REBECCA

TITULO ORIGINAL: Rebecca
AÑO: 1940
DURACIÓN: 130 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Robert E. Sherwood & Joan Harrison (Novela: Daphne du Maurier)
MÚSICA: Franz Waxman
FOTOGRAFÍA: George Barnes (B&N)
REPARTO: Laurence Olivier, Joan Fontaine, George Sanders, Judith Anderson, Nigel Bruce, Reginald Denny, C. Aubrey Smith, Gladys Cooper
PRODUCTORA: David O. Selznick Production / United Artists
GÉNERO Y CRÍTICA: 2 Oscar: mejor película, fotografía / Intriga /

SINOPSIS

Al poco tiempo de perder a su esposa Rebeca, el aristócrata inglés Maxim De Winter conoce en Montecarlo a una joven humilde, dama de compañía de una señora americana. Poco después, De Winter y la joven se casan, y ambos van a la mansión inglesa de Manderley, residencia habitual de De Winter. Pronto la señora Winter se da cuenta de que no puede borrar en su marido el recuerdo de su difunta esposa.

COMENTARIO

Rebeca es una película muy reconocida del maestro del cine Alfred Hitchcock que, desde mi punto de vista, está sobredimensionada.El film se divide en tres partes bien diferenciadas. La primera, de una media hora de duración, es el encuentro entre la pareja protagonista. Con un cierto tono cómico, tranquilo y sosegado y escaso interés, Hitchcock nos muestra los dos mundos de los protagonistas, la riqueza de uno y la pobreza de la otra. La segunda parte, se desarrolla dentro de la casa de Manderlay, en la que Joan Fontaine se ve sometida a un auténtico tormento. Su vida se hace imposible de manera progresiva, vive en una angustia muy difícil de soportar. Esto, en un principio, resulta ser un tema realmente muy interesante, ver cómo una persona no puede vivir tranquila en su propia hogar, siendo acosada por los visitantes y por todos los que viven en ella. Pero... Hitchcock narra la historia con el freno de mano echado. Un ritmo lento y cansino, con situaciones que realmente ni dan miedo, ni dan suspense, ni misterio. Unos diálogos realmente vacíos, sin una trama de por medio, sólo ver cómo una persona la van destruyendo poco a poco, sin el sentido del humor del director británico, sin crear angustia, ni tensión... en fin, un sopor en muchos aspectos que consigue aburrir de manera considerable.La tercera sin dudas es la mejor de todas. Se empiezan a revelar los secretos que esconden los protagonistas, se crea una buena trama de misterio, diálogos rápidos, ágiles e interesantes, hasta llegar a un notable final para nada predecible. Alfred salva los muebles por los pelos, pero muy por los pelos.En cuanto a las actuaciones, un gran Lawrence Olivier, con estilo, seco y parco en palabras, un tipo frío que no muestra sus sentimientos hasta el final. Joan Fontaine un poco perdida, una chica sin pasado alguno y sin nombre, que deambula por la pantalla. No consigue que el espectador empatice con su sufrimiento, no consigue dar lástima. La mejor sin duda, Judith Anderson. Inconmensurable. Una mujer que da miedo, que acosa a Joan, que es impertinente, fría, cruda, con sentimientos casi necrófilos por Rebeca... Su sola presencia, con esa gélida mirada autoritaria, consigue crear gran angustia.En definitiva, la cinta más impersonal de Hitchcock es la única que ha ganado el Oscar a la mejor película. Los académicos de Hollywood nunca entendieron a Hitchcock, y yo nunca entenderé al Hitchcock de esta película.

COFFEE AND CIGARRETES

Dirección y guión: Jim Jarmusch.

País: USA.

Año: 2003.

Duración: 96 min.

Género: Comedia

Reparto: Roberto Benigni, Steven Wright, Joie Lee, Cinqué Lee, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, Joe Rigand, Vinny Vella, Vinny Vella Jr., Renée French, E.J. Rodriguez, Alex Descas, Cate Blanchett, Bill Murray, Jack White, Meg White, Steve Coogan, Alfred Molina, Bill Rice, Taylor Mead.

Producción: Joana Vicente y Jason Kliot.

Fotografía: Frederick Elmes, Ellen Kuras, Tobby Müller y Tom Jarmusch.

Montaje: Jay Rabinowitz, Terry Katz, Melody London y Tom DiCillo.

Diseño de producción: Mark Friedberg, Dan Bishop y Tom Jarmusch.

Dirección artística: Laura Chariton y Tom Jarmusch.

SINOPSIS
"Coffee and cigarettes" es una serie de pequeñas historias estructuradas como una película o viceversa. Cada una de ellas reúne a varios personajes sentados alrededor de una mesa tomando ca-fé, fumando cigarrillos y discutiendo de temas tan diversos como los polos de cafeína, Abbott y Costello, las teorías sobre la conspiración contra Elvis, la correcta preparación del té inglés, los inventos de Nikola Tesla, la ficticia banda de rock SQÜRL, París en los años veinte, y el uso de la nicotina como insecticida. El reparto es un grupo de extraordinarios actores y músicos que dan vida igualmente a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco (cigarrillos) y negro (café).

COMENTARIO

Nos encontramos ante una película independiente , bien construida, una serie de personajes que se dan cita en distintos cafés o salas donde pueden degustar tranquilamente de una o varias tazas de café mientras disfrutan del pitillo. Desde este escenario se van presentando pequeños fragmentos cotidianos, conversaciones que cualquiera podría tener mientras está tomando el café. Esta película se concibio por Jarmusch como una manera de relajarse entre sus largometrajes, de manera que por estos relatos van circulando todo tipo de conocidos del director, desde su primer capitulo con un jovencisimo Benigni junto al showman Steven Wright, hasta un relato donde los componentes del grupo White Stripes conversan sobre la bobina de tesla que Jack ha construido.«El reparto da vida a una ecléctica colección de tipos raros, con escenas impresionantemente fotografiadas en blanco y negro por Frederick Elmes, Robby Müller, Ellen Kuras y Tom DiCillo».La película se desarrolló rodando cortos a lo largo de 17 años. El relato de Roberto Benigni y Steven Wright se rodó en 1987 para el programa de televisión Sarturday Night Live, y el de Tom Waits e Iggy Pop se rodó en 1992.La fotografía es impecable y los diálogos como ya digo, satíricos, cotidianos, burlescos... Sin duda para mí hay varios dialogos impresionantes como el del corto donde Steve Buscemi conversa con los hermanos del director Spike Lee, o el dialogo entre los músicos Iggy Pop y Tom Waits, así mismo el de Cate Blanchet conversando con su "prima" es otro toque personal de Jarmusch.Mientras me tomo un cafelito les recomiendo esta película plenamente, si bien en algunos diálogos la película puede decaer, otros sin embargo la empujan de nuevo a flote rápidamente. Podemos observar que Jim Jarmusch no se acobarda a la hora de usar el B/N sino que lo utiliza de manera espectacular recreando el ambiente de esas cafeterias , restaurantes y antros donde todos hemos podido compartir una pequeña conversación a la hora del café.

LA FIERA DE MI NIÑA

TÍTULO ORIGINAL: Bringing Up Baby
PAIS: USA
DIRECTOR: Howard Hawks
REPARTO: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving, Tala Birell, Virginia Walker, John Kelly, William Benedict, Billy Bevan, Stanley Blystone, Ward Bond, Jack Carson, Edwa
AÑO PRODUCCIÓN: 1938
DURACIÓN: 102 minutos
GÉNERO: Romance, Comedia
PRODUCTOR: Howard Hawks
GUIONISTAS: Hagar Wilde, Dudley Nichols
MÚSICA: Max Steiner, Roy Webb
FOTOGRAFIA. Russell Metty

SINOPSIS

El “torpe” David Huxley, un joven paleontólogo, busca desesperadamente un millón de dólares para su museo y para poderse casar con su ayudante. Conoce a Susan, una caprichosa heredera, que al descubrir su labor, se decide a ayudarle. Aunque al principio David parece reacio a esta colaboración por la forma de comportarse de la joven, Susan le convence, utilizando como estrategia el trasladar a un leopardo “Baby” que está domesticado, llevándolo a casa de su acaudalada tía.... David Huxley, es científico tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio del que sólo le falta una clavícula intercostal, y que también está a punto de casarse con su amodina secretaria. Es una partida de golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja Huxley, éste conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a huxley y a dedicarle sus atenciones en su particular estilo: le abolla el coche, le rompe el smoking, esconde su ropa, le rompe las gafas y por si fuera poco, le ambauca para cuidar a un joven leopardo llamadao "baby".

COMENTARIO

Una obra maestra del polifacético Howard Hawks, y considerada como una de las mejores comedias de Hollywood. La fiera de mi niña (Bringing up Baby) narra la historia de un científico tímido e dedicado por completo a su trabajo, David Huxley, que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brontosarurio. Por circunstancias diversas conoce a Susan Vance, una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, después de involucrarle en infinidad de líos y situaciones curiosas como la de cuidar a su leopardo Baby por ejemplo... El ritmo de la película es trepidante y alocado gracias al excelente guión de Dudley Nichols, que al año siguiente trabajaría junto a Ford en La diligencia. Pero sobre todo destacan las interpretaciones de los dos protagonistas —Cary Grant y Katharine Hepburn—, sencillamente magistrales. En concreto Hepburn borda uno de los mejores papeles de su carrera cinematográfica. La pareja repetiría a las órdenes de Cukor en Historias de Filadelfia (1940) dos años después. Entre los actores del reparto destacan nombres como el de Barry Fitzgelrald o el aún desconocido Ward Bond. Sorprendentemente la película no recibió ninguna nominación al Oscar. Algo que le sucedería a Hawks en otras de sus grandes películas como Tener y no tener o El sueño eterno.

EL LABERINTO DEL FAUNO

Año: 2006

Pais: España-Mexico
Dirección y guión: Guillermo del Toro
Productores: Guillermo del Toro, Álvaro Augustín, Alfonso Cuarón, Berta Navarro, Frida Torresblanco
Productor Ejecutivo: Edmundo Gil
Director de Fotografía: Guillermo Navarro
Música: Javier Navarrete
Montaje: Bernat Vilaplana
Diseño de Producción: Eugenio Caballero
Sonido: Miguel Polo
Maquillaje Especial: David Martí (DDT)
Maquillaje: Pepe Quetglas
Figurinista: Lala Huete
Efectos Especiales: Reyes Abades
Interpretes: Sergi López(Vidal), Maribel Verdú(Mercedes), Ivana Baquero(Ofelia), Alex Angulo(Doctor), Ariadna Gil(Carmen), Doug Jones(Fauno), César Bea(Serrano), Manuel Solo(Garcés), Roger Casamayor(Pedro)

SINOPSIS

“El laberinto del fauno” nos sitúa en el año 1944, quinto año de paz, y cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto.
La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona.
También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.
Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

COMENTARIO

Obviando sus múltiples nominaciones a los premios Oscar 2007, la cinta del mexicano, realizada en España y con reconocidos actores de la península, tiene la gran virtud de hacer congeniar dos estilos diametralmente opuestos en el papel, pero que sin embargo el director supo unir en una cinta que difícilmente será catalogada como absurda, o sentimentalista, para así convertirse en un referente dentro de la cinematografía española, Del Toro parece que quiere dejar su marca en el cine hispano, y vaya que lo está logrando.
“El Laberinto del Fauno” es un drama que tiene como una de sus misiones hacer más tragable la experiencia que España, así como muchas sociedades, han vivido bajo el yugo del militarismo más intimidante.

La historia no es apta en ningún caso para niños, aunque es la pequeña Ofelia quien lleva los hilos de esta sorprendente trama, ya que es una niña que se ve obligada a acompañar a su madre, Carmen, a un pueblo rural de la España de 1944, ya que luego de enviudar se ha vuelto a casar y se encuentra embarazada. Su padrastro es ahora el rígido y cruel Vidal, uno de los tantos capitanes del ejército franquista de aquellos años. Así entonces, para hacer más llevadera su existencia, la niña comienza a vivir en un mundo paralelo y fantasioso que la hace alejarse, hasta cierto punto, de la traumática situación que se vive fuera de casa, con Vidal llevando a cabo una despiadada persecución contra la resistencia republicana, quienes incluso han infiltrado al círculo más íntimo del fascista capitán.
Ofelia, cuyas únicas compañías del lado terrenal son su madre y la abnegada empleada Mercedes, comienza a entablar amistad con extraños seres, algunos de ellos insectos con forma humanoide que vuelan a su alrededor, y por sobre todo, con un llamativo y enigmático Fauno, quien la hará cumplir algunas pruebas dentro de este mundo imaginario luego de una sorprendente revelación, siempre apuntando a hacer lo correcto, aunque a simple vista no lo parezca. Resulta fácil entender entonces porqué entre la pequeña Ofelia y Vidal crecerá una enorme antipatía que desafortunadamente tendrá consecuencias. Será ese antagonismo el que reforzará la idea central del film, que por más dura y traumática que sea la vida nunca debe perderse la capacidad de soñar.
Con una fotografía cargada hacia los tonos sepias, especialmente con ese tinte azulado, además de excelentes aspectos técnicos como vestuario, maquillaje y efectos de animación, “El Laberinto del Fauno” no deja ningún detalle técnico al azar, y transforma al largometraje de Del Toro en uno de los mejores trabajos de producción del cine de habla hispana. En el plano de las actuaciones no hay mucho que decir, salvo la gran performance de Maribel Verdú en su doble rol dentro del círculo de Vidal, pero a diferencia de otras opiniones, no me convenció del todo Sergi López, que por momentos me pareció solo una caricatura de los militares al servicio de ideologías totalitarias, con muy pocos matices dentro de este personaje que, así como provocador y detestable, debió ser mucho más complejo de lo que finalmente resultó.
Aún así, el resultado final es notable, especialmente en dirección y guión, ambos a cargo de Del Toro, por lo que “El Laberinto del Fauno” está destinada a convertirse en un clásico, más allá de algunos lunares, porque lo cierto es que combinar fantasía y drama de la forma que lo hizo su director no pasará indiferente, porque es por lejos de lo mejor que el cine de la península nos ha brindado en estos años.

EL PROCESO

Titulo original: The Trial (Le Procès)

Año: 1962

Duración: 118 min.

País: Francia

Director: Orson Welles

Guión: Orson Welles (Novela: Franz Kafka)

Música: Jean Ledrut

Fotografía: Edmond Richard

Reparto: Anthony Perkins, Romy Schneider, Jeanne Moreau, Orson Welles, Elsa Martinelli, Akim Tamiroff

Productora: Coproducción Francia-Italia-Alemania

SINOPSIS

Basado en una novela de F. Kafka y dirigida por el gran Orson Welles, "El Proceso" cuenta la historia de Josef K., quien se despierta encontrando a la policía en su habitación. Le dicen que debe ir a un juicio, pero no le informan de lo que ha sido acusado. Para averiguar el motivo de su acusación y protestar por su inocencia, intenta ver lo que hay detrás del sistema judicial. Pero dado que sus averiguaciones no dan frutos, parece no haber escapatoria para él en esta pesadilla kafkiana.

COMENTARIO

No sabía muy bien qué quería decir la gente cuando decía “es muy kafkiano”, por ejemplo; bien, ahora lo sé. Digamos que por extensión significa “algo muy raro”, que es lo que entiende todo el mundo. Pero no es solamente rareza, es algo más, es paranoia, es locura, es absurdez.Puede que en 1962 “ésta película fuese la cumbre del arte cinematográfico”, como dijo nada menos que Charles Chaplin. Lo que es seguro es que se trata de puro cine moderno; Orson Welles triunfa en ésta titánica y avasalladora empresa, arriesgada a más no poder, y adapta una obra cumbre de la literatura mundial como nadie más podría hacerlo. La inteligencia, el talento y el sentido del arte brillan aquí como el sol.Un dato importante es decir que no me he leído el libro, de Kafka sólo La Metamorfosis, pero aún así creo que no pudo quedar mejor esta película.Visualmente impactante, ésta obra maestra mete el dedo en la llaga y hurga en los subsuelos podridos de la justicia creando una atmósfera de hermosa perturbación y angustiosa impotencia.Enigmática, subyugante, incómoda, se trata de un viaje a los confines de un infierno laberíntico, plagado de contrapicados asombrosos, de grandes angulares perfectos, deformando la realidad como en una pesadilla. De hecho, es lo más parecido a una pesadilla.Pocas son las escenas que no pasaron a la historia, con un desenlace brutal, balbuceando entre la demencia un alegato destructor contra la burocracia, contra los engranajes del poder, contra la imposibilidad del individuo ante un sistema injusto.

Aquí no importa nada de qué se le acusa a K, aquí lo que importa es la impresionante actuación de Anthony Perkins (Psicosis) y cómo se va derrumbando, doblegando poco a poco cada vez más y más…Es el Réquiem por un Sueño de los 60′, es al cine lo que El Almuerzo Desnudo es a la literatura, un ejercicio desquiciado, frenético, desesperado y atroz de brillante locura.

Una de las máximas virtudes que tenía Welles, y ello queda denotado claramente en su obra, es la gran capacidad del realizador para hacerse suyo un texto ajeno. Tanto de obras clásicas de carácter mítico como pueden ser Macbeth, Othello, Campanadas a medianoche y El Quijote; obras de excelente calidad como El cuarto mandamiento (Los magníficos Amberson) de Booth Takington, El proceso o Una historia inmortal (Une histoire inmortelle, 1968) de Isak Dinesen; o, y lo que resulta más sorprendente, de novelas de segunda y tercera fila con las que Welles haría maravillosas obras como son La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1948) de la novela If I die before I wake de Sherwood King y Sed de mal de la novela Badge of evil de Whit Masterson.

EL GRAN PEZ (BIG FISH)

Titulo original: Big Fish

Drama

Pais: USA

Duración: 125 minutos

Año: 2003
Director: Tim Burton
Guionista: Daniel Wallace, John August
Productor: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck
Música: Danny Elfman
Fotografía: Philippe Rousselot
Montaje: Chris Lebenzon, Joel Negron

Reparto: Ewan McGregor-Edward Bloom (joven), Albert Finney-Edward Bloom (mayor), Billy Crudup-William Bloom, Jessica Lange-Sandy Bloom, Alison Lohman-Sandy Bloom (joven), Helena Bonham Carter-Jenny, Steve Buscemi-Norther Winslow, Danny DeVito-Amos, Matthew McGrory-Karl, Marion Cotillard-Josephine, Robert Guillaume-Dr. Bennett (mayor), Miley Cyrus-Ruthie

SINOPSIS

Esta película cuenta la historia de Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney), un hombre querido por todos, que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela a la nuestra, algo que puede aceptar sin problemas su esposa (Jessica Lange) pero que no entra en la cabeza de su hijo –Billy Crudup–, un periodista que no aguanta la tendencia de su progenitor a inflar acontecimientos de su vida para llamar la atención, lo que lo ha llevado a enemistarse con él. Cuando la salud de Edward sufre una grave recaída, el hijo vuelve al hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad. Toda la verdad. Lo que asimismo será una excusa perfecta para que el espectador pueda saber cómo fue la vida de Bloom, que incluye momentos de todo tipo: alegres, insólitos, aterradores, tristes, melancólicos, románticos, etc. Todos ellos entremezclados, apasionantes, desbordantes de imaginación.

COMENTARIO

Después del traspié que supuso la remake de El planeta de los simios, Tim Burton había sembrado muchas dudas sobre sus futuros trabajos. Pero con El gran pez, su film menos oscuro pero no por ello menos creativo y atrevido, todas ellas se despejan.
El gran pez no sólo es una bella película, sino también una película inteligente, que se permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y sus consecuencias en la transformación de un relato, activando en el público una evocación por las historias transmitidas por los padres en las que la memoria expande todo. No hay grises, todo es extremo, y se quiere escuchar el cuento una y otra vez. Pero la infancia termina, los requisitos hacia los mayores son otros y los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Necesita una guía, algo que le permita recuperar el respeto por su padre, pues el cuestionamiento sólo forma parte de una búsqueda de entendimiento definitivo.
Si estética y narrativamente.

Culminando la trilogía de los Eduardos (los otros dos films son El joven manos de tijera y Ed Wood), El gran pez establece una inesperada conexión entre Burton y el gran John Ford en el tratamiento de lo que se le enseña a la gente con respecto a la Historia Universal y de cómo hombres comunes son transformados en próceres legendarios a pesar de sus yerros. Al final del western de Ford Un tiro en la noche, un periodista decía: “Esto es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en realidad, se imprime la leyenda.” Burton, como Ford, imprime la leyenda.

La suprema destreza visual de Tim Burton como siempre descollando en la dirección de arte seapoya en un guión claro y de una narrativa placentera donde los tiempos y los sucesos se alternan enforma tan clara que la duración del film podría duplicarse sin perder efectividad ni interés alguno en cadarelato que el padre hace de su vida. Al abordar los personajes el increíble reparto es ubicado conexactitud y precisión llevando la historia por las aristas correctas.Veremos a Steve Buscemi como un poeta perdido, Jessica Langecomo la amada esposa del padre, Danny De Vito como el dueñode un circo muy freak y Helena Bonham Carter en dos papelesmuy importantes. Pero de todos quienes deja su huella es el genial Albert Finney como Ed Bloom; cada aparición de viejobonachón nos transporta con su voz cálida y sus detallesincreíbles a un placentero viaje por su vida.

CABEZA BORRADORA

TITULO ORIGINAL: Eraserhead
Año: 1976.

Duración: 90 minutos.

Director: David Lynch.

Guion: David Lynch.

Productor: David Lynch.

Musica: Peter Ivers.

Fotografía: Herbert Carwell, Frederick Elmes.

Genero: Drama.

País: EEUU.

Reparto:Jack Nance (Henry Spencer), Charlotte Stewart (Mary X), Allen Joseph (Mr.-X), Jeanne Bates (Mrs.X ), Judith Anna Roberts (Chica), Laurel Near (Dama), V. Phipps- Wilson (Casera), Jack Fisk (Hombre en el planeta), Darwin Joston (Paul)

SINOPSIS

Henry, un joven deprimido y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Pronto verá que su hijo recién nacido es un ser monstruoso.

COMENTARIO

La llegada de David Lynch a la fama se produjo en 1976. Las oscuras y deprimentes calles de Philadelphia, junto a las tribulaciones que le provocaba su inminente paternidad, inspiraron su primer largometraje: "Eraserhead”, título con juego de palabras "cabeza que borra" o "cabeza borradora" ya que en la fábrica donde trabaja el protagonista se hacen lápices negros que poseen una goma en uno de los extremos y por los cuales, Lynch intenta metaforizar sobre el comportamiento del protagonista.Comienza con un torso humano horizontal sobreimpreso contra un cerebro. El torso progresa hacia arriba y luego desciende. En un momento su boca se abre y surge una especie de espermatozoide superalimentado que escapa rápidamente. Son 3 o 4 minutos, pero sirven como óptima referencia de lo que estamos por ver, que no es otra cosa que una pesadilla.
Intentar comprender la naturaleza del hijo monstruoso del protagonista o la explicación lógica de que exista un teatro de vodevil detrás de su radiador es igualmente de absurdo. Portadora de su propia lógica, posee una ambigüedad impenetrable que permite que solo se le puedan encontrar significados alegóricos de manera superficial: ni siquiera el propio director ha esclarecido el significado completo, por un lado, debido a que esa tarea le compete al espectador y por el otro, porque carece (tal y como cualquier sueño) de una significancia absoluta. Henry Spencer, a quien distinguimos por su excéntrico peinado y por sus ropas un par de talles más chicas, vaga por una jungla industrial y urbana, sin encontrarse con nadie. A lo largo de la película va sufriendo todo tipo de situaciones difíciles: primero va a cenar a la casa de los padres de su novia topándose con un panorama decididamente surrealista; su situación cambia cuando se entera que ha sido padre de un bebé prematuro; convive con su novia y la primer noche ella le abandona porque no puede soportar el llanto del bebé; a partir de ahí debe afrontar toda una noche en vela, cuidando a esa criatura deforme (que parecería un feto de oveja más que de ser humano); por momentos fantasea con que existe un teatro de vodevil detrás del radiador de su habitación, y, eventualmente ingresa en su propia fantasía, pero para ser decapitado poco después. Henry tal vez es una alegoría no de una persona sino de un tipo de mentalidad humana. Sufre en carne propia todas aquellas cosas que no afronta (matrimonio, paternidad, rechazo). Es víctima de todo tipo de sucesos que no tienen explicación (y Henry tampoco intenta explicarlos, sino que los acepta como son). Finalmente su propia fantasía le autodestruye y lo convierte en una goma de borrar. Renacido de sus cenizas cede a los impulsos animales y primero se da al adulterio con su vecina de enfrente y luego destruye a su supuesto hijo. Lynch ofreció una propuesta cinematográfica arriesgada y comprometida. Su concepción visual es, dentro del rígido blanco y negro, una obra maestra. Por momentos juega con el espacio, hay animaciones cuadro por cuadro, hay momentos de poesía fílmica (como cuando Henry hace el amor con su vecina), hay escenas de morbo por doquier (desde casi el principio cuando la madre de su novia besa el cuello de Henry) y, por supuesto, sangre y tripas.

Durante la primera mitad de la película Lynch se toma su tiempo para mostrar las caminatas de Henry, su subida por el ascensor, sus momentos de reflexión frente al radiador, las miradas con los padres de su novia. A partir de que queda solo con el bebé, los tiempos se abrevian, y tenemos momentos de pesadillas una tras otra. Ambas caras de la misma moneda (el desarrollo lento del principio y el dinamismo del final) se contrapesan de igual manera. Sus movimientos y jadeos, sus gemidos continuos y el tono de gris enfermizo de su piel son un triunfo del propio Lynch (que se encargó de los efectos especiales en persona). Es de notar también el continuo y asfixiante susurro que acompaña las imágenes durante toda la película. Siempre de fondo, se escucha un pegajoso siseo que bien puede ser una máquina industrial trabajando o meramente el viento. En cualquier caso, cumple a la perfección con darnos sofocantes sensaciones que se añaden al ya sofocante panorama visual.