nos encontramos más bien ante un relato ficticio pero efectivo: un jóven escocés, Nicholas Garricgan, educado en un entorno represivo y recién graduado como médico, decide emprender una aventura lo más intensa posible, yéndose a trabajar lo más lejos posible de su familia.
Así, por azar, Garrigan llega a Uganda inmediatamente después del golpe de Estado de Idi Amin Dada y queda fascinado por el personaje, quien, por casualidades que no comentaré para que vean la cinta, termina convirtiéndose en el médico personal del dictador y en uno de los hombres de su mayor confianza.
Pero, poco a poco, se irá dando un aprendizaje moral en el médico, quien poco a poco irá percátandose de las atrocidades que ocurren a su alrededor. Se presentará así un cambio en el personaje, quien irá dejando poco a poco la frivolidad con la que vivía para pasar a sentir miedo y terror por el personaje que lo trataba como a un hijo.
El personaje de Nicholas Garrigan nos presenta a todos aquellos que, fascinados por un líder carísmático (y en el caso de Amin, también psicópata), aplauden a rabiar a los dictadores y desconocen (o fingen desconocer) las atrocidades que cometen estos regímenes. El desconcierto y la decepción posterior solo se presentan cuando un hecho les toca directamente. Como en el poema célebre de Brecht, la represión no importa hasta que no le toque que lo lleven a uno.
Amin, interpretado por el nominado al Oscar Forrest Whitaker (aunque extraña que James McAvoy, quien hace del médico, no haya sido nominado), es un personaje que ejerce su fascinación en la sombra. Recién en los últimos minutos de película nos enfrentamos a la cara más cruel del tirano. Al inicio, se nos presenta como un político consumado, que hará cosas con su pueblo y que no duda en bailar en los mítines. Pero, poco a poco, la soledad del dictador, sus paranoias y su crueldad iran aflorando.

EL VERDADERO IDI AMIN
Nació en 1925 en la localidad de Kokobo. Su infancia la pasó junto a sus padres, dedicados a la agricultura, pertenecientes a la etnia Kawka y de religión musulmana.
Cuando el país aún era una colonia británica, ingresó a la carrera militar en 1943 como parte de la guardia del rey de Uganda. En la década de 1960 realizó estudios militares en Inglaterra e Israel, e intervino como parte del ejército inglés para sofocar la rebelión en Kenia.
De regreso a su país, continuó su carrera militar, siendo considerado como un general leal al entonces presidente Milton Obote. Llegó a ser nombrado como general de división y jefe de las Fuerzas Armadas en 1968.
Los escándalos de corrupción y el paulatino alejamiento en política exterior del Reino Unido, hizo que Inglaterra apoyara un golpe de Estado contra Obote en 1971, que sería encabezado por Amin. Israel también apoyó a este gobierno de facto.
En el ámbito internacional, luego de tener el apoyo inicial de ingleses e israelíes, viró de política, para comenzar a apoyar las causas del mundo árabe, en particular la cruzada antioccidental de Libia y la creación de un Estado Palestino.
Cuando Amin expropió propiedades del Reino Unido en Uganda y amenazó con expulsar a los británicos que quedaban en el país, las relaciones entre el ex imperio y la ex colonia terminaron de romperse.
Amin implantó un régimen de terror en su país. Si bien en un principio tuvo apoyo popular frente a la represión y corrupción de su antecesor, se ensañó con sus opositores, cometiendo masivas violaciones a los derechos humanos como desapariciones forzadas, ejecuciones extrajudiciales y torturas, muchas de las cuales se cometieron con gran crueldad. Se calcula en 300,000 el número de ugandeses que murieron a causa de la política de represión de la dictadura.
Asimismo, en 1972, expulsó a 80,000 personas procedentes de la India, muchas de las cuales eran grandes propietarias de bienes en Uganda y sostenían la economía de este país.
El declive de Amin se produjo cuando intentó anexar parte del vecino país de Tanzania. El presidente de ese país, Julius Nyerere, se unió a los opositores a la dictadura dentro de Uganda y se consiguió el derrocamiento del régimen en 1979.
Amin nunca fue procesado por los crímenes que cometió. Se refugió en Arabia Saudita y permaneció allí hasta su muerte en 2003.

LO QUE EL VIENTO SE LLEVO

TITULO ORIGINAL: Gone With the Wind
AÑO: 1939
DURACIÓN: 222 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Victor Fleming
GUIÓN: Sidney Howard (Novela: Margaret Mitchell)
MÚSICA: Max Steiner
FOTOGRAFÍA: Ernest Haller & Ray Rennahan
REPARTO: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Butterfly McQueen, Ona Munson, Ann Rutherford, Evelyn Keyes
PRODUCTORA: David O. Selznick Production / MGM

SINOPSIS

Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara vive Scarlett O'Hara, la más bella, caprichosa y egoísta joven de la región. Ella suspira por el amor de Ashley, pero él está enamorado y prometido con su prima, la dulce y buena Melanie. Corren todavía tiempos felices en Tara, pero por poco tiempo, la Guerra de Secesión está a punto de estallar. En la última fiesta acontecida antes del comienzo de las hostilidades entre el norte y el sur, Scarlett conoce al simpático y apuesto Rhett Butler, un arrogante y aventurero vividor, que sólo piensa en si mismo y que no tiene ninguna intención de participar en el conflicto. Lo que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett.

COMENTARIO
Adaptación monumental de la popularísima novela, auténtico best-seller, de Margaret Mitchell. El productor David O. Selznick, auténtico autor del film, puso todos los medios para lograr una gran epopeya, cruzada por los amores y pasiones intensas de sus protagonistas. Ante él desfilaron directores como George Cukor, Victor Fleming y Sam Wood, con los que mantuvo diferencias: sería Fleming, que acababa de entregar El mago de Oz, el que dirigiría la mayor parte del metraje.
Entre las grandiosas escenas, rodadas en el alba de un maravilloso technicolor, destacaba el incendio de Atlanta, y el campo después de la batalla, con un precioso plano que empezaba mostrando a decenas de miles de figurantes, combatientes sureños tocados por la derrota, para terminar mostrando la bandera de un Sur condenado a dejar de existir tal y como es en esos momentos.
El papel más codiciado del film, por supuesto, era el de Scarlet. Pese a candidaturas con la fuerza de Katharine Hepburn, Paulette Goddard y Jean Arthur, Laurence Olivier y Vivien Leigh lograron poner a Myron Selznick de su parte. De hecho acudieron un día con ella al rodaje (se habían empezado ya a rodar planos del incendio de Atlanta), y Myron, con una sonrisa de oreja a oreja, se acercó a David Selznick y George Cukor, y les dijo señalando a Vivien Leigh: "Les presento a Scarlet O'Hara".

Diez Oscar, incluidos mejor película y director, obtuvo este film legendario. Y durante muchos años ostentó el título de "más taquillero de los tiempos", y si se aplican correcciones inflacionarias, puede que hoy en día todavía lo siga siendo. La película se reestrenaba periódicamente en salas de todo el mundo y su primer pase en televisión fue todo un acontecimiento. Incluso, con el pasar de los años, una tal Alexander Ripley se atrevió a perpetrar un libro, continuación del de Mitchell. Pero a pesar de los esfuerzos realizados, no resistía la comparación con el original. Como tampoco lo hizo la miniserie televisiva que inspiró.
Antes de que Halle Berry llorara a moco tendido por el Oscar a la mejor actriz gracias a Monster's Ball (2001), una actriz morena y regordeta que respondía al nombre de Hattie McDaniel ganaba la estatuilla en la categoría de mejor actriz secundaria. Era el año 1940 y aún tenía que llover mucho para que los derechos civiles de los negros dieran un paso de gigante en los Estados Unidos. Pero el gran trabajo de esta actriz, con sus sabios consejos y reproches a la señorita Scarlet, fue una señal de aviso. Las cosas para la gente de color tenían que cambiar ya.
El film combina escenas espectaculares (que suelen interesar más a los hombres) con la relación de amor-odio entre Scarlet y Rhett (parte favorita de las damas). Destaca en el primer apartado el incendio de Atlanta, y el campo tras la batalla, con un plano que empieza mostrando a miles de figurantes, combatientes sureños tocados por la derrota, para terminar en la bandera de un Sur condenado a desaparecer. La dificultad de los personajes para confesar sus sentimientos es el palto fuerte del otro elemento apuntado. Pasajes como el de Scarlet con el brazo levantado y el puño cerrado, diciendo "Pongo a Dios por testigo de que no volveré a pasar hambre", impresionan.

MEMENTO

Dirección: Christopher Nolan.

País: USA.

Año: 2000.

Duración: 116 min.

Interpretación: Guy Pearce (Leonard Shelby), Carrie-Anne Moss (Natalie), Joe Pantoliano (Teddy), Mark Boone Junior (Burt), Russ Fega (camarero), Stephen Tobolowsky (Sammy), Harriet Samson Harris (sra. Jankis), Larry Holden (Jimmy Grantz).

Guión: Christopher Nolan; basado en una historia de Jonathan Nolan

Producción: Jennifer Todd y Suzanne Todd.

Música: David Julyan.

Fotografía B/N y Color: Wally Pfister.

Montaje: Dody Dorn.

Diseño de producción: Patti Podesta.

Vestuario: Cindy Evans.

Decorados: Danielle Berman

SINOPSIS
Leonard (Guy Pearce) sufre una extraña deficiencia de la memoria que le hace olvidar lo ocurrido hace escasos momentos a la vez que recuerda perfectamente toda su vida anterior a la violación y asesinato de su mujer, acto a cuya venganza dedica toda su existencia. Sin embargo, su peculiar amnesia provoca que su investigación se desarrolle ardua y extrañamente, intentando reconstruir a cada paso su propia evolución. Fotos y tatuajes en su cuerpo son la guía que le mantienen en el camino.

COMENTARIO

La pelicula, "Memento", es algo compleja de contar, de explicar. Yo, cuando cuento un argumento, procuro contar detalladamente los primeros 15 o 20 minutos, y apenas decir nada mas del resto, por aquello de no quitar el misterio a la pelicula. Pero en este caso, contar el principio es, en realidad, contar el final. Eso si, el final de los hechos, si miran desde un punto de vista cronológico, que no de la pelicula.
Muchas son las peliculas que empiezan con el final, un final que en principio no dice nada, pero luego, cuando se nos envia cierto tiempo atras en el tiempo, y empezamos a saber todo lo ocurrido antes de ese final, pues entonces comprendemos. Y asi pense que sucedería con este titulo, puesto que es de esos que empiezan contandote directamente el final, aunque me equivoqué, no es exactamente asi. Tambien esta la variante de comenzar una pelicula por un fragmento intermedio de la misma, te cuentan algo normalmente de cierto impacto, y luego, a la hora o asi de pelicula, llegamos a ese punto, ya sabiendo lo ocurrido antes, y deseosos de conocer que pasaría despues. Pues esta "Memento", tampoco es de esas. Para aclarlo mejor, "Memento" empieza con el final, pero no el final de la pelicula, al que volvemos a llegar, sino al final de los hechos que se nos cuentan. Y ya esta, despues no hay ningun flashback a un momento anterior en el tiempo que terminara por llevarnos de nuevo a ese punto con el que se inició el film, para terminar ahí comprendiendo, o seguir con algo mas que cambie ese final. No, en esta pelicula, empezamos con el ultimo de los hechos que se dan, y luego, se nos ira narrando la pelicula en sentido inverso al habitual, del final de los hechos, hasta el primero que lo provoca.
Si, suena raro, pero es asi. Se nos cuentan los ultimos 5 minutos aproximadamente. Luego, de repente, y a pesar de haber visto morir a un hombre en esos 5 minutos, nos vamos al punto en el que asesino y asesinado se encuentran. Despues iremos a otro fragmento de 10 o 15 minutos de pelicula en el que pasara otra cosa anterior a la narrada, y asi, hasta llegar al primer momento, el primer hecho que provocaría el asesinato en cuestión. Todo esto, eso si, muy bien contado y dirigido, algo que es de agradecer por la posible complejidad que pudiera suponer un argumento como este para el espectador. No intentes ver esta pelicula con algo de sueño, porque puedes no pillar alguna cosa.Claro esta que hay una razon para contar la historia de esta extraña forma. Una razón que a su vez es el detalle mas importante del argumento de la pelicula, y no es mas que la extraña "enfermedad" que padece el protagonista, Leonard Shelby (Guy Pearce). Shelby era o fue un investigador en una empresa de seguros relacionada con autos y accidentes de trafico. Una noche, mientras duerme con su mujer, alguien entra en su casa, violando y asesinando a su mujer, y dando un tremendo golpe en la cabeza al propio Shelby. Desde ese momento, y provocado por el golpe, Shelby adquiere un extraño tipo de amnesia. No es amnesia exactamente, puesto que recuerda absolutamente todo de su vida hasta el momento del incidente. Sabe su nombre, su procedencia, cual fue su trabajo. Su ultimo recuerdo, es el de su mujer moribunda en el suelo de su baño, y desde ese punto, Shelby no puede volver a crear recuerdos. Solo tiene una memoria reciente, es incapaz de recordar donde estubo el dia anterior, donde estubo 15 minutos atras, una conversación, incluso, a mitad de la conversaión olvida el inicio de la misma.

Además, algo curioso (que la enfermedad ya lo es), es el hecho de que en uno de sus casos como investigador para su empresa de seguros, se le asigno un accidente de coche tras el cual el conductor contrajo la misma enfermedad. El seguro se libró del importante pago que debería haber hecho, gracias a la labor de Shelby, que logró demostrar que el problema era psicológico y no fisico. Hubo un malentendido entre Shelby y la mujer del hombre con el problema, el del accidente, y esta creyó entender que la extraña amnesia era fingida. Lo quiso comprobar por si misma, con tristes resultados que ya vereis si veis la pelicula. Esta historia del Shelby pre-accidente es narrada a intervalos, entre cada pequeño flashback en la historia principal, y perfectamente distinguible por la estetica de esas escenas, y por el hecho de que esta historia secundaria es narrada en blanco y negro, por el propio Shelby.
El caso, siguiendo con la historia principal, es que Shelby decide vengar a su mujer. Desde el momento del incidente, se entrega en cuerpo y alma a la busqueda del violador y asesino de su difunta esposa. Para ello, se organiza la vida a traves de fotos y notas. Para recordar cual es su coche, lleva una foto encima constantemente. Ademas, en su habitacion tiene un gran mapa en el que marca donde tiene el coche aparcado, donde esta su habitación, etc. Todo lo hace a traves de notas (incluso notas para recordarse que se debe afeitar cada mañana, y donde esta cada cosa para su afeitado y aseo en general). Hace fotos de las personas que va conociando, anotando el nombre y en algunos casos, alguna breve descripcion de la persona (para recordarse a si mismo constantemente si confiar o no en ciertas personas). Porque ese es su principal problema, muchos de los que conocen su problema, tratan de aprovecharse de el, haciendole hacer cosas que no desea, enganñandole con notas falsas (de las que aprende a no confiar, solo hace caso a las notas con su letra). Tambien le esconden todos los lapices y boligrafos en momentos puntuales para que no pueda anotar algo importante sobre alguna persona concreta, en la que no debe confiar en absoluto, aunque al no ser anotado, en 10 minutos volverá a confiar olvidando esa desconfianza.....suena todo raro, verdad?Siguiendo con las notas, me gustaria comentar algo que se ve con observar la portada de la pelicula, y es que las notas mas importantes, aquellas que desea recordar constantemente, y de por vida, no las escribe en fotos o en papel, las lleva tatuadas en el cuerpo. Estos tatuajes hacen referencia, todos, a la violacion y asesinato de su mujer, y especialmente al violador asesino, al que busca.
Durante la pelicula habran ciertos detalles raros, otros que parecen no tener explicación, incluso algunos que parecen no tener imporatancia alguna, pero a medida que los flashbacks nos vayan acercando a los primeros hechos, todo cuadradará a la perfección, y aunque te digan lo contrario, todo sera muy claro y comprensible. El director de este titulo es el casi novato Christopher Nolan, que luego dirigió "Imsomnia". En esta ultima, era director, aunque en "Memento" se encargo del guión ( o mas bien, la adaptacion de la novela al guion de cine). La dirección me parece muy buena, no tanto por usar tecnicas especialmente atractivas o interesantes, sino por conseguir contar claramente una historia quizas no muy facil de contar.
En cuanto a los actores, tenemos como protagonista Guy Pearce, que ha intervenido en bastantes titulos titulos como "L.A. Confidential" en el 97, "Reglas de compromiso" en el 2000, "Ravenous" en el 99 o "La maquina del tiempo" en el 2002. En esta pelicula, "Memento" hace una buena y compleja interpretación.Tambien tenemos a una de las protagonistas de Matrix, Carrie-Anne Moss, que hace tambien un buen papel, y por ultimo, dentro de los principales, encontramos a Joe Pantoliano, uno de esos que lleva a sus espaldas muchisimos años de trabajo y mas peliculas aun, por no mencionar las multiples series de television asi como telefilmes en los que ha intervenido...aunque es uno de esos que nunca será una estrella.
Una pelicula que sin duda recomiendo, por su argumento, muy interesante, y sobre todo por lo novedoso de su narracion, una historia contada de fin a principio. Y como yo, seguro que muchos criticos de cine la recomiendan, puesto que muchos son los premios recibidos por esta pelicula en distintos festivales (entre ellos, director y guionistas, se reparten muchos de estos premios). Una de esas que debes ver....

CITAS
"Tengo esta condición..." Leonard
"Puedo decirte lo que quiera y tu ni siquiera recordarás" Natalie
"Concéntrate, concéntrate, concéntrate..." ("Keep focus, keep focus, write it down, write it down, write it down, keep it in mind, keep it in mind....") Leonard
"Hechos, no recuerdos." Leonard
"Los recuerdos desvirtúan. Son una interpretación, no un registro. Y no importan si tienes los hechos." Leonard
"Siempre he pensado que la gracia de leer un libro reside en no conocer el final." Leonard Shelby
"No me acuerdo de olvidarte." Leonard
"Tengo que creer en un mundo fuera de mi propia mente. Tengo que creer que mis acciones todavía tienen significando... aún cuando yo no puedo recordarlas. Tengo que creer que cuando mis ojos están cerrados, el mundo todavía continúa allí." Leonard
"Al menos puedo seguir contándote siempre los mismos chistes." John Edward 'Teddy' Gammell
"Todos necesitamos espejos para recordarnos a nosotros mismos quienes somos. Yo no soy diferente." Leonard
"Los hechos y no los recuerdos. Así es como se investiga. Lo sé, y es lo que hacía." Leonard
"Probablemente haya quemado montones de tus cosas antes. No recuerdo haberte olvidado."Leonard
"¿Cómo se supone que sanaré si no puedo... sentir el tiempo?" Leonard
"Todos necesitamos los recuerdos para saber quien somos." Leonard
- ¿Qué es lo último que recuerdas?
- A mi mujer...
- Qué tierno.
- ...agonizando. Conversación entre Leonard y Natalie
"Tú no buscas la verdad. Tú fabricas tu propia verdad." Teddy
"Y ahora, ¿qué estoy haciendo? Ah, persigo a ese tipo." - (El hombre al que Leonard persigue le dispara)
"No, él es quien me persigue." Leonard, (corriendo por un parking de caravanas)
"Te mientes a ti mismo para ser feliz - no hay nada de malo en ello, todos lo hacemos." Teddy
"Los recuerdos son impresiones, no registros." Leonard

REBECCA

TITULO ORIGINAL: Rebecca
AÑO: 1940
DURACIÓN: 130 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Robert E. Sherwood & Joan Harrison (Novela: Daphne du Maurier)
MÚSICA: Franz Waxman
FOTOGRAFÍA: George Barnes (B&N)
REPARTO: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Gladys Cooper
PRODUCTORA: David O. Selznick Production / United Artists
GÉNERO Y CRÍTICA: 2 Oscar: mejor película, fotografía / Intriga /

SINOPSIS

Al poco tiempo de perder a su esposa Rebeca, el aristócrata inglés Maxim De Winter conoce en Montecarlo a una joven humilde, dama de compañía de una señora americana. Poco después, De Winter y la joven se casan, y ambos van a la mansión inglesa de Manderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la señora Winter se da cuenta de que no puede borrar en su marido el recuerdo de su difunta esposa.

COMENTARIO

Rebeca es una película muy reconocida del maestro del cine Alfred Hitchcock que, desde mi punto de vista, está sobredimensionada.El film se divide en tres partes bien diferenciadas. La primera, de una media hora de duración, es el encuentro entre la pareja protagonista. Con un cierto tono cómico, tranquilo y sosegado y escaso interés, Hitchcock nos muestra los dos mundos de los protagonistas, la riqueza de uno y la pobreza de la otra. La segunda parte, se desarrolla dentro de la casa de Manderlay, en la que Joan Fontaine se ve sometida a un auténtico tormento. Su vida se hace imposible de manera progresiva, vive en una angustia muy difícil de soportar. Esto, en un principio, resulta ser un tema realmente muy interesante, ver cómo una persona no puede vivir tranquila en su propia hogar, siendo acosada por los visitantes y por todos los que viven en ella. Pero... Hitchcock narra la historia con el freno de mano echado. Un ritmo lento y cansino, con situaciones que realmente ni dan miedo, ni dan suspense, ni misterio. Unos diálogos realmente vacíos, sin una trama de por medio, sólo ver cómo una persona la van destruyendo poco a poco, sin el sentido del humor del director británico, sin crear angustia, ni tensión... en fin, un sopor en muchos aspectos que consigue aburrir de manera considerable.La tercera sin dudas es la mejor de todas. Se empiezan a revelar los secretos que esconden los protagonistas, se crea una buena trama de misterio, diálogos rápidos, ágiles e interesantes, hasta llegar a un notable final para nada predecible. Alfred salva los muebles por los pelos, pero muy por los pelos.En cuanto a las actuaciones, un gran Lawrence Olivier, con estilo, seco y parco en palabras, un tipo frío que no muestra sus sentimientos hasta el final. Joan Fontaine un poco perdida, una chica sin pasado alguno y sin nombre, que deambula por la pantalla. No consigue que el espectador empatice con su sufrimiento, no consigue dar lástima. La mejor sin duda, Judith Anderson. Inconmensurable. Una mujer que da miedo, que acosa a Joan, que es impertinente, fría, cruda, con sentimientos casi necrófilos por Rebeca... Su sola presencia, con esa gélida mirada autoritaria, consigue crear gran angustia.En definitiva, la cinta más impersonal de Hitchcock es la única que ha ganado el Oscar a la mejor película. Los académicos de Hollywood nunca entendieron a Hitchcock, y yo nunca entenderé al Hitchcock de esta película.

COFFEE AND CIGARRETES

Dirección y guión: Jim Jarmusch.

País: USA.

Año: 2003.

Duración: 96 min.

Género: Comedia

Reparto: Roberto Benigni, Steven Wright, Joie Lee, Cinqué Lee, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, Joe Rigand, Vinny Vella, Vinny Vella Jr., Renée French, E.J. Rodriguez, Alex Descas, Cate Blanchett, Bill Murray, Jack White, Meg White, Steve Coogan, Alfred Molina, Bill Rice, Taylor Mead.

Producción: Joana Vicente y Jason Kliot.

Fotografía: Frederick Elmes, Ellen Kuras, Tobby Müller y Tom Jarmusch.

Montaje: Jay Rabinowitz, Terry Katz, Melody London y Tom DiCillo.

Diseño de producción: Mark Friedberg, Dan Bishop y Tom Jarmusch.

Dirección artística: Laura Chariton y Tom Jarmusch.

SINOPSIS
"Coffee and cigarettes" es una serie de pequeñas historias estructuradas como una película o viceversa. Cada una de ellas reúne a varios personajes sentados alrededor de una mesa tomando ca-fé, fumando cigarrillos y discutiendo de temas tan diversos como los polos de cafeína, Abbott y Costello, las teorías sobre la conspiración contra Elvis, la correcta preparación del té inglés, los inventos de Nikola Tesla, la ficticia banda de rock SQÜRL, París en los años veinte, y el uso de la nicotina como insecticida. El reparto es un grupo de extraordinarios actores y músicos que dan vida igualmente a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco (cigarrillos) y negro (café).

COMENTARIO

Nos encontramos ante una película independiente , bien construida, una serie de personajes que se dan cita en distintos cafés o salas donde pueden degustar tranquilamente de una o varias tazas de café mientras disfrutan del pitillo. Desde este escenario se van presentando pequeños fragmentos cotidianos, conversaciones que cualquiera podría tener mientras está tomando el café. Esta película se concibio por Jarmusch como una manera de relajarse entre sus largometrajes, de manera que por estos relatos van circulando todo tipo de conocidos del director, desde su primer capitulo con un jovencisimo Benigni junto al showman Steven Wright, hasta un relato donde los componentes del grupo White Stripes conversan sobre la bobina de tesla que Jack ha construido.«El reparto da vida a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco y negro por Frederick Elmes, Robby Müller, Ellen Kuras y Tom DiCillo».La película se desarrolló rodando cortos a lo largo de 17 años. El relato de Roberto Benigni y Steven Wright se rodó en 1987 para el programa de televisión Sarturday Night Live, y el de Tom Waits e Iggy Pop se rodó en 1992.La fotografía es impecable y los diálogos como ya digo, satíricos, cotidianos, burlescos... Sin duda para mí hay varios dialogos impresionantes como el del corto donde Steve Buscemi conversa con los hermanos del director Spike Lee, o el dialogo entre los músicos Iggy Pop y Tom Waits, así mismo el de Cate Blanchet conversando con su "prima" es otro toque personal de Jarmusch.Mientras me tomo un cafelito les recomiendo esta película plenamente, si bien en algunos diálogos la película puede decaer, otros sin embargo la empujan de nuevo a flote rápidamente. Podemos observar que Jim Jarmusch no se acobarda a la hora de usar el B/N sino que lo utiliza de manera espectacular recreando el ambiente de esas cafeterias , restaurantes y antros donde todos hemos podido compartir una pequeña conversación a la hora del café.

LA FIERA DE MI NIÑA

TÍTULO ORIGINAL: Bringing Up Baby
PAIS: USA
DIRECTOR: Howard Hawks
REPARTO: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving, Tala Birell, Virginia Walker, John Kelly, William Benedict, Billy Bevan, Stanley Blystone, Ward Bond, Jack Carson, Edwa
AÑO PRODUCCIÓN: 1938
DURACIÓN: 102 minutos
GÉNERO: Romance, Comedia
PRODUCTOR: Howard Hawks
GUIONISTAS: Hagar Wilde, Dudley Nichols
MÚSICA: Max Steiner, Roy Webb
FOTOGRAFIA. Russell Metty

SINOPSIS

El “torpe” David Huxley, un joven paleontólogo, busca desesperadamente un millón de dólares para su museo y para poderse casar con su ayudante. Conoce a Susan, una caprichosa heredera, que al descubrir su labor, se decide a ayudarle. Aunque al principio David parece reacio a esta colaboración por la forma de comportarse de la joven, Susan le convence, utilizando como estrategia el trasladar a un leopardo “Baby” que está domesticado, llevándolo a casa de su acaudalada tía.... David Huxley, es científico tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio del que sólo le falta una clavícula intercostal, y que también está a punto de casarse con su amodina secretaria. Es una partida de golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja Huxley, éste conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a huxley y a dedicarle sus atenciones en su particular estilo: le abolla el coche, le rompe el smoking, esconde su ropa, le rompe las gafas y por si fuera poco, le ambauca para cuidar a un joven leopardo llamadao "baby".

COMENTARIO

Una obra maestra del polifacético Howard Hawks, y considerada como una de las mejores comedias de Hollywood. La fiera de mi niña (Bringing up Baby) narra la historia de un científico tímido e dedicado por completo a su trabajo, David Huxley, que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brontosarurio. Por circunstancias diversas conoce a Susan Vance, una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, después de involucrarle en infinidad de líos y situaciones curiosas como la de cuidar a su leopardo Baby por ejemplo... El ritmo de la película es trepidante y alocado gracias al excelente guión de Dudley Nichols, que al año siguiente trabajaría junto a Ford en La diligencia. Pero sobre todo destacan las interpretaciones de los dos protagonistas —Cary Grant y Katharine Hepburn—, sencillamente magistrales. En concreto Hepburn borda uno de los mejores papeles de su carrera cinematográfica. La pareja repetiría a las órdenes de Cukor en Historias de Filadelfia (1940) dos años después. Entre los actores del reparto destacan nombres como el de Barry Fitzgelrald o el aún desconocido Ward Bond. Sorprendentemente la película no recibió ninguna nominación al Oscar. Algo que le sucedería a Hawks en otras de sus grandes películas como Tener y no tener o El sueño eterno.