LA FIERA DE MI NIÑA

TÍTULO ORIGINAL: Bringing Up Baby
PAIS: USA
DIRECTOR: Howard Hawks
REPARTO: Katharine Hepburn, Cary Grant, Charles Ruggles, Walter Catlett, Barry Fitzgerald, May Robson, Fritz Feld, Leona Roberts, George Irving, Tala Birell, Virginia Walker, John Kelly, William Benedict, Billy Bevan, Stanley Blystone, Ward Bond, Jack Carson, Edwa
AÑO PRODUCCIÓN: 1938
DURACIÓN: 102 minutos
GÉNERO: Romance, Comedia
PRODUCTOR: Howard Hawks
GUIONISTAS: Hagar Wilde, Dudley Nichols
MÚSICA: Max Steiner, Roy Webb
FOTOGRAFIA. Russell Metty

SINOPSIS

El “torpe” David Huxley, un joven paleontólogo, busca desesperadamente un millón de dólares para su museo y para poderse casar con su ayudante. Conoce a Susan, una caprichosa heredera, que al descubrir su labor, se decide a ayudarle. Aunque al principio David parece reacio a esta colaboración por la forma de comportarse de la joven, Susan le convence, utilizando como estrategia el trasladar a un leopardo “Baby” que está domesticado, llevándolo a casa de su acaudalada tía.... David Huxley, es científico tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio del que sólo le falta una clavícula intercostal, y que también está a punto de casarse con su amodina secretaria. Es una partida de golf con el abogado de una solterona millonaria, potencial mecenas del museo para el que trabaja Huxley, éste conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a huxley y a dedicarle sus atenciones en su particular estilo: le abolla el coche, le rompe el smoking, esconde su ropa, le rompe las gafas y por si fuera poco, le ambauca para cuidar a un joven leopardo llamadao "baby".

COMENTARIO

Una obra maestra del polifacético Howard Hawks, y considerada como una de las mejores comedias de Hollywood. La fiera de mi niña (Bringing up Baby) narra la historia de un científico tímido e dedicado por completo a su trabajo, David Huxley, que está a punto de terminar la reconstrucción del esqueleto de un brontosarurio. Por circunstancias diversas conoce a Susan Vance, una caótica pero deliciosa muchacha que acaba enamorándose de él, después de involucrarle en infinidad de líos y situaciones curiosas como la de cuidar a su leopardo Baby por ejemplo... El ritmo de la película es trepidante y alocado gracias al excelente guión de Dudley Nichols, que al año siguiente trabajaría junto a Ford en La diligencia. Pero sobre todo destacan las interpretaciones de los dos protagonistas —Cary Grant y Katharine Hepburn—, sencillamente magistrales. En concreto Hepburn borda uno de los mejores papeles de su carrera cinematográfica. La pareja repetiría a las órdenes de Cukor en Historias de Filadelfia (1940) dos años después. Entre los actores del reparto destacan nombres como el de Barry Fitzgelrald o el aún desconocido Ward Bond. Sorprendentemente la película no recibió ninguna nominación al Oscar. Algo que le sucedería a Hawks en otras de sus grandes películas como Tener y no tener o El sueño eterno.

EL LABERINTO DEL FAUNO

Año: 2006

Pais: España-Mexico
Dirección y guión: Guillermo del Toro
Productores: Guillermo del Toro, Álvaro Augustín, Alfonso Cuarón, Berta Navarro, Frida Torresblanco
Productor Ejecutivo: Edmundo Gil
Director de Fotografía: Guillermo Navarro
Música: Javier Navarrete
Montaje: Bernat Vilaplana
Diseño de Producción: Eugenio Caballero
Sonido: Miguel Polo
Maquillaje Especial: David Martí (DDT)
Maquillaje: Pepe Quetglas
Figurinista: Lala Huete
Efectos Especiales: Reyes Abades
Interpretes: Sergi López(Vidal), Maribel Verdú(Mercedes), Ivana Baquero(Ofelia), Alex Angulo(Doctor), Ariadna Gil(Carmen), Doug Jones(Fauno), César Bea(Serrano), Manuel Solo(Garcés), Roger Casamayor(Pedro)

SINOPSIS

“El laberinto del fauno” nos sitúa en el año 1944, quinto año de paz, y cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años que junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen y por el que Ofelia no siente ningún afecto.
La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona.
También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.
Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. En el transcurso de esta misión, fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

COMENTARIO

Obviando sus múltiples nominaciones a los premios Oscar 2007, la cinta del mexicano, realizada en España y con reconocidos actores de la península, tiene la gran virtud de hacer congeniar dos estilos diametralmente opuestos en el papel, pero que sin embargo el director supo unir en una cinta que difícilmente será catalogada como absurda, o sentimentalista, para así convertirse en un referente dentro de la cinematografía española, Del Toro parece que quiere dejar su marca en el cine hispano, y vaya que lo está logrando.
“El Laberinto del Fauno” es un drama que tiene como una de sus misiones hacer más tragable la experiencia que España, así como muchas sociedades, han vivido bajo el yugo del militarismo más intimidante.

La historia no es apta en ningún caso para niños, aunque es la pequeña Ofelia quien lleva los hilos de esta sorprendente trama, ya que es una niña que se ve obligada a acompañar a su madre, Carmen, a un pueblo rural de la España de 1944, ya que luego de enviudar se ha vuelto a casar y se encuentra embarazada. Su padrastro es ahora el rígido y cruel Vidal, uno de los tantos capitanes del ejército franquista de aquellos años. Así entonces, para hacer más llevadera su existencia, la niña comienza a vivir en un mundo paralelo y fantasioso que la hace alejarse, hasta cierto punto, de la traumática situación que se vive fuera de casa, con Vidal llevando a cabo una despiadada persecución contra la resistencia republicana, quienes incluso han infiltrado al círculo más íntimo del fascista capitán.
Ofelia, cuyas únicas compañías del lado terrenal son su madre y la abnegada empleada Mercedes, comienza a entablar amistad con extraños seres, algunos de ellos insectos con forma humanoide que vuelan a su alrededor, y por sobre todo, con un llamativo y enigmático Fauno, quien la hará cumplir algunas pruebas dentro de este mundo imaginario luego de una sorprendente revelación, siempre apuntando a hacer lo correcto, aunque a simple vista no lo parezca. Resulta fácil entender entonces porqué entre la pequeña Ofelia y Vidal crecerá una enorme antipatía que desafortunadamente tendrá consecuencias. Será ese antagonismo el que reforzará la idea central del film, que por más dura y traumática que sea la vida nunca debe perderse la capacidad de soñar.
Con una fotografía cargada hacia los tonos sepias, especialmente con ese tinte azulado, además de excelentes aspectos técnicos como vestuario, maquillaje y efectos de animación, “El Laberinto del Fauno” no deja ningún detalle técnico al azar, y transforma al largometraje de Del Toro en uno de los mejores trabajos de producción del cine de habla hispana. En el plano de las actuaciones no hay mucho que decir, salvo la gran performance de Maribel Verdú en su doble rol dentro del círculo de Vidal, pero a diferencia de otras opiniones, no me convenció del todo Sergi López, que por momentos me pareció solo una caricatura de los militares al servicio de ideologías totalitarias, con muy pocos matices dentro de este personaje que, así como provocador y detestable, debió ser mucho más complejo de lo que finalmente resultó.
Aún así, el resultado final es notable, especialmente en dirección y guión, ambos a cargo de Del Toro, por lo que “El Laberinto del Fauno” está destinada a convertirse en un clásico, más allá de algunos lunares, porque lo cierto es que combinar fantasía y drama de la forma que lo hizo su director no pasará indiferente, porque es por lejos de lo mejor que el cine de la península nos ha brindado en estos años.

EL PROCESO

Titulo original: The Trial (Le Procès)

Año: 1962

Duración: 118 min.

País: Francia

Director: Orson Welles

Guión: Orson Welles (Novela: Franz Kafka)

Música: Jean Ledrut

Fotografía: Edmond Richard

Reparto: Anthony Perkins, Romy Schneider, Jeanne Moreau, Orson Welles, Elsa Martinelli, Akim Tamiroff

Productora: Coproducción Francia-Italia-Alemania

SINOPSIS

Basado en una novela de F. Kafka y dirigida por el gran Orson Welles, "El Proceso" cuenta la historia de Josef K., quien se despierta encontrando a la policía en su habitación. Le dicen que debe ir a un juicio, pero no le informan de lo que ha sido acusado. Para averiguar el motivo de su acusación y protestar por su inocencia, intenta ver lo que hay detrás del sistema judicial. Pero dado que sus averiguaciones no dan frutos, parece no haber escapatoria para él en esta pesadilla kafkiana.

COMENTARIO

No sabía muy bien qué quería decir la gente cuando decía “es muy kafkiano”, por ejemplo; bien, ahora lo sé. Digamos que por extensión significa “algo muy raro”, que es lo que entiende todo el mundo. Pero no es solamente rareza, es algo más, es paranoia, es locura, es absurdez.Puede que en 1962 “ésta película fuese la cumbre del arte cinematográfico”, como dijo nada menos que Charles Chaplin. Lo que es seguro es que se trata de puro cine moderno; Orson Welles triunfa en ésta titánica y avasalladora empresa, arriesgada a más no poder, y adapta una obra cumbre de la literatura mundial como nadie más podría hacerlo. La inteligencia, el talento y el sentido del arte brillan aquí como el sol.Un dato importante es decir que no me he leído el libro, de Kafka sólo La Metamorfosis, pero aún así creo que no pudo quedar mejor esta película.Visualmente impactante, ésta obra maestra mete el dedo en la llaga y hurga en los subsuelos podridos de la justicia creando una atmósfera de hermosa perturbación y angustiosa impotencia.Enigmática, subyugante, incómoda, se trata de un viaje a los confines de un infierno laberíntico, plagado de contrapicados asombrosos, de grandes angulares perfectos, deformando la realidad como en una pesadilla. De hecho, es lo más parecido a una pesadilla.Pocas son las escenas que no pasaron a la historia, con un desenlace brutal, balbuceando entre la demencia un alegato destructor contra la burocracia, contra los engranajes del poder, contra la imposibilidad del individuo ante un sistema injusto.

Aquí no importa nada de qué se le acusa a K, aquí lo que importa es la impresionante actuación de Anthony Perkins (Psicosis) y cómo se va derrumbando, doblegando poco a poco cada vez más y más…Es el Réquiem por un Sueño de los 60′, es al cine lo que El Almuerzo Desnudo es a la literatura, un ejercicio desquiciado, frenético, desesperado y atroz de brillante locura.

Una de las máximas virtudes que tenía Welles, y ello queda denotado claramente en su obra, es la gran capacidad del realizador para hacerse suyo un texto ajeno. Tanto de obras clásicas de carácter mítico como pueden ser Macbeth, Othello, Campanadas a medianoche y El Quijote; obras de excelente calidad como El cuarto mandamiento (Los magníficos Amberson) de Booth Takington, El proceso o Una historia inmortal (Une histoire inmortelle, 1968) de Isak Dinesen; o, y lo que resulta más sorprendente, de novelas de segunda y tercera fila con las que Welles haría maravillosas obras como son La dama de Shanghai (The Lady from Shanghai, 1948) de la novela If I die before I wake de Sherwood King y Sed de mal de la novela Badge of evil de Whit Masterson.

EL GRAN PEZ (BIG FISH)

Titulo original: Big Fish

Drama

Pais: USA

Duración: 125 minutos

Año: 2003
Director: Tim Burton
Guionista: Daniel Wallace, John August
Productor: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck
Música: Danny Elfman
Fotografía: Philippe Rousselot
Montaje: Chris Lebenzon, Joel Negron

Reparto: Ewan McGregor-Edward Bloom (joven), Albert Finney-Edward Bloom (mayor), Billy Crudup-William Bloom, Jessica Lange-Sandy Bloom, Alison Lohman-Sandy Bloom (joven), Helena Bonham Carter-Jenny, Steve Buscemi-Norther Winslow, Danny DeVito-Amos, Matthew McGrory-Karl, Marion Cotillard-Josephine, Robert Guillaume-Dr. Bennett (mayor), Miley Cyrus-Ruthie

SINOPSIS

Esta película cuenta la historia de Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney), un hombre querido por todos, que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela a la nuestra, algo que puede aceptar sin problemas su esposa (Jessica Lange) pero que no entra en la cabeza de su hijo –Billy Crudup–, un periodista que no aguanta la tendencia de su progenitor a inflar acontecimientos de su vida para llamar la atención, lo que lo ha llevado a enemistarse con él. Cuando la salud de Edward sufre una grave recaída, el hijo vuelve al hogar no sólo para acompañarlo en sus últimas horas, sino también para averiguar la verdad. Toda la verdad. Lo que asimismo será una excusa perfecta para que el espectador pueda saber cómo fue la vida de Bloom, que incluye momentos de todo tipo: alegres, insólitos, aterradores, tristes, melancólicos, románticos, etc. Todos ellos entremezclados, apasionantes, desbordantes de imaginación.

COMENTARIO

Después del traspié que supuso la remake de El planeta de los simios, Tim Burton había sembrado muchas dudas sobre sus futuros trabajos. Pero con El gran pez, su film menos oscuro pero no por ello menos creativo y atrevido, todas ellas se despejan.
El gran pez no sólo es una bella película, sino también una película inteligente, que se permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y sus consecuencias en la transformación de un relato, activando en el público una evocación por las historias transmitidas por los padres en las que la memoria expande todo. No hay grises, todo es extremo, y se quiere escuchar el cuento una y otra vez. Pero la infancia termina, los requisitos hacia los mayores son otros y los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Necesita una guía, algo que le permita recuperar el respeto por su padre, pues el cuestionamiento sólo forma parte de una búsqueda de entendimiento definitivo.
Si estética y narrativamente.

Culminando la trilogía de los Eduardos (los otros dos films son El joven manos de tijera y Ed Wood), El gran pez establece una inesperada conexión entre Burton y el gran John Ford en el tratamiento de lo que se le enseña a la gente con respecto a la Historia Universal y de cómo hombres comunes son transformados en próceres legendarios a pesar de sus yerros. Al final del western de Ford Un tiro en la noche, un periodista decía: “Esto es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en realidad, se imprime la leyenda.” Burton, como Ford, imprime la leyenda.

La suprema destreza visual de Tim Burton como siempre descollando en la dirección de arte seapoya en un guión claro y de una narrativa placentera donde los tiempos y los sucesos se alternan enforma tan clara que la duración del film podría duplicarse sin perder efectividad ni interés alguno en cadarelato que el padre hace de su vida. Al abordar los personajes el increíble reparto es ubicado conexactitud y precisión llevando la historia por las aristas correctas.Veremos a Steve Buscemi como un poeta perdido, Jessica Langecomo la amada esposa del padre, Danny De Vito como el dueñode un circo muy freak y Helena Bonham Carter en dos papelesmuy importantes. Pero de todos quienes deja su huella es el genial Albert Finney como Ed Bloom; cada aparición de viejobonachón nos transporta con su voz cálida y sus detallesincreíbles a un placentero viaje por su vida.

CABEZA BORRADORA

TITULO ORIGINAL: Eraserhead
Año: 1976.

Duración: 90 minutos.

Director: David Lynch.

Guion: David Lynch.

Productor: David Lynch.

Musica: Peter Ivers.

Fotografía: Herbert Carwell, Frederick Elmes.

Genero: Drama.

País: EEUU.

Reparto:Jack Nance (Henry Spencer), Charlotte Stewart (Mary X), Allen Joseph (Mr.-X), Jeanne Bates (Mrs.X ), Judith Anna Roberts (Chica), Laurel Near (Dama), V. Phipps- Wilson (Casera), Jack Fisk (Hombre en el planeta), Darwin Joston (Paul)

SINOPSIS

Henry, un joven deprimido y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Pronto verá que su hijo recién nacido es un ser monstruoso.

COMENTARIO

La llegada de David Lynch a la fama se produjo en 1976. Las oscuras y deprimentes calles de Philadelphia, junto a las tribulaciones que le provocaba su inminente paternidad, inspiraron su primer largometraje: "Eraserhead”, título con juego de palabras "cabeza que borra" o "cabeza borradora" ya que en la fábrica donde trabaja el protagonista se hacen lápices negros que poseen una goma en uno de los extremos y por los cuales, Lynch intenta metaforizar sobre el comportamiento del protagonista.Comienza con un torso humano horizontal sobreimpreso contra un cerebro. El torso progresa hacia arriba y luego desciende. En un momento su boca se abre y surge una especie de espermatozoide superalimentado que escapa rápidamente. Son 3 o 4 minutos, pero sirven como óptima referencia de lo que estamos por ver, que no es otra cosa que una pesadilla.
Intentar comprender la naturaleza del hijo monstruoso del protagonista o la explicación lógica de que exista un teatro de vodevil detrás de su radiador es igualmente de absurdo. Portadora de su propia lógica, posee una ambigüedad impenetrable que permite que solo se le puedan encontrar significados alegóricos de manera superficial: ni siquiera el propio director ha esclarecido el significado completo, por un lado, debido a que esa tarea le compete al espectador y por el otro, porque carece (tal y como cualquier sueño) de una significancia absoluta. Henry Spencer, a quien distinguimos por su excéntrico peinado y por sus ropas un par de talles más chicas, vaga por una jungla industrial y urbana, sin encontrarse con nadie. A lo largo de la película va sufriendo todo tipo de situaciones difíciles: primero va a cenar a la casa de los padres de su novia topándose con un panorama decididamente surrealista; su situación cambia cuando se entera que ha sido padre de un bebé prematuro; convive con su novia y la primer noche ella le abandona porque no puede soportar el llanto del bebé; a partir de ahí debe afrontar toda una noche en vela, cuidando a esa criatura deforme (que parecería un feto de oveja más que de ser humano); por momentos fantasea con que existe un teatro de vodevil detrás del radiador de su habitación, y, eventualmente ingresa en su propia fantasía, pero para ser decapitado poco después. Henry tal vez es una alegoría no de una persona sino de un tipo de mentalidad humana. Sufre en carne propia todas aquellas cosas que no afronta (matrimonio, paternidad, rechazo). Es víctima de todo tipo de sucesos que no tienen explicación (y Henry tampoco intenta explicarlos, sino que los acepta como son). Finalmente su propia fantasía le autodestruye y lo convierte en una goma de borrar. Renacido de sus cenizas cede a los impulsos animales y primero se da al adulterio con su vecina de enfrente y luego destruye a su supuesto hijo. Lynch ofreció una propuesta cinematográfica arriesgada y comprometida. Su concepción visual es, dentro del rígido blanco y negro, una obra maestra. Por momentos juega con el espacio, hay animaciones cuadro por cuadro, hay momentos de poesía fílmica (como cuando Henry hace el amor con su vecina), hay escenas de morbo por doquier (desde casi el principio cuando la madre de su novia besa el cuello de Henry) y, por supuesto, sangre y tripas.

Durante la primera mitad de la película Lynch se toma su tiempo para mostrar las caminatas de Henry, su subida por el ascensor, sus momentos de reflexión frente al radiador, las miradas con los padres de su novia. A partir de que queda solo con el bebé, los tiempos se abrevian, y tenemos momentos de pesadillas una tras otra. Ambas caras de la misma moneda (el desarrollo lento del principio y el dinamismo del final) se contrapesan de igual manera. Sus movimientos y jadeos, sus gemidos continuos y el tono de gris enfermizo de su piel son un triunfo del propio Lynch (que se encargó de los efectos especiales en persona). Es de notar también el continuo y asfixiante susurro que acompaña las imágenes durante toda la película. Siempre de fondo, se escucha un pegajoso siseo que bien puede ser una máquina industrial trabajando o meramente el viento. En cualquier caso, cumple a la perfección con darnos sofocantes sensaciones que se añaden al ya sofocante panorama visual.

ATRAPAME SI PUEDES

TITULO ORIGINAL: Catch me if you can
Dirección: Steven Spielberg.

País: USA.

Año: 2002.

Duración: 141 min.

Interpretación: Leonardo DiCaprio (Frank Abagnale, Jr.), Tom Hanks (Carl Hanratty), Christopher Walken (Frank Abagnale, Senior), Nathalie Baye (Paula Abagnale), Martin Sheen (Padre de Brenda), Amy Adams (Brenda), Frank John Hughes (Tom Fox), Brian Howe (Earl Amdursky), Shane Edelman (Harris), Mike Baldridge (Terry), Jamie Anderson (Ailene), Jessica Collins (Peggy).

Guión: Jeff Nathanson; basado en el libro de Frank W. Abagnale y Stand Redding.

Producción: Steven Spielberg y Walter F. Parkes.

Música: John Williams.

Fotografía: Janusz Kaminski.

Montaje: Michael Kahn.

Diseño de producción: Jeannine Claudia Oppewall.

Dirección artística: Sarah Knowles, Michele Laliberte y Peter Rogness.

Vestuario: Mary Zophres.

SINOPSIS
Frank Abagnale Jr. trabajó como médico, abogado y copiloto de una de las grandes líneas aéreas, todo ello antes de cumplir los dieciocho años. También fue un genial falsificador y sus habilidades le otorgaron una plaza en la historia. A la edad de 17 años, Frank Abagnale Jr. se convirtió en el ladrón de bancos de más éxito en la historia de Estados Unidos. El agente del FBI Carl Hanratty dedicó la mayor parte de su tiempo a perseguir a Frank para llevarle ante la justicia, pero Frank siempre estaba un paso por delante, retándole a continuar la caza.

COMENTARIO

Si algo caracterizó a la mayor parte de la década de los sesenta (particularmente antes de la revolución que significó el 68 y sus consecuentes cambios políticos y sociales) fue la un tanto ingenua percepción de la vida que había particularmente en el mundo occidental y, para ser más específicos, en Estados Unidos.
Era una época en la que, por ejemplo, ser piloto aviador, azafata o médico brindaban un estatus especial de respeto y admiración por un lado, mientras que por el otro, el todavía incipiente desarrollo de la tecnología permitía que muchas cosas fueran más sencillas de lograr.
Todo lo anterior sale a colación en esta pelicula. En Atrápame Si Puedes (Catch Me If You Can), Spielberg no solamente narra la historia de un joven estafador que trajo de cabeza al FBI durante un buen rato y que terminó convirtiéndose en uno de los mayores asesores contra fraudes del gobierno estadounidense, sino que al mismo tiempo realiza un nostálgico homenaje a aquellos tiempos sesenteros donde la vida parecía ser color de rosa.
La trama está basada en un hecho de la vida real, donde Frank Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio) es un adolescente de 16 años que atraviesa por la difícil etapa del divorcio de sus padres, por lo que decide huir de casa para abrirse paso por la vida con sus habilidades y su juventud. La admiración que siente hacia su padre, Frank (Christopher Walken), se convierte en el motor que lo impulsa a tratar de tener éxito y dinero, con el cual podrá ayudar a Frank Sr. a salir de sus múltiples deudas fiscales, mismas que lo han llevado a perder el respeto de su esposa, Paula (Natalie Baye), quien termina engañándolo con uno de sus mejores amigos.
Es así como Frank Jr. decide iniciar una extraña carrera como estafador, haciéndose pasar primero como piloto aéreo, ganando el respeto y la admiración de las mujeres (además de ganar miles de millas gratis en vuelos y cobrar millones de dólares en cheques falsos de PanAm). Al ser conocido su caso, el FBI inicia su búsqueda, misma que encabeza el agente Carl Hanratty (Tom Hanks).
Para despistar a la justicia, Frank se hace pasar también por médico y abogado, cambiando de residencia en cada ocasión, lo que dificulta cada vez más el trabajo del FBI. Pero a final de cuentas, lo que Frank desea es tener una vida normal, enamorarse de una bella chica y volver a ver juntos a sus padres. El problema es que Carl le sigue la pista muy de cerca, y aunque sus intenciones hayan sido nobles desde su punto de vista, Frank tiene una deuda pendiente que pagar con la justicia.
El filme cuenta con muchos elementos que la hacen sumamente divertida y entrañable. Por el lado de la parte técnica, la recreación que hacen Spielberg y su equipo de una época ahora lejana es fenomenal: desde la secuencia inicial de créditos, el vestuario, la música y las actitudes nos remiten de inmediato a aquellos tiempos.
Aunque el tono general del filme está más inclinado hacia la comedia, también existen elementos de thriller y melodrama que ayudan a hacerla ágil, divertida y muy entretenida, a pesar de sus casi 2 horas y media de duración.
Pero lo que en verdad sobresale por encima de todos los anteriores elementos, es el sensacional trabajo actoral de prácticamente todos los que participan en el filme. En el elenco de apoyo brillan personalidades como la francesa Natalie Baye o la sensual Jennifer Garner (a pesar del poco tiempo en pantalla de sus personajes), o un gratamente mesurado Christopher Walken (quien tiene junto a DiCaprio un par de momentos sumamente emotivos).
Por su parte, Tom Hanks, quien no aceptaba un papel secundario desde hace muchos años, brinda una sólida representación de Carl, quien poco a poco termina convirtiéndose en el sustituto de la imagen paterna que necesita Frank. Hanks también demuestra que los años le han sentado bien en cuanto a lo que se necesita para hacer una buena comedia, pues no es el Hanks exagerado de las típicas películas ochenteras de adolescentes que solía hacer, sino uno sumamente fino, divertido y humano.
Pero el que en realidad se roba la película de principio a fin es Leonardo DiCaprio, quien brinda la que quizá sea la actuación más entrañable de su carrera. Una muestra de la madurez de Spielberg como cineasta es que incluso varios de sus más feroces detractores han mostrado su gusto y simpatía por este trabajo, verdadera muestra de lo que es el cine de entretenimiento puro a su más alto nivel. Spielberg comprueba que para hacer una buena comedia, no se necesita recurrir al lugar común ni al chiste barato lleno de groserías o referencias sexuales y escatológicas. Se necesita cerebro, talento, un buen guión y magníficos actores.

Atrápame Si Puedes no solamente tiene un maravilloso elenco, una estupenda banda sonora y la etiqueta de estar dirigida por un gran director. De manufactura impecable, nostálgica y muy entrañable, es sin duda uno de los mejores filmes en toda la carrera de Spielberg, que muestra algo de lo que carecen la mayoría de los filmes actuales: grandes dosis de humor fino y mucha, mucha humanidad.

BEN HUR

Título: Ben-Hur
Dirección: William Wyler
Producción: Sam Zimbalist
Guión: Karl Tunberg, Maxwell Anderson, Christopher Fry, Gore Vidal.
Música: Miklos Rozsa
Fotografía: Robert Surtees
Reparto: Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Haya Harareet, Martha Scott, Hugh Griffith, Finlay Currie
País: Estados Unidos
Año: 1959
Género: Drama épico
Duración: 212 minutos

SINOPSIS

La acción transcurre en Palestina, el año 30. Roma, dueña y señora del mundo conocido, gobierna con mano de hierro sus vastos territorios, entre ellos la misma Palestina, sometiendo con dureza a sus moradores. Éstos desean con ansia la llegada de un nuevo Mesías que liberará al pueblo judío del yugo romano. Entre ellos Judá Ben-Hur, un príncipe rico que comercia con especias desde Oriente a Roma, un hombre respetado y creyente en la fe de su pueblo y su Dios.
Sin embargo, los tiempos están revueltos y se teme una revuelta violenta contra el poder romano, a lo cual Roma responde con el envío de dos legiones al mando del nuevo jefe militar, Messala, antiguo amigo de la infancia de Ben-Hur.
Judá ve en Messala a un amigo y también una posibilidad de cambio para su pueblo, una esperanza para el entendimiento y el respeto. Por el contrario, Messala ve a su viejo amigo como el hombre que "señalará" a los enemigos judíos de Roma por su pasada amistad. Sin embargo, Judá se niega al trato y Messala, encolerizado, rompe la relación.
Ben-Hur, temeroso de su amigo el tribuno, sabe que tendrá que tener cuidado de ahora en adelante. Pero vendrá un golpe de mala suerte: Su hermana se apoya en el borde de la azotea y una piedra se desprende al paso de la comitiva provocando que el gobernador se golpee al caer junto con su caballo y este incidente, pese a ser accidental, le hace prisionero de su antiguo amigo, que le acusa de atentar contra el nuevo gobernador de Palestina, Valerio Grato. Judá es enviado al puerto de Tiro, sin juicio, como remero de galeras. Ben-Hur jura vengarse de Messala aunque ello le lleve toda la vida.
En su viaje al puerto, Judá conocerá a Jesús, quien le dará agua. Ya en la galera, Ben-Hur conocerá a Quinto Arrio, primer Cónsul de Roma, al que salvará la vida en una batalla en la que la galera se hunde. Como gratitud hacia Judá, Quinto Arrio le adoptará como hijo suyo, con lo que obtiene riquezas y títulos. Sin embargo, a pesar de las riquezas, del poder y de la gloria de Roma, Ben-Hur sabe que tiene un juramento que cumplir y que no puede esperar más tiempo. Es la hora de la venganza...
En su camino a Jerusalén, Ben-Hur conocerá a Baltasar, y al Jeque Ilderim, un comerciante árabe. De Baltasar aprenderá que hay alguien en quien creer, un Mesías, hijo de Dios, que liberará a los hombres de su ira y su odio. Por el contrario, de Jeque descubrirá que Messala participa en las carreras de cuadrigas y, en la arena del circo, la muerte no es un delito...
Alimentado por su odio, Judá reta a Messala en las carreras y por otro lado, busca a su madre y hermana. Al regresar a Jerusalén, descubre que todo lo que había conocido había quedado reducido a ruinas, que su familia había desaparecido y que la única explicación que tenía era de la hija de un esclavo suyo, llamada Esther, a quien Judá amaba profundamente.
Tras condenar a Judá a las galeras, Messala no sólo había confiscado todos los bienes de Ben-Hur sino que se ensañó con su madre y hermana encerrándolas en los calabozos. Con la nueva llegada de Judá y su reto, Messala, tenso, mandó buscar a la familia de Judá. Para su sorpresa, tantos años en una celda inmunda en los recónditos calabozos habían hecho que enfermaran de lepra...
Judá, lleno de cólera y odio en su interior, se debate interiormente entre su venganza hacía su verdugo y su antigua amistad de la infancia. Pero Judá sabe que Messala no va a cambiar y que su única opción de resarcirse es poder ver su cuerpo mutilado y maltrecho en la arena del circo. Para ello, correrá la carrera de cuadrigas. Ahí vencerá a Messala, quien terminará cayéndose de su carro, y siendo atropellado y pisoteado por otro. Con el cuerpo ensangrentado, estará condenado definitivamente a su muerte. Esta escena de la carrera de cuadrigas es una de las más famosas de la historia del cine. Messala, en un último aliento le comunica que su madre y su hermana están vivas, pero que están en el valle de los leprosos. Por lo tanto, como Judá sabe, están condenadas a una muerte lenta y horrible.
Judá, desolado, recorre las calles de Jerusalén con su madre, su hermana, y Esther. Él accede al requerimiento insistente de ésta para que sean sanadas por el Rabí de Galilea, al que ha escuchado predicar y obrar maravillas, mientras una procesión de gente acompaña a gritos la marcha de los nuevos crucificados, entre ellos un hombre que una vez dio de beber a nuestro héroe. Ben-Hur, como agradecimiento, le devuelve su ayuda con agua y un poco de aliento en su pesada carga.
Este encuentro, y el presenciar después la crucifixión del hombre que un día le salvó de morir, harán que Judá encuentre la paz y mitigue su ira a través del perdón. Regresa aún bajo la catarsis de lo que ha presenciado cuando ve que su hermana y su madre han sanado milagrosamente. ¡Ha ocurrido el milagro! Y fundidos en un gran abrazo, se desborda la alegría.

COMENTARIO

Esta pelícuala es una leyenda del cine clásico, definitivamente, para los que celebran semana santa, es una opción fija para ver y para los que no la celebran, igual es una obra de arte para admirar.
Pero bueno, no diferenciemos la película por opciones religiosas, objetivamente es un gran film con muy buenos actores y un guión excelente que te mantiene sentado a la espectativa de lo que vaya pasar. A pesar de que la película dura como 3:30 horas, es muy dinámica y los acontecimientos impiden que te aburras siquiera un instante. Las escenas estan bien elaboradas y las tomas son de muy buena calidad y también muy ingeniosas, ya que te meten en la acción rápidamente y sientes todo el drama o el gozo con los personajes.
Para su época, una película muy costosa y muy ambiciosa, pero cumplio su objetivo, no deja de ser vigente. La mejor película de Charlton Heston definitivamente y la cual lo hizo merecedor de la tan pedida estatuilla de Mejor Actor en los Oscars del año 1960. Otro punto resaltante es cómo la película capta tan bien los sentimientos de los personajes, los acercamientos en primer plano eran perfectos, se daban en las situaciones más adecuadas; el guión, además, tiene muy buenas líneas y algunas tan buenas que se te quedan grabadas en la memoria.
Esta película en general mezcla todos los sentimientos humanos (gozo, tristeza, venganza,etc) y los encuadra en un escenario histórico importantísimo como es la vida de nuestro señor Jesucristo. Y que hablar del papel de Jesus en esta película: mientras que otras películas de la época tenían incidencia directa con la vida de Jesus, esta cambia el esquema y se centra en otro sujeto, un sujeto normal pero con la influencia de Dios, pero que, en el camino de su vida, se encuentra con pruebas que lo retan a cuestionarse a sí mismo. Además las apariciones de Jesus en la película son espectaculares, son muy importantísimas y definen la situación del personaje y el papel de Dios en la vida de cada uno de nosotros. Nunca voy a olvidar la escena en que Jesus y Juda se dan agua uno al otro: sensillamente genial, tienen que verlo.
Otro detalle adicional, es que esta película si te puede hacer llorar, pero a mi parecer tendrá ese efecto para el que sabe apreciar la complejidad de las escenas y el buen dialogo y caracterización de los personajes; además, el final es IMPECABLE. Y la última escena en el monte del calvario dice todo…… sencillamente la mejor historia jamas contado con relación a Jesus, Dios y el ser humano.