TESTIGO DE CARGO

TITULO ORIGINAL: Witness for the Prosecution
AÑO: 1957
DURACIÓN: 114 min.
DIRECTOR: Billy Wilder
GUIÓN: Billy Wilder, Harry Kurnitz (Teatro: Agatha Christie)
MÚSICA: Matty Malneck
FOTOGRAFÍA: Russell Harlan (B&W)
REPARTO
Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton, Elsa Lanchester, John Williams, Una O'Connor, Henry Daniel, Norma Varden, Torin Thatcher, Philip Sonidoge, Ian Wolfe, Francis Compton
PRODUCTORA: United Artists

SINOPSIS:

Leonard Vole (Tyrone Power) es detenido bajo acusación de haber asesinado a una rica viuda. El famoso abogado Sir Wilfrid Robarts (Charles Laughton) accede a defenderle. La única persona de la que dispone Vole para testificar su coartada es su esposa Christine (Marlene Dietrich), una mujer distante pero extraordinaria. Todo se complica ante la negativa de ésta de testificar en favor de su marido.

"Testigo de cargo" es una de las mejores películas de Hitchcock, solo que la hizo Wilder.

LA NARANJA MECANICA

TITULO ORIGINAL: A Clockwork Orange
AÑO: 1971
DURACIÓN: 137 min.
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick (Novela: Anthony Burgess)
MÚSICA: Varios (Beethoven)
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Adrienne Corry, Warren Clarke, John Clive, Aubrey Morris, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Geoffrey Quigley, Sheila Raynor, Madge Ryan, Philip Stone
PRODUCTORA: Warner Bros presents a Stanley Kubrick Production

SINOPSIS:

Alex es el melómano líder amante de Beethoven de una delirante banda de inadaptados sociales que disfruta sembrando el terror a través de la ultra-violencia y la violación de sus víctimas, dejando un reguero innumerable de crímenes de todo tipo. Cuando Alex es traicionado por sus compinches de fechorías y consecuentemente encarcelado, el gobierno trata de reinsertarlo en la sociedad por medio del innovador y contundente tratamiento "Ludovico", método que resulta ser efectivo en orden a impedir que el paciente cometa cualquier clase de acto violento. Sin embargo, éste será el inicio de la pesadilla personal del protagonista al sufrir en sus propias carnes el rechazo de sus padres y la cumplida venganza de unos verdugos favorecidos por la indefensión de nuestro protagonista.

CURIOSIDADES DE LA NARANJA MECANICA:

En el minuto 18:20 aproximadamente, después de aparecer el poster de la mujer y la serpiente, abajo aparecen las figuras de 4 cristos con el puño en alto. Esa imagen es la que aparece en una de las portadas del libro "El Anticristo" de Frederick Nietzsche.

El título original de la película es "The Clockwork Orange". "orange", en inglés significa "naranja", pero en verdad proviene de otra palabra: "ourang", una palabra de Malasia donde el autor del libro, Anthony Burgess, vivió durante varios años. Esta palabra tiene otro significado y es el de "persona". De esta manera, el escritor hizo un juego de palabras, y realmente, lo que el título significa es "El hombre mecánico". Es decir, Álex después de aplicarle el tratamiento Ludovico.

El filme está prohibido en Corea del Sur y Singapur, lo estuvo en Irlanda (hasta 1999, ahora censurado); se estrenó con escenas censuradas en Australia, Argentina, Chile, Finlandia, Francia, Alemania, Italia, México, Holanda, Noruega, Suecia y Japón; originalmente estuvo clasificado como X en Inglaterra (hasta 1999), USA (hasta 1972) e Israel, luego eliminaron algunas escenas.

El bar que aparece en la película es el Voloko, el mismo bar de "Trainspoting".

Entre las escenas que muestran las portadas de los diarios más importantes, respecto a sus opiniones sobre el tratamiento Ludovico, se puede observar sólo por unos segundos el nombre de "Burguess", al lado de la foto de uno de los generales del gobierno que coordinan el tratamiento

Al principio de la película pueden darse cuenta de que es la misma canción con la que comienza "El Resplandor" pero con ciertos arreglos.

El libro que está escribiendo Frank Alexander cuando Alex y sus "drugos" irrumpen en su casa, se titula "La naranja mecánica (A Clockwork Orange)".

Hay muchos símbolos fálicos: la serpiente arrastrándose entre las piernas de una mujer en un póster, los helados que se están tomando las chicas de la tienda de discos, la punta del bastón que lleva siempre Alex y la estatua que usa Alex para matar a la mujer de los gatitos. pedro
La mayoría de las pinturas que hay en la habitación donde Alex mata a la mujer de los gatos, son los cuadros que la misma mujer ha estado colgando en su habitación.

La violación a la mujer de Alexander está basada en un ataque que sufrió la mujer de Burgess por cuatro GI's americanos durante la Segunda Guerra Mundial, hecho que causó que abortara.

El director Stanley Kubrick solicitó a la agrupación inglesa: Pink Floyd, utilizar la música de su disco "Atom Heart Mother" para la película, pero la banda lo rechazó.

El papá de Alex es Delbert Grady, el supuesto ex vigilante de "El Resplandor".

Antes de que el director Stanley Kubrick llegase a estar envuelto en la película, fueron considerados varios repartos para Alex y sus "drugos", como chicas en minifalda, jubilados...

Despues de la filmación de la película, Malcolm McDowell no pudo usar nunca más gotas para los ojos.

Muchos actores interpretan diferentes personajes.

Cuando Alex se dirige a la tienda de discos, podemos ver en la entrada a un hombre leyendo la prensa, este sujeto es el mismo Kubrick, realizando un cameo.

Kubrick realizó personalmente un estudio de mercado, introduciendo en su ordenador los resultados obtenidos por las salas en los dos últimos años y el índice de frecuentación de espectadores, teniendo en cuenta el tipo de películas estrenadas en ellas. Una vez obtenidos los resultados, seleccionó los cines norteamericanos en que se estrenaría su filme.

Kubrick hizo deliberadamente continuos errores en la escena inmediatamente despuésde la escena en la que Frank Alexander descubre quien es verdaderamente Alex. Los platos se mueven alrededor de la mesa, y el nivel del vino en el vaso cambia varias veces para crear una sensación de desorientación al espectador.

EL PIANISTA

Dirección: Roman Polanski.

Países: Francia, Alemania, Reino Unido, Polonia, Holanda.

Año: 2002.

Duración: 148 min.

Interpretación: Adrien Brody (Wladyslaw Szpilman), Thomas Kretschmann (Capitán Wilm Hosenfeld), Daniel Caltagirone (Majorek), Frank Finlay (El Padre), Maureen Lipman (La Madre), Emilia Fox (Dorota), Ed Stoppard (Henryk), Julia Rayner (Regina), Jessica Kate Meyer (Halina), Ruth Platt (Janina).

Guión: Ronald Harwood; basado en la novela "El pianista del gueto de Varsovia" de Wladyslaw Szpilman.

Producción: Roman Polanski, Robert Benmussa y Alain Sarde.

Música: Wojciech Kilar.

Fotografía: Pawel Edelman.

Montaje: Hervé de Luze.

Diseño de producción: Allan Starski.

Dirección artística: Sebastian T. Krawinkel.

Vestuario: Anna B. Sheppard.

SINOPSIS:

“El pianista” recorre las penalidades de un pianista polaco, Wladyslaw Szpilman, quien desde el mismísimo centro del horror asiste impotente a la destrucción lenta de su familia, sus padres y sus tres hermanos, convencida como estaba de que la llegada de Hitler al país sería algo pasajero. En los primeros tiempos de la ocupación, Szpilman todavía consideraba que podía seguir adelante con su pasión y profesión musical, mas la realidad se encargó de hacerle ver que no. Huyendo de la muerte y de la sinrazón, el protagonista (sin duda la mejor interpretación de Adrien Brody hasta la fecha) deambulará por las calles de una ciudad sembrada de miedo y en las que la muerte era el único horizonte seguro.

Luego de algunos intento poco fructíferos, vuelve el gran director Roman Polanski con un film a su medida, y con un tema trágico que lo toca bien de cerca. El director narra en su autobiografía ("Roman") su brutal niñez de polaco judío, donde fue enviados junto con sus padres a un campo de concentración en 1940 bajo el régimen nazi. Abusado, testigo del horror, luego evadido con sólo ocho años de edad y refugiado entre familias católicas. Si bien varios de sus films tocan temas como la violencia; el horror y la muerte, ninguno lo enfrenta tan directamente como "El pianista".
El director de "El bebe de Rosemary", "Chinatown", "Repulsión" y "El cuchillo bajo el agua" vuelve a la pantalla grande con un clima emocionalmente devastador, dispuesto a enfrentarse cara a cara con sus propios fantasmas y vencerlos en el terreno que mejor conoce: el cine.
El film está basado en un drama real, en la vida de el pianista polaco judío Wladyslaw Szpilman, que evadió el tren que se llevó a su familia a un campo de concentración, luego escapó de los nazis, y pasó el tiempo de la guerra escondido.
Adrien Brody (La delgada línea roja) da una impresionante lección de actuación con su perfomance de el músico centrado en si mismo, que se va desmembrando sólo con el afán de sobrevivir.
Polanski sabe cómo captar el horror que uno sólo puede imaginar que causo el Holocausto, e intimar con él, como intimarán en la mayoría de las escenas violentas un ser humano contra otro, solo por causa de pertenecer a una raza diferente.

SED DE MAL

Año de producción: 1958, 106 MIN

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Joseph Calleia, Akim Tamiroff, Joanna Cook Moore, Ray Collins, Dennis Weaver, Marlene Dietrich.

Guión: Orson Welles

Música: Henry Mancini

Fotografía: Russell Metty

SINOPSIS:

Un agente de la policía de narcóticos llega a la frontera mexicana con su nueva esposa justo cuando explota una bomba. El policía decide emprender la investigación con el apoyo del jefe local, el obeso Quinlan, muy reputado en la región por sus métodos, pero un hombre ávido y brutal. Una lucha feroz se desata entre los dos hombres, pues cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro.

Touch of evil (distribuida en español variadamente como Sed de mal, Sombras del mal o Toque de maldad) (1958), considerada por muchos críticos como la segunda mejor obra de Orson Welles, es una película que retrata, de modo turbio e incluso melancólico, la resolución de un caso policial de asesinato en la frontera méxico-estadounidense. Estelarizada por Charlton Heston, Janet Leigh y Orson Welles (además del significativo rol secundario de Marlene Dietrich) la cinta parece debatirse en dos tópicos: la resolución del crimen y el desenlace del personaje de Welles, quien encarna a Hank Quinlan, un detective con un pasado trágico y un presente oscuro que, sin duda, se roba el protagonismo.
A este film se le atribuye el gran final del Cine Negro, resaltando tanto el manejo del tema, como el relato cinematográfico y el uso de diversos recursos para el movimiento de cámara.

EXPRESO DE MEDIANOCHE

TITULO ORIGINAL
Midnight Express
AÑO
1978
DURACIÓN
121 min.
DIRECTOR

Alan Parker
GUIÓN
Oliver Stone (Autobiografía: Billy Hayes)
MÚSICA
Giorgio Moroder
FOTOGRAFÍA
Michael Seresin
REPARTO
Brad Davis, John Hurt, Bo Hopkins, Irene Miracle
PRODUCTORA

Columbia Pictures.

PRODUCTOR

David Puttnam

1978: 2 Oscar: guión adaptado, banda sonora / Drama carcelario / Basada en hechos reales, narra la terrible experiencia de un americano encarcelado en una prisión turca por tráfico de drogas. Guión de Oliver Stone y excelente banda sonora -premiada con el Oscar- para un durísimo drama que obtuvo un gran éxito de taquilla.

SINOPSIS

Un joven estadounidense llamado Billy Hayes (Brad Davis) es sorprendido en el aeropuerto de Ankara con posesión de drogas ilícitas.
Sin más preámbulos es encerrado en una prisión turca al tratar de abandonar el país con dos kilos de hachís siendo condenado a 4 años de cárcel, por el cargo de tráfico de drogas.
La prisión turca de Constantinopla es lo más cercano al infierno, donde pululan y mueren seres malditos en eterno estado de miseria dura. Billy intenta salir de la cárcel por medio de un corrupto abogado, que lo único que logra es extender aun más su condena.
El ambiente de la prisión empieza a hacer efectos en el, además uno de los guardias lo pretende sexualmente.
Ya han pasado dos años, y Billy inteligentemente logra usar al guardia que lo pretende para que le confíe algunas labores que lo sacan de la misería. Logra darle 100 dolares al guardia de los 1000 que su enamorada le dio, los 900 restantes los guarda en su zapato.
Una mañana tras darle el dinero al guardia este lo saca a rastras y lo lleva a su habitación en una de las torres de vigía para violarlo, Billy se defiende y logra matar al agresor, toma su uniforme y se viste de guardia. Traspone las puertas de la prisión y logra por fin fugarse del infierno, llegando a la frontera con Grecia donde por fin después de 3 semanas logra llegar a Estados Unidos y reunirse con su familia y novia que nunca lo abandono.

ANNIE HALL

Annie Hall
AÑO 1977
94 min.
DIRECTOR: Woody Allen
GUIÓN: Woody Allen & Marshall Brickman
FOTOGRAFÍA: Gordon Willis
REPARTO: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon, Janet Margolin, Shelley Duvall, Christopher Walken, Colleen Dewhurst, Sigourney Weaver
PRODUCTORA: United Artists presents a Jack Rollins / Charles H. Joffe Production

1977: 4 Oscar: mejor película, director, guión original, actriz (Diane Keaton). Nominado Woody Allen como mejor actor / Comedia

Alvy Singer (Woody Allen) es un apreciado escritor de chistes y divertidas historias para actores cómicos que, indistintamente, actúan en clubs nocturnos y en televisión. Alvy, de apariencia insignificante, está prácticamente condicionado por sus múltiples preocupaciones por el amor, el sexo y la muerte. Pero, de pronto, conoce a Annie Hall (Diane Keaton), una atractiva mujer que ha alcanzado un enorme éxito como cantante. Atraidos físicamente, deciden irse a vivir los dos juntos. Pero, al cabo de algún tiempo, su maravillosa relación inicial comienza a enfriarse, aunque ninguno de los dos se atreve a confesarlo. Finalmente deciden, de mútuo acuerdo, separarse.

SUNSET BOULEVARD

EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES

Director: Billy Wilder

Año: 1950

Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, Marshman Jr

Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Lloyd Gough, Jack Webb

ARGUMENTO: Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que viéndose acosado por sus acreedores se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, la cual vive alejada de la realidad y sólo acompañada de su fiel criado Max, que estuvo casado con ella. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine. Debido a sus problemas económicos, éste accede en un primer momento, pensando que de esa manera va a poder evitar a los acreedores pero pronto se da cuenta del gran error que ha cometido viendo la situación de trastorno mental que sufre la actriz, la cual se acaba enamorando del escritor.

El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard) es todo un clásico. Fue realizada como más adelante comentaremos, en secreto, en el año 1950 y fue la primera gran película de Billy Wilder, el genial director austriaco (El apartamento). Las películas de Wilder siempre tienen una razón de ser, generalmente son ácidas y muy críticas: de él dijo William Holden, que tenía la mente llena de cuchillas de afeitar. En este caso el propósito que buscaba el director era mostrar al gran público, su visión personal del mundo de la meca del cine: cómo se hacían las películas, y lo que es más importante cómo se trata a los que trabajan en ese mundo, qué es lo que realmente importa a las grandes productoras: ¿qué es Hollywood, arte o industria?. Todo esto nos lo muestra Wilder de muchas maneras: en el oscarizado guión -en el que un guionista no muy brillante sufre por sobrevivir en el engranaje de Hollywood- vemos que lo que importa, por mucho que nos empeñemos en negarlo, es el dinero. Wilder realiza además una crítica feroz al trato que Hollywood hace a sus musas y a sus estrellas. Nos pone delante de la patética crisis de una actriz del cine mudo, en la época del cine sonoro. La película contiene varios guiños para el espectador, con los que el director también quiere decirnos algo. La aparición de actores que representan de alguna manera los papeles de su vida (Buster Keaton, Hedda Hopper). Así el gran director Cecil B. De Mille (él mismo en la película), que supo dar el salto al cine sonoro, también Eric Von Stroheim (Max, el mayordomo), que no supo o no quiso dar dicho salto. Aparece también la actriz Gloria Swanson interpretando el papel de Norma Desmond, (actriz de cine mudo), que no acaba de aceptar que su época ya ha pasado. Importante señalar la actuación de Gloria Swanson: nos muestra perfectamente con una actuación extraordinariamente carnal y física, al más puro estilo cine mudo, la patética situación de la actriz. Como hemos dicho antes la película fue rodada en el más absoluto secreto, cosa que en el sistema de estudios de aquella época era bastante complicado. La razón era simple: obviamente la productora no iba a permitir que se hiciera una película que criticase su modo y métodos. Así Billy Wilder, dijo que estaba rodando una peli diferente, con un argumento distinto. Cuando la película se estrenó, dicen que el famoso productor Louis Mayer (el de Metro Goldwin Mayer), le dijo: "Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que se lo ha dado todo". El director austriaco con un estilo muy personal simplemente le dijo "te jodes", y todo esto en la rueda de prensa. La película contiene momentos de esos que inmortalizan el cine, como por ejemplo, el comienzo en voz en off, que nos quita de la cabeza cualquier posibilidad de happy end, ya que es un muerto el que habla (nunca se había hecho antes), y la impresionante y lenta bajada de la escalera, el ansiado encuentro con las cámaras, de Norma Desmond que expresa también su final, el declive de lo que esta representa. Resaltar también el genial montaje en blanco y negro que tiene, que diferencia ambientes a la perfección, así como el decorado barroco y preciosista de la mansión de Norma, totalmente anticuado, tanto como ella misma. En fin, una película mordaz, pero genial. Es un personal homenaje al cine mudo, como vemos en frases como: "han hecho una cuerda con las palabras y han ahorcado el cine", o también "no hacían falta palabras, teníamos caras". Homenaje a grandes directores de aquella época como De Mille, o Stroheim. De esta manera el personaje que interpreta este último, el mayordomo Max, dice: "Griffith, De Mille y yo hemos inventado el cine". Fue nominada a muchos Oscars pero tan solo se llevó el del mejor guión (Wilder-Bracket, y Marshman Jr). Tan solo como dato diremos, que Billy Wilder fue nominado para los oscars en veintiuna ocasiones, y logró la preciada estatuilla en seis de ellas. Además es el único que ha sido premiado por mejor director, guionista, y productor. Es bueno saber lo que uno tiene delante. A disfrutar...